Festivales: After Friends 2012


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Estuvimos cubriendo el evento After Friends 2012 y compartimos con ustedes todo lo que pudimos ver:
En principio, agradecemos a la gente de After Friends (Leonardo Llinas y a Yamato Argentina) por invitarnos y permitirnos formar parte de este evento de cierre de año 2012 y esperaremos para formar parte en Anime Dreams que se prevé para 16 y 17 de febrero 2013, desde acá les instamos a todos los lectores que puedan pegarse una vuelta, lo hagan:

Como era de esperarse y como dijeron los organizadores fue un evento principalmente para que todos puedan comprar sus regalos de navidad a los fans del anime y series ya que contábamos con miles de stands que vendían desde almohadas con varios motivos de pelis y series hasta ropa, mangas, animes y varias cosas mas, que la verdad si tendría la oportunidad me las compraría todas! Estaban todos los conocidos como Ivrea, Entelequia, Neotokio y muchos más, con ofertas dignas de lo antes mencionado.
A lo que se refiere de eventos de lo mas destacado  pudimos ver: el show de magia de asombro extremo, el gran concierto en vivo de Mari Lijima (la interprete y autora de muchas de nuestros openings y endings mas conocidos, pero principalmente se la vincula con Lin minmey de Macross; y el gran concurso de cosplay que fue el cierre del primer día presentado por el genial Ariel Toronja de Toronja Producciones.

En cuanto lo que se refiere de los principales patrocinadores, cada uno tuvo su stand y nos ofrecían una buena cantidad de productos para el deleite del comprador compulsivo de turno y en alguno de ellos nos sacamos fotos con algunas de sus mayores celebridades como es chen cerveza de trueno (world of warcraft), meryl siverburgh de la mano de la cosplayer candu stark, el joker y harley quinn y de algunos fanáticos con sus respectivos cosplay.

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Uno de los stands que mas nos sorprendió por su tan logrado trabajo fueron los chicos de amaterasu y sus espadas, la verdad que es increíble el trabajo que logran estos muchachos a la hora de recrear escalas de las espadas mas conocidas de películas , series, video juegos y anime de todos los tiempos. Básicamente uno entro a la armería de sus sueños donde casi todas las replicas de las armas mas famosas estaban pidiendo a gritos que alguien se las lleve a casa.

En otro de los stand estaban los chicos de local strike ofreciéndole a la muchachada gamer juegos para todos los gustos y también estaba el stand de Blizar para el que quería viciar un rato y perderse e los juegos, siempre acompañados de una promotora.

La verdad que para ser un evento de cierre de año estuvo muy bueno pero como siempre faltándole alguna que otra cosita como para hacerlo un poco mas completo. Por ejemplo, carteles indicadores, que se repartieran el cronograma en la entrada pero como se dijo antes son detalles, el evento fue bastante bueno y el hecho de que estuviera separado el escenario donde estuvieron asombro extremo y Mari Lijima con respecto al edificio donde estaban los stands permitió que el publico disfrutara a pleno uno y otro evento, cosa en que en otros eventos por una cuestión de espacio y lugar no se podía lograr.

Por mi parte (MRE) les puedo decir que la variedad le jugo un gran favor  a este evento como dice Jorge y sin embargo la magnitud también le jugo en contra en un solo sentido, te podías perder un rato al principio entre tantos stands pero después podías ubicarte y una vez que conseguías (había que buscarlos) el cronograma, era un paseo de los más interesante, es decir, faltaba carteles señalizadores como para saber ubicarme mas rápido e ir algunos sectores, como es el caso de la rural cuando está la feria del libro, tampoco pedimos que pongan un cartel súper caro, sino que señalice nada mas.
La gente muy copada, se sacaban fotos con nosotros cuando les pedíamos sin ningún problema y disfrutando de momento, fue un evento muy entretenido porque el aire festivo era muy agradable, incluso en el caso del concierto de  Mari Lijima se podía ver la buena onda que le trasladaban a la artista invitada, pero como ya le dije a una amiga y colega en uno de los eventos pasados en el que estuvimos. En estos eventos lo principal y más importante es la pasión y buena onda que el fan entrega al evento y que alimenta al evento definiéndolo, por su apoyo, su presencia o porque capaz con pocas cosas o bajo presupuesto (ej. Cosplay) pueden hacer cosas maravillosas y por sobre toda las cosas suben el nivel anímico de todo el evento y así calidad.
Aquí se pudo ver ambas cosas, aunque capaz no había los mejores cosplay que ví. Mucha buena predisposición y muy buena vibra por parte de la gente. Además debemos destacar que los encargados de los eventos fueron muy atentos con nosotros, la verdad muy copados los pibes.
Por lo que sabemos el 16 y 17  de febrero habrá un nuevo evento llamado Anime Dreams 2013  al que esperamos poder asistir también.

Los dejo con las fotos que sacamos para que sean participes de lo que fue:

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– Jorge Dottavio

Maximiliano R. Esposito @maxwolfman007












Cine & Tec: La captura de movimiento


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Antes de hablar de la captura de movimiento como la conocemos hoy, tenemos que mencionar sus orígenes. En 1912 se inventó el Rotoscopio, un aparato que permitía filmar escenas reales y luego proyectarlas sobre un soporte semitransparente para calcar los personajes de la escena cuadro por cuadro y crear la animación. Así, se transmitía al dibujo la naturalidad y secuencialidad de movimientos, expresiones, luces, sombras y proporciones propias de una filmación, con un movimiento prácticamente igual al del mundo real.

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La película Blancanieves y los siete enanitos (1937) fue el primer largometraje animado de Walt Disney que se realizó con esta técnica. También, para la primera trilogía de Star Wars, se usaron técnicas rotoscópicas para dibujar el haz de láser de los sables de luz sobre las escenas ya filmadas con los actores, quienes portaron palos durante el rodaje de las luchas. Otro claro ejemplo de esta técnica lo podemos encontrar en el video Take On Me, del grupo noruego A-ha.


La rotoscopia se sigue utilizando hoy en día gracias a la rotoscopia 3D, que permite copiar las expresiones de los rostros humanos para luego traspasarlos a los de personajes tridimensionales. Esta tecnología se empleó para el personaje de Gollum en El señor de los anillos, cuyas expresiones faciales no se lograron con capturas de movimiento sino mediante animación. Para esto se utilizaron las tomas en las que había participado el actor Andy Serkis, ya que eran mejores que las tomas sin el actor, para luego borrarlo digitalmente y superponer a Gollum sobre los movimientos de Serkis, fotograma por fotograma.

En cuanto a la técnica de captura de movimiento, sirve para almacenar movimientos digitalmente. Su objetivo es grabar o registrar una acción o movimiento para posteriormente reproducirlo o modificarlo a través de la tecnología digital. La captura de movimiento puede ser tanto corporal como facial, ya que el concepto que se aplica es siempre el mismo: una cámara interpreta la información que trazan los sensores y traduce los datos a un formato digital. Los sensores, unas bolitas reflectoras conocidas como marcadores, se colocan estratégicamente en el cuerpo del actor, y las cámaras están ubicadas de forma tal que los marcadores pueden detectarse sin importar la posición del actor.

Aunque actualmente muchas películas implementan esta técnica, El Expreso Polar (2004) fue el primer film que se realizó completamente con captura de movimiento, mientras que Jar Jar Binks, de Star Wars Episodio 1 (1999), fue el primer personaje creado a partir de esta técnica. En Avatar (2009), se introdujeron varias innovaciones para su rodaje, ya que se inventó un sistema de captura facial en el cual los actores llevaban cascos con cámaras de vídeo de alta definición que apuntaban directamente a sus rostros.

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http://www.citytv.com.co/videos/38244/motion-capture-la-tecnica-empleada-para-la-realizacion-de-avatar

Cine & Tec: El Stop Motion


Con el estreno de Frankenweenie, realizada con la técnica de stop motion, el director Tim Burton vuelve a utilizar esta técnica en una de sus películas. En este informe comentaré de que se trata esta técnica y como se utilizó en esta cinta.

Los orígenes: El stop motion,  es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Sus inicios en el cine los podemos encontrar a través del español Segundo de Chomón, quien recurrió a esta técnica en películas como La Casa Encantada (1906) y El Hotel Eléctrico (1908).

En el año 1912 el cineasta ruso Ladislaw Starewicz,  tuvo la original idea al realizar la película La Venganza del Camarógrafo, usando insectos reales para narrar la historia de una familia de escarabajos.

Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O Brien, quien animó a King Kong en 1933. Discípulo de él, Ray Harryhausen, no se cansaría de usar la lección de su ‘maestro’ para innumerables criaturas en películas como La isla misteriosa, 1961 o Jasón y los Argonautas, 1963.

En 1979 la compañía Industrial Light & Magic aplicó una variante al stop motion inventando el go motion para la película Star Wars Episodio V: El imperio Contraataca. El go-motion consiste en que al modelo u objeto al que se estaba animando se le aplicaba un movimiento mientras se lo estaba fotografiando. De este modo se obtenía en el fotograma una distorsión por movimiento (motion blur)

Un uso destacado del stop motion que les valió un par de Oscars lo podemos encontrar en los trabajos de Aardman Animations: Wallace and Gromit y Chicken Run.

La técnica del stop motion: En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Así pues, el stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, tanto rígido como maleable. Como los juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina, manipulando el muñeco con las propias manos, así como trabajando con otros materiales (plastilina,arcilla, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros…) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.

Podríamos distinguir dos grandes variantes de animación en stop motion: la denominada claymation que es realizada con plastilina o cualquier otro material maleable y la realizada con objetos rígidos.

La animación realizada con material maleable (claymation): Existen dos variantes al usar este material uno es que las figuras se vayan transformando durante el proceso de animación (estilo libre) y la otra es que los personajes mantengan una figura consistente durante el transcurso de la animación esto lo podemos ver en los trabajos de la productora Aardman Animations. En este caso se fabrica un esqueleto articulado que se forra con la plastilina o arcilla permitiendo mover la figura, manteniendo la estructura desde principio a fin.

La animación realizada con objetos rígidos: Al trabajar con este material también podemos encontrar dos variantes. Una es cuando se utilizan personajes con rostros rígidos (parecidos a las marionetas) y articulaciones construidas generalmente con una armadura articulada interna como en el caso de El extraño mundo de Jack, 1993. La otra forma es cuando se utilizan objetos no articulados, generando movimientos mas toscos.

La técnica pixilación: Es una variante en la técnica del stop motion en la que los objetos animados son personas y objetos comunes (no modelos ni maquetas), Estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía, Norman Mclaren fue pionero de esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours. Esta ténica también es ampliamente utilizada en videoclips.

Una variación más del stop motion consiste en realizar animaciones con material gráfico estático, como fotos o recortes de prensa (en su totalidad o en partes). Un ejemplo de esta técnica sería el corto ganador de un Oscar en 1973 Frank Film’s, de Frank Morris

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Tim Burton y el stop motion: Burton utilizó dicha técnica en su primer cortometraje para la compañía Walt Disney titulado Vincent (1982). Su siguiente proyecto Frankenweenie, lo hizo pensando en un largometraje con la misma técnica, pero debido a restricciones en el presupuesto, realizó un cortometraje de acción real, que se estrenó en 1984. Cabe destacar también que a principios de los noventa Tim Burton participó como productor de El extraño mundo de Jack, película basada en sus creaciones artísticas y dirigida por Henry Selick. Su tercera película con esta técnica fue  El cadáver de la novia 2005.

La realización de Frankenweenie: Para este film los animadores debieron detenerse y posicionar los personajes y cada objeto 24 veces para obtener un segundo de filmación . En promedio, un animador podía crear solamente cinco segundos de animación por semana. Terminar el filme les tomó dos años y requirió de las habilidades de 33 animadores, que en su mayoría trabajaron individualmente. Por otro lado, se contó con mas de 200 personajes. Hubo 18 ejemplares de Víctor y 15 de Sparky.

A continuación un extracto de declaraciones de Tim Burton:

“Lo que lo hace diferente de una película de acción real es que todo ocurre muy, muy lentamente. En la acción real uno debe tomar decisiones rápidas todo el tiempo; en stop-motion puede tomar un par de días, o hasta un par de semanas realizar una toma, dependiendo de su complejidad.

Podemos decir que una semana típica de un animador de stop motion empezaba con la asignación de una toma, cada uno de ellos era responsable de todos los personajes de esa toma. Una vez que revisaba la tarea, debía hacer un ensayo o repaso con el director de animación. Ese proceso ayudaba a decidir el movimiento de la cámara, la iluminación y dónde se colocarían los accesorios de la escena. Al día siguiente, el animador tenía tiempo para realizar un ensayo más adecuado, donde podría cerciorarse de los detalles de la actuación y el tiempo.

Gran parte de la investigación y preparación de la película fue para la animación de los dos perros, Sparky y Perséfone. El director de animación, Trey Thomas, junto con su equipo realizaron investigaciones acerca de cómo se mueven los perros, una tarea que incluyó una visita a la exposición Windsor Dog Show, donde pudieron grabar a los perros en acción. Además tuvieron la visita de un bull terrier al estudio y pudieron representar con él algunas escenas de la acción de Sparky, grabándola desde diferentes ángulos.

El animador también pasaba cierto tiempo tensando esa marioneta, lo que implica apretar los tornillos en las extremidades y las articulaciones, con el fin de encontrar lo que funcionaba mejor . Todas las marionetas tenían diferentes niveles de articulación, algunos animadores deseaban una absoluta precisión, por ello empleaban ajustes más apretados; otros preferían un toque suave y para ello buscaban un tensado más flojo. Víctor era el muñeco humano más complejo y el mecanismo de su cabeza contenía no sólo las palas de los labios y la frente, sino también un complicado sistema de llaves allen que permitía que el animador moviera sus mejillas y su mandíbula muy de a poco. Esto le concedió las más sutiles y variadas posibilidades de actuación a este personaje. Otros muñecos, como Elsa Van Helsing y su tío, el Sr. Burgemeister, tenían mucho menos tiempo en la pantalla y no era necesario exhibir la gama de emociones que Víctor requería, por lo tanto los animadores pudieron representar lo que precisaban de ellos sólo utilizando palancas para los labios y las cejas. Sparky también era un muñeco increíblemente complicado. Poseía más de 300 articulaciones en su cuerpo y, debido a la delgadez de sus patas, a menudo necesitaba ser apoyado con un equipo especial para que los animadores pudieran moverlo de manera realista.

Las voces se agregaron al movimiento mediante el uso de herramientas de planeación llamadas hojas de rodaje o dope sheets. que contenían cada fotograma con su diálogo correspondiente. Así, por ejemplo, cuando el personaje decía: “Por favor, siéntate”, el animador notaba que, tan pronto como el personaje finalizaba esta línea, hacía un gesto hacia una silla y luego el otro personaje tomaba asiento. Las hojas de rodaje ayudan a los animadores a organizar sus pensamientos, especialmente cuando hay múltiples personajes en una misma toma y la acción de cada uno de ellos debe ser rastreada, incluso si el personaje sólo parpadea.

El director de animación, Trey Thomas estuvo activamente involucrado. Cada día visitaba el set y ayudaba a los animadores cuando aparecía un desafío. El reto fue lograr que los muñecos se emocionaran y actuaran de manera creíble”.

Estreno: Frankenweenie


Segunda película que estrena este año Tim Burton como director . Contentos deben estar los fans de este original director, que todo hay que decirlo, hoy no atraviesa por su mejor momento creativo. Luego de Sombras tenebrosas, llega el turno de Frankenweenie (ídem, 2012), basado en su propio cortometraje -live action- del mismo nombre realizado en el año 1984 y con actuaciones de Shelley Duvall y Daniel Stern, entre otros.

Tim Burton vuelve a la animación en esta cinta que no es otra cosa que un homenaje al clásico Frankenstein y, mas específicamente, a las geniales versiones hechas por la Universal Pictures en los años ’30.

En esta remake (sí, hasta de los cortos se hacen) podremos disfrutar de las voces de: Martin Landau, Christopher Lee -en poco tiempo lo veremos en la primera parte de El Hobbit-, Martin Short -lo veremos el próximo año en una versión animada de El mago de Oz- y Winona Ryder -la veremos el próximo año en Homefront-, entre otros.

Burton es también productor de esta cinta. Por otro lado, hay que decir que, como productor, este año estreno la bizarra Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros.

A continuación les dejamos el avance de Frankenweenie. Que lo disfruten!

Viñetas Argentinas en el cine (parte 4)


Con esta cuarta y última parte, culmina el especial sobre viñetas argentinas llevadas a la pantalla. En esta nota veremos algunos documentales sobre el tema y los proyectos que se conocen hasta ahora.

Documentales

 Imaginadores (2007). Dirigida por Daniela Fiore y Julio Azamor

Este es un documental que repasa la historia de la historieta argentina desde sus comienzos hasta fines de la década del ’90, a través de testimonios de los propios protagonistas. Entre los guionistas, dibujantes, editores y periodistas entrevistados, podemos encontrar a Roberto Fontanarrosa, Elsa Sánchez de Oesterheld, Carlos Trillo, Horacio Altuna, Solano López, Enrique Breccia, Andrés Cascioli, Caloi, Oswal y un etcétera larguísimo. Intercalados entre algunos de los testimonios, el film presenta fragmentos animados de personajes célebres del comic nacional como el Sr. López (que sirve como conector entre las distintas partes de la película, a través de sus “puertitas”), el Eternauta, Mort Cinder, Clara de Noche, Sónoman, Cybersix y Cazador, entre otros.

El film está impecablemente realizado, con un buen nivel en las animaciones, y si bien no llega a comentar el surgimiento de nuevas editoriales y revistas ocurrido a partir de la década pasada, es una excelente puerta de entrada para los que quieran acercarse a conocer la aventura de la historieta en Argentina.

Liniers: El trazo simple de las cosas (2010). Dirigida por Franca González

En el año 2007, la realizadora Franca González se encontró trabajando durante algunos meses en Montreal, gracias a una beca del Concejo de Artes y Letras de Québec. En su estancia allí, entra en contacto con Liniers (que había obtenido la misma beca), el reconocido autor de la tira Macanudo famoso por su tira en el diario La Nación. Fascinada por sus dibujos y su proceso creativo, la directora comienza a filmar por diversión el trabajo de Liniers, hasta que el pasatiempo se convierte en la posibilidad concreta de un largometraje documental.

Gran parte del film se concentra en el encuentro entre la directora y el dibujante en Montreal y los reiterados –y en última instancia, vanos- intentos de Liniers por desentenderse de formar parte de la película. Superados estos tropiezos, seguimos los pasos del autor en su trabajo diario, sus apariciones públicas y charlas con los lectores, y su participación en los recitales de Kevin Johansen + The Nada. Todo esto sazonado con fragmentos animados de varios de sus personajes, de muy buena factura. En síntesis, una película que nos acerca al trabajo cotidiano de Liniers (un tipo realmente macanudo, valga el tonto juego de palabras) y que gustará o no en la medida en que se disfruten sus obras.

Documentales sobre Héctor Germán Oesterheld

La importancia de Héctor Oesterheld para la historieta y la cultura argentina excede sus innovaciones en el campo artístico. Le alcanza para quedar en la Historia con la renovación que produjo a fines de la década del ’50 en la historieta de aventuras, a través de la creación de la editorial Frontera y la publicación de personajes como El Eternauta, Ernie Pike, Ticonderoga, Joe Zonda, Sherlock Time y tantos más. Pero la propia vida del guionista reviste también un interés particular: comienza a militar activamente en política en la organización Montoneros y, luego de asumido el gobierno de facto de la Junta Militar, sufre el secuestro de sus cuatro hijas. Un año más tarde, él mismo es capturado por los paramilitares y visto por última vez en un centro clandestino de detención en abril de 1977. Desde este entonces continúa desaparecido.

Varios realizadores se hicieron eco de esta historia y relataron para las nuevas generaciones su notable calidad como historietista y el compromiso inclaudicable con las ideas de su tiempo. Repasamos a continuación algunas de estas producciones.

H.G.O. (1998). Dirigido por Víctor Bailo y Daniel Stefanello

Es el primer trabajo audiovisual en recorrer la figura y el legado del creador del Eternauta. En sus más de dos horas, el documental hace hincapié sobre todo en los pormenores de su vida cotidiana y en su vuelco a la militancia activa. Todo a través de testimonios de colegas y protagonistas directos, como su viuda Elsa Sánchez, Francisco Solano López, Enrique Breccia, Ricardo Barreiro, Guillermo Saccomano y Miguel Rep, entre otros. Un trabajo de minuciosa investigación, fundamental para entender los objetivos y el compromiso que perseguía Oesterheld en sus historias.

Hora Cero (2002). Dirigido por José Luis Cancio

Este documental realizado por José Luis Cancio también repasa la labor militante de Oesterheld, pero enfatiza además en su relevancia como guionista de aventuras en los años ’50, a través del valioso testimonio del dibujante Eugenio Zoppi. Hablan también Solano López, Elsa Sánchez, Tomás Oesterheld (nieto de Héctor) y Juan Sasturain.

La mujer del Eternauta (2011). Dirigido por Adán Aliaga

Como se puede deducir por el título, La mujer del Eternauta se centra en la figura de Elsa Sánchez de Oesterheld. La película cuenta el derrotero de un ama de casa que de pronto se ve envuelta en un ambiente de militancia política que no compartía y que terminó, luego de la lucha armada, por quitarle a su esposo y a sus cuatro hijas. El dolor de la ausencia, la asimilación de la tragedia y la reconciliación con el pasado son mostrados en este film con una gran sensibilidad y un muy buen trabajo de imagen. La mujer del Eternauta estuvo durante un tiempo disponible para verse en su sitio web y hoy se está exhibiendo en distintos festivales alrededor del mundo.

<p><a href=”http://vimeo.com/27482200″>La Mujer del Eternauta</a> from <a href=”http://vimeo.com/fridafilms”>Frida Films</a> on <a href=”http://vimeo.com”>Vimeo</a&gt;.</p>

Con respecto a la figura de Oesterheld, cabe mencionar dos proyectos que se encuentran en distintas etapas de producción. El primero es un largometraje que lleva adelante el realizador Gustavo Mosquera R. (director de Lo que vendrá, 1988 y Moebius,1996). La producción corre por cuenta de Donal Ranvaud, y contará en su metraje con una parte –aproximadamente 20 minutos- basada en El Eternauta.

El segundo proyecto es la miniserie televisiva Germán. Últimas viñetas, escrita por el guionista Luciano Saracino y dirigida por Cristian Bernard, Flavio Nardini y Federico Sosa. En 13 capítulos, la historia contará los últimos años de Oesterheld (interpretado por Miguel Ángel Solá) como guionista, con principal hincapié en su paso por la editorial Columba.

<p><a href=”http://vimeo.com/47823126″>Teaser I de German Ultimas viñetas</a> from <a href=”http://vimeo.com/user8815644″>Makka</a&gt; on <a href=”http://vimeo.com”>Vimeo</a&gt;.</p>

PRÓXIMOS PROYECTOS

Los proyectos de largometraje relacionados con personajes de la historieta argentina no son numerosos. Sin embargo, han trascendido dos muy interesantes, basados casualmente en el mismo personaje: Nippur de Lagash, el errante sumerio creado por el guionista Robin Wood y que se publicara durante varias décadas en las revistas de Editorial Columba. El primer proyecto está a cargo del reconocido director Enrique Piñeyro (responsable de Whisky Romeo Zulú, 2004, Fuerza Aérea Sociedad Anónima, 2006, Bye Bye Life, 2008 y El Rati Horror Show, 2010) y cuenta con la participación del propio Wood en el guión. El segundo es una movida independiente llevada adelante por un equipo de técnicos y actores rosarinos, al mando del realizador Iván Molina. Esta producción ya cuenta con un teaser promocional –filmado en Carcarañá y basado en el episodio “El Rey”- y actualmente se encuentra en la búsqueda de financiación. El rol protagónico está encarnado por Ariel Bressán, de un gran parecido físico con Nippur. En esta nota realizada por el Canal 4 de la televisión rosarina se pueden apreciar algunas imágenes y testimonios del realizador y los actores:

Y finalmente, luego de tantos años y producciones de tanta variedad… ¿cómo todavía no existe un largometraje sobre El Eternauta? Proyectos no han faltado –el último del que se tuvo noticias estaba capitaneado por Lucrecia Martel-, pero hasta el momento ninguno ha llegado a su concreción. Vale destacar, eso sí, el corto de poco más de un minuto dirigido por Enrique Piñeyro, realizado especialmente para la 12º edición del BAFICI. Mientras tanto, los amantes de la historieta nos seguimos haciendo una pregunta que, no por obvia, es menos pertinente: ¿será posible realizarlo?

Estreno: Hotel Transylvania


Volvemos a hablar aquí de Hotel Transylvania, uno de los títulos del género animación más atractivos de lo que queda de este 2012. Y es que este largometraje animado de Sony Pictures está dirigido por Genndy Tartakovsky, responsable de series como El laboratorio de Dexter, Star Wars: Clone Wars o Samurai Jack (Todos se emitieron por cartoon network). Además, el punto de partida de la historia puede dar mucho juego: la existencia de un hotel donde las criaturas sobrenaturales pueden descansar del contacto con los seres humanos.

Hotel Transylvania  parte de que “Drácula (Sandler) ha creado un refugio hotelero para que los monstruos y sus familias puedan protegerse y descansar de la persecución de los humanos. Todo va sobre ruedas hasta que aparece un ingenuo y aventurero muchacho humano queriendo alojarse en el lugar. El problema se agrava para el célebre vampiro cuando descubre que su hija (Selena Goméz), a la que intenta retener a su lado a toda costa, parece sentir una atracción especial hacia el recién llegado…”

Dato curioso:

“El popurrí de monstruos de Hotel Transilvania revivió la taquilla de Norteamérica el fin de semana después de la mala racha durante el verano boreal. Este fin de semana se vio reforzada por un sólido estreno en el segundo puesto: Looper (de la que ya hablamos en este blog), un thriller con viajes en el tiempo en el que actúan Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt, que recaudó 21,2 millones. Los ingresos brutos totales de Hollywood subieron por primera vez en un mes en comparación con el mismo fin de semana del año pasado.”

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Anime & Manga: Entrando en el Futurista universo de Cowboy Bebop


Esta serie tiene una historia muy particular que contar, para finales de los años noventa las tardes televisivas de anime en la tv abierta japonesa estaban pasando por un punto bajo, gracias a que la mayor parte de las series que ocupaban este espacio eran particularmente infantiles, de géneros repetitivos o directamente remakes de series viejas. Es en ese entorno más específicamente en 1998 que hace su aparición Cowboy Bebop esta serie terminó de confirmar la propuesta (iniciada por productos como Evangelion y Escaflowne) de que el anime puede ser terriblemente exitoso, comercial y obtener fama internacional sin necesidad de tener una duración de dos mil episodios; lo único que importa es que sea un producto de calidad y por sobre todo original. Desgraciadamente un producto tan innovador como Cowbe (toda serie que se precie tiene que tener abreviación) tuvo muchos problemas para llegar a la TV abierta nipona, siendo censurada y recortada.
El año anterior a su emisión unos chicos asesinaron a una profesora embarazada bajo, según ellos, “influencia de las series de tv”; hecho que sumado al episodio epiléptico de Pokèmon de diciembre del ’97, terminó convirtiendo a los canales de aire en borreguitos temerosos, reacios a poner en sus pantallas cualquier cosa que tuviera cuchillos, armas o sangre.


El caso particular es que Shinichiro Watanabe, su creador y director, había presentado una obra de 26 episodios en la que los tiros y las piñas eran tan comunes como los corazoncitos y estrellitas en un capítulo de los Ositos Cariñosos. Obviamente Tv Tokio, que si bien pasaba mucho anime ya era un canal más cuidadoso en ese tema, nunca iba a aceptar emitirla así porque sí.
Es así como desde el 3 de abril de 1998, todos los viernes a las 6 de la tarde llegaban a la pantalla chica de TV Tokio 12 episodios censurados que duraron apenas hasta el 19 de junio. Lo peor de todo era que ni siquiera eran los doce primeros, sino que eran el cap. 2, el 3, del 7 al 15 y el 18. Sin embargo estos doce capítulos sirvieron para demostrar que se trataba de un producto excelente, que sin duda valía la pena pagar para ver el resto. Finalmente se realizo un “capítulo extra” para terminar una temporada de 13 episodios, emitido este último el 26 de junio de ese año; donde se mostraban imágenes de los episodios anteriores y junto a canciones nuevas, los cuatro personajes filosofando sobre la vida. Lo único importante de este episodio era la oración final que anunciaba: “This is not the end. You will see the real Cowboy bebop Someday!” que comunicaba a los fanáticos que los contratos para el lanzamiento de la serie en video y su emisión por canal satelital WOWOW ya estaban en curso.
Es así como el 25 de agosto del mismo año salía a la venta el episodio 0, que en realidad era un preview de lo que vendría más adelante y varias entrevistas al staff de creadores. Dos meses más tarde pasaron para que se estrenara la serie en su totalidad el 23 de octubre de 1998, sin censuras, terminando de pasar la totalidad de la serie el 23 de abril de 1999. Su popularidad fue tan marcada y creciente con el pasar de los años que se estreno una película en septiembre del 2001 de un nivel espectacular se mire por donde se mire, desde la música hasta los colores de las imágenes, ya que el concepto es que fuera un episodio súper largo de 120 minutos con la calidad sublime que se puede pedir a una película de alto calibre.


Una de las curiosidades de la serie es que los personajes de Cowbe recuerdan muchísimo a la serie Lupin III, en los que confiesan haberse basado a la hora de diseñarlos. Lupin es Spike y Jigen es sin duda Jet (misma barba puntiaguda y todo). Sin embargo el aspecto que más intentaron recuperar de la serie Monkey Punch no fue el físico de los personajes, sino la atmósfera cómica general de esta. Los mangas del que se originan esta serie son dos,  lo que hay que destacar es que el nivel grafico es bajísimo y el primero de estos mangas se serializo en septiembre de 1997 y terminó de editarse en junio de 1998. Los tomos recopilatorios que resultaron de estos mangas se publicaron bajo el nombre Shooting star Bebop y apareció en segundo plano el nombre Cowboy Bebop, y ya hay que dar a conocer que si bien los personajes se respetan, la trama en los mangas es diferentes con respecto al anime. La segunda serie de comics se canceló de improvisto en el capítulo 8, pero agregaron dos capítulos más para redondear la trama que ya estaba creada.
Otra de las cosas que tienen en común la serie Cowboy Bebop y Lupin III y necesita párrafo aparte es la atmósfera musical. Para esta producción a la ya muy afamada Yoko Kano responsable de joyas musicales como Macross Plus y Escaflowne, se le dio luz verde para experimentar cuanto quisiera. El nuevo estilo de Jazz eléctrico y Blues, tan alejado del clásico Pop o el Metal que gobierna el 80% de los soundtracks actuales, resultó tan importante para la serie que terminó condicionando mucho de los episodios e incluso el nombre de la serie. El término “Bebop” es un estilo de Jazz que fue algo así como la revolución en la música de los 30´y 40´; el cual a su vez fue retomado durante la renovación del rock de los 70´. Para llevar a cabo semejante producción musical Yoko Kano formó especialmente un grupo conocido como Seathbelts formada por 24 personas, con las cuales compuso una infinidad de temas que se recopilaron en la envidiable suma de ocho CD´s.

Fuente: Revista Lazer.

A continuación les dejo el opening de la serie en HD con la canción “Tank“. saludos

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>