Festival de Mar del Plata: Homoide, el futuro desde el otro lado de la Cortina de Hierro


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Una interesante producción soviético-polaca de ciencia ficción, de 1979, sobre un cuento del famoso autor Stanislaw Lem. Trata sobre una misión experimental a Saturno, en la que el capitán de una nave espacial deberá juzgar el rendimiento de una nueva línea de androides, los llamados “homoides” del título. Su opinión es decisiva para el futuro del emprendimiento robótico: si es positiva, acelerará la producción de las máquinas; si es negativa, dilatará o hasta detendrá su elaboración. Obviamente, existen muchos intereses de por medio. La UNESCO y el gremio de pilotos prefieren que el proyecto fracase, para preservar los puestos de trabajo de los cosmonautas. En cambio, la empresa fabricadora de robots pretende que el negocio sea un éxito. Tras algunas maniobras políticas, el primer grupo logra imponer como líder de la misión al comandante Pirx, un piloto veterano que, según intuyen, estaría dispuesto a resolver que los robots son incompetentes. El único problema es que él desconoce quiénes entre sus tripulantes son androides y quiénes humanos. A simple vista, no hay forma de distinguirlos.

La película se proyectó en el último Festival de Mar del Plata en 35 mm, y formó parte de la sección Filmoteca en Vivo, que también incluyó cintas como Escándalo, de Salvatore Samperi, y El amor nunca muere, de Fred Burnley. Esta sección, organizada por el coleccionista Fabio Manes y el historiador y crítico Fernando Martín Peña, fue una extensión marplatense del ciclo que se celebra semanalmente en Capital Federal, en el ENERC, que a su vez es una ampliación del programa Filmoteca – Temas de Cine, de TV Pública. En su reseña de Homoide, impresa en el catálogo del festival, Manes considera que se trata de una película “bastante rara”. Personalmente, no creo que lo sea tanto, especialmente cuando se la compara con otros clásicos de ciencia ficción provenientes de Europa del Este, como Kin-Dza-Dza y Visitante a un museo, de la Unión Soviética, y En el polvo de las estrellas, de Alemania Oriental. La diferencia, quizás, es que estas cintas, aunque disparatadas, construyen una lógica interna coherente. Es decir, son lo que pretenden ser: Kin-Dza-Dza es una sátira absurda, En el polvo de las estrellas es una fantasía kitsch y Visitante a un museo es una pesadilla dantesca. Homoide, en cambio, es un relato más o menos serio, con algunos toques de humor, cuyos pasajes más ridículos son errores de dirección y producción y no, como en los ejemplos anteriores, extensiones de un estilo consistente. Por eso, abundan las escenas flojas y las imperfecciones estéticas: los continuos y horrendos zooms, propios de los años setenta; los palacios gubernamentales y empresariales extrañamente despoblados; las deficiencias técnicas a la hora de representar viajes espaciales; y una estructura narrativa desbalanceada. La mitad del metraje está dedicada a diálogos expositivos, y la segunda mitad, al viaje a Saturno, que ya no tiene tiempo para desarrollarse. Por lo tanto, la historia termina a las apuradas.

Sin duda, lo más destacable del film ocurre a bordo de la nave espacial, donde Pirx intenta diferenciar entre humanos y androides. La tarea se complica, ya que, más allá del aspecto biológico, ¿en qué difiere uno de otro? Hablan y lucen de la misma manera, y ambos comen y beben. Incluso, los robots hasta pueden sangrar, ya que su construcción imita la del físico humano. Pirx conversa con cada uno de sus tripulantes, pero no obtiene mayores resultados. Finalmente, uno de ellos, el médico, interpretado por Aleksandr Kaydanovsky, quien luego sería el stalker del film homónimo de Andrei Tarkovsky, admite ser un androide. Increíblemente, tampoco desea que la misión sea un éxito. Según su lógica, si los homoides se producen en masa, él será uno más entre miles y sus habilidades ya no serán tan valiosas y especiales. La película, durante la primera mitad, nos muestra un mundo capitalista, en el que McDonald’s sirve bebidas alcohólicas, las marcas comerciales inundan el paisaje urbano y el fabricante de los homoides protege celosa y criminalmente sus intereses económicos. El androide médico, en este contexto, no puede dejar de estar preocupado por su lugar en el tablero económico y social. Lo mejor de la película, entonces, es cómo ubica a cada personaje en la telaraña de un sistema que incentiva, a toda costa, la competencia y el lucro. Un tema no muy sorprendente, tratándose de una producción comunista, pero correctamente planteado.

Twitter: @beaucine

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Cine: Thor 2: Un mundo Oscuro, el gris lo define bien


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El universo de Marvel ya entro en la autodenominada Fase 2, es decir, la etapa post Los Vengadores. Luego de la injustamente odiada Iron Man 3, le tocaba al dios del trueno dar el presente. Después de la flojísima primera parte, los asgardianos debían redimirse por cuenta propia ante el público, y en cierto punto, lo hicieron; solo en cierto punto.
Luego de miles de años, los Elfos Oscuros comandados por Malekith vuelven a aparecer para conquistar el universo y sumirlo en la oscuridad; todo por el resurgimiento del aether, su arma más mortífera. Por desgracia para ellos la peligrosa sustancia se une a Jane Foster, lo que implica que ahora deberán pasar por sobre Thor para llegar a ella. El Dios del Trueno deberá valerse de todas sus fuerzas, amigos y enemigos para derrotar a los Elfos.
Como dije arriba de todo, superar a la bazofia que resulto ser la primera parte era bastante fácil. Si, esta continuación es mucho mejor, pero no por eso tiene demasiado merito, principalmente porque se siguieron cometiendo los mismos errores.
Uno de ellos es que el humor made in Marvel ya hincha las pelotas. Si, en toda peli de acción suele haber algún momento gracioso. Pero como dije ALGUN, no todas las escenas tienen que terminar con un gag. Mas si no son graciosos, y peor aún, si están mal puestos. Y con esto le apunto a los estúpidos chistes que están esparcidos durante todo el clímax.
Y esto también me sirve para las otras dos grandes críticas que tengo. La primera es el personaje de Kat Dennings. Si, la pechugona esta que se parte, pero su personaje es insoportable. Y si ya provocaba ira asesina en la primera, acá que tiene más protagonismo ni les cuento.
La segunda crítica es al villano. Eccleston hace lo que puede (aunque con tanto maquillaje esta irreconocible). Pero no sé si será por falencias propias del personaje (desconozco los comics de Thor), o porque está mal adaptado a la gran pantalla; pero su Malekith es bastante apestoso, y termina siendo una excusa más para ver la relación entre Thor y Loki.
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Si, acá por suerte los hermanos están bien compuestos y son de lo mejor de la peli. Por fin vemos en solitario al Thor que todos queríamos ver: poderoso, intimidante y con el honor ante todo. Y Loki, que decir, se devora la peli eclipsando a todos. Lejos es el mejor personaje de Marvel en cines junto con Tony Stark. De hecho la peli levanta vuelo cuando Loki toma protagonismo.
El resto de los personajes y actores gana en importancia en la trama. Quizás sea Rene Russo la que más relevancia toma en función de la historia comparándola con la primera parte. Ojo, algunos este tiempo de mas que tienen es para mal. El Doctor Selvig pasa a ser un bufón en la historia, pasándose media peli en calzones. Además de lo que ya dije de Kat Dennings (a la cual le endosan un novio aun peor que ella).
Comentario aparte a una sub trama bastante desaprovechada. Ya en la anterior peli veíamos como Sif le tenía ganas al blondo dios. Acá con la llegada de Jane Foster a Asgard uno esperaba que hagan algo con ese triangulo, pero por desgracia no pasa más que de una mirada de desprecio de Sif al personaje de Portman.
Antes de ver la peli, leí muchos comentarios quejándose que la peli seguía la tónica de ser más un capítulo de serie hasta Los Vengadores 2 que otra cosa. No les hagan caso, la peli es auto conclusiva y se puede ver perfectamente sin haber visto ninguna otra de las pelis de Marvel. La única queja que le pongo es que no amplio el universo creado, no hay personajes nuevos salvo el villano.
La peli también suma puntos porque la mayoría del desarrollo pasa en Asgard, dejando a la Tierra muy poco tiempo en pantalla. Esto sumado a lo que dije, con Thor usando sus poderes siempre (en la uno se pasaba gran parte del metraje sin ellos) hacen que la cosa nivele para arriba.
Thor: Un mundo Oscuro mejora con respecto a su primera parte. Pero también repite errores que ya se están notando en varias pelis de Marvel, haciendo que el producto final se sienta como si por pavadas que eran fáciles de corregir, se podría haber visto algo mucho mejor.
Un saludo revoleando el martillo.
Nota: 6
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Entrevista a Julio Caloggero, director del Festival de Cine de Tapiales


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De los tantos festivales internacionales que existen hoy en día, algunos merecen ser mencionados porque empezaron en lugares o por circunstancias muy particulares, como es el caso del Festival de Cine de Tapiales. A medida que pasaron los años, fue adquiriendo presencia en el ámbito, a pesar de llevarse a cabo en las afueras de Capital Federal. Fanboy Cave entrevistó al director del festival, Julio Caloggero, quien muy amablemente recibió nuestras preguntas sobre esta iniciativa barrial, que entre el 5 y el 8 de diciembre celebrará su décima edición.

Fanboy Cave: Ya hace 10 años que hacen el Festival de Tapiales. ¿Cómo fue el primer festival?

Julio Caloggero: Fue una proyección maratónica de seis horas de cortometrajes. Luego vino la entrega de premios. Duró solamente un día. Recuerdo que el publico asistió a pesar de la lluvia, allí en la Sociedad de Fomento donde hicimos las primeras ediciones. Le pusimos mucha energía, a pesar de que no había ningún antecedente cinematográfico local y no sabíamos la aceptación que luego tendría el festival.

FBC: ¿Cómo nació la idea y cómo consiguieron el apoyo municipal?

JC: Juan Pablo Caserta, que trabaja en la producción del festival, fue con la idea a la Secretaría de Cultura de La Matanza. Tenían muy poco presupuesto, pero brindaron la ayuda para que se pudiera realizar. La aceptación de acompañamiento por parte del municipio fue inmediata.

FBC: ¿En qué consideran que tendrían que mejorar?

JC: En que crezca cada vez más el festival desde su identidad. Es un festival muy diferente, al realizarse al aire libre su competencia. Su característica popular lo define como único dentro del país. Creo que deberíamos mejorar. Será cada vez más lo que somos, y los realizadores y el público aprecian eso. El organismo vivo que es el festival va en esa dirección.

FBC: ¿Cada año se enfocan en una temática o en algún lineamiento en particular? ¿O son más bien abiertos al respecto?

JC: Totalmente abierto. Si bien cuidamos bastante el nivel de la competencia, en conjunto con las muestra paralelas tiene que ser Tapiales la pantalla del encuentro y donde conviva el gusto de muchos.

FBC: ¿Cuáles son sus objetivos a futuro en cuanto al festival?

JC: Que siga, que continúe, que el público y los realizadores se lo hagan propio cada vez más.

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FBC: La recepción de la gente fue muy positiva y veo que, año tras año, aumenta la cantidad de participantes. ¿Se esperaban esta aceptación?

JC: Cuando uno ama algo, piensa que el resto del planeta, dentro de una lógica propia, debería amarlo también… Era un deseo más que una expectativa. El Festival es un acto rebelde y va en contra de una proyección o de un festival convencional.

FBC: ¿Cuánto tiempo demora armar un festival de estas magnitudes?

JC: Son nueve meses de trabajo, hasta que definimos todo lo que nos proponemos, lanzamos convocatoria y, en paralelo, vamos realizando la gestión, desde una silla donde un espectador se va a sentar hasta la realización de los premios.

FBC: ¿Cuánto cuestan las entradas?

JC: La entrada es totalmente gratuita. Es una de las políticas del festival, la cultura debe estar al acceso de todos.

FBC: ¿Cuáles son las sorpresas que nos prepararon para este año?

JC: Tenemos una gran apertura, una gran programación y contaremos anécdotas. Esperemos que sean graciosas.

FBC: ¿Qué se siente ser responsable de un evento como el Festival de Tapiales?

JC: Inmenso orgullo. Sin lugar a dudas, hacer el festival me hizo conocer mucha gente interesante, hacer amigos y tener una función como gestor cultural. Ser alguien a partir de lo que hacemos.

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Espósito</a>

Festival de Mar del Plata: La Jalousie, actores al borde de un ataque de nervios


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El joven Louis Garrel protagoniza este melancólico film, dirigido por su renombrado padre Philippe, sobre actores frustrados en París. Si bien la ciudad, el teatro, los departamentos claustrofóbicos y el blanco y negro recuerdan a las películas de Jacques Rivette (particularmente a Paris nos pertenece), Garrel ofrece un panorama sombrío y menos romántico, distinguiéndose de otras visiones del submundo artístico parisino (incluso de algunos ejemplos argentinos, como El exilio de Gardel, de Solanas, o Las veredas de Saturno, de Santiago). Aquí no encontramos genios en potencia o antiguas estrellas en decadencia. Tampoco éxitos inesperados o fracasos estrepitosos. Más bien, los personajes de Garrel viven en una suerte de meseta, sin perspectivas de fama, y con la única ilusión de ser contratados en alguna obra, cualquier obra. Su sueño, más que inmortalidad actoral, es poder ganarse el pan de cada día “haciendo lo que aman hacer”, pero hasta un objetivo tan humilde les es imposible. Si bien los actores de Rivette (como los de Solanas o el bandoneonista de Santiago) también son lúmpenes perdidos en recovecos urbanos, viven en una suerte de realidad paralela y mágica, donde la creatividad, la poesía y el arte se justifican por sí mismos, incluso aunque todo lo demás se caiga a pedazos. Algo parecido, en la literatura, sucede con los bohemios de Julio Cortázar y Roberto Bolaño. No es que sus vidas sean más envidiables que las de los actores de La Jalousie, sino que sus existencias subterráneas constituyen un logro artístico. Su pobreza, sus epifanías, su sufrimiento… Los poetas de Bolaño quizás no disfrutan de su situación marginal, pero sirven de inspiración para otros, son ejemplos de que es posible vivir así. Por eso tantas novelas de Bolaño tratan sobre artistas desaparecidos o escondidos, desde 2666 hasta Estrella distante y Los detectives salvajes. Más que poemas, elaboran vidas poéticas, y son estas últimas las que garantizan su legado, al menos para un reducido grupo de admiradores.

Los actores de Garrel, en cambio, razonan: “No se puede amar en un vacío”. Buscan trabajo y sustento, no lo encuentran, y sus sueños diferidos, como en el poema de Langston Hughes, estallan. Garrel hijo encarna el protagonista, también llamado Louis, un actor que abandona a la madre de su hija para encamarse y enamorarse, locamente, de una actriz como él. La película arranca con la abandonada, llorando con la mirada perdida en algún punto fuera del encuadre. Pero, más allá de esta escena y algunas otras, apenas aparece durante el metraje. Es como si Philippe, detrás de la cámara, la olvidara de la misma forma que Louis. Algo parecido sucede con su nueva novia. Lo interesante es que, mientras Louis se relaciona con ellas, sus mujeres incendian la pantalla. Son torbellinos de desesperación y angustia, o pozos de tristeza contenida, y sus destinos, felices o no, quedan inconclusos. Sus caminos se alejan de Louis, y de nosotros, y son como rutas que ya no podemos seguir, perdiéndose en direcciones lejanas. La única mujer que permanece al lado de Louis es su hija. En sus sonrisas, en su obvia admiración por su padre, quizás preserve algo de aquel romanticismo que asociamos con la bohemia.

Twitter: @beaucine

Festival de Mar del Plata: Drinking Buddies, un enredo amoroso


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Lo que arranca como una amable película indie sobre dos parejas felices se convierte en otra cosa, en un muestrario de miradas y momentos incómodos. Drinking Buddies se coloca siempre al borde del lugar común, sin caer definitivamente en él. Kate, interpretada por la hermosa Olivia Wilde, trabaja en una cervecería. Su novio, Chris, es un productor de música, envuelto en un mundo de libros y bandas al cual Kate apenas puede acceder. Lo intenta, y Chris le abre la puerta, pero el esfuerzo es en vano. Es un continente lejano, que contribuye a la mística de Chris, pero que no tiene nada que ver con ella. Luke, colega y compinche de Kate en la cervecería, podría ser su alma gemela, pero él también está involucrado con otra persona, con Jill, una chica simpática y algo nerd que, a pesar de su buena predisposición, no logra integrar el grupo cervecero de su novio. Un fin de semana, Luke, Jill y Kate visitan la casa de campo de Chris, y las coordenadas sentimentales se confunden y entrecruzan.

Este esquema básico le permite al director y guionista Joe Swanberg articular distintas expresiones del deseo y del amor frustrado. Incluso cuando parece inevitable, no siempre se consuma la infidelidad, y cuando finalmente ocurre el beso anhelado, el desenlace tampoco es el esperado. Lo que importa, en este film, no son los celos ni la pasión sexual. Swanberg enfatiza, en cambio, los instantes de incertidumbre, los pasos en falso, los gestos dubitativos, los segundos en los que se juega el futuro, en los que, de repente, el presente exige decisiones que determinarán el rumbo de los próximos años, cuando las palabras, tan disponibles anteriormente, se vuelven esquivas. En este sentido, es encomendable la actuación de Anna Kendrick como Jill. Se podrían escribir varios libros ensayísticos sobre cada una de sus muecas. Es cierto que, a veces, tiende a interpretar variaciones de un mismo personaje, en películas como Up in the Air y 50/50. Será un poco más insensible o un poco más simpática, pero siempre es inteligente, ingenua y reprimida. De todos modos, es la actriz ideal para Drinking Buddies, que se nutre de caracterizaciones sutiles. En su rostro compiten perspectivas opuestas, como si ella habitara varios planos emocionales a la vez, trazando líneas de fuga hacia destinos contrapuestos, eligiendo su camino entre rizas forzadas y frases abortadas.

– Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine

Festival de Mar del Plata: Les salauds, un thriller perverso


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En muchos sentidos, se trata de un thriller aparentemente convencional y quizás una de las películas más accesibles de la directora francesa Claire Denis. Sin embargo, ofrece mucho más que la típica entrega del género. En cintas como Trouble Every Day y –especialmente– El intruso, Denis demostró que sabe cómo esconder datos expositivos, cómo preservar el misterio que esconden sus protagonistas. Nunca los dejamos de conocer, siempre guardan algún subsuelo insospechado, y una vez concluido el metraje, no llegamos a ninguna conclusión definitiva. Esta opacidad narrativa nos obliga a desviar la mirada y detenernos en pasajes y climas. No sabemos qué piensan los personajes, pero intuimos lo que sienten: soledad, frustración, desamparo. Lentamente, armamos el rompecabezas de sus respectivas biografías, y descubrimos un secreto brutal. En casi todos los casos, los protagonistas saben o sospechan la verdad, pero no quieren confrontarla. Son como detectives o viajeros que no quieren desentrañar el enigma o alcanzar su destino. Logran hacerlo, de todos modos, pero gracias a un impulso incontrolable. Es el pasado que vuelve, como dice el tango, y los protagonistas no pueden ignorarlo.

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En los primeros minutos de Les salauds (Los bastardos), el cuñado de un capitán de barco aparece muerto en una calle parisina. Al mismo tiempo, la policía encuentra a su hija deambulando desnuda por la ciudad, luego de ser salvajemente violada. Aparentemente, según la hermana del capitán, se trató de un suicidio, impulsado por las deudas que el cuñado había acumulado con un financiero multimillonario, el presunto responsable de violar a la muchacha. Motivado por su lealtad hacia su familia, el capitán intenta seducir a la novia del financiero, inmiscuirse en su vida privada y tejer su retorcida venganza. Sin embargo, descubre rápidamente el sentido del título, Los bastardos. Como en los mejores ejemplares del cine negro, todos los personajes son pecadores, trastornados por un ambiente y una sociedad que los conduce hacia un mismo pozo oscuro. Al intentar destruir una familia para honrar a la suya, el capitán quizás logra el resultado inverso. Si nunca dejamos de conocer a los protagonistas de Denis, Los bastardos sugiere que, de la misma manera, tampoco dejamos de conocer a quienes nos rodean, incluso nuestros hermanos, hermanas, sobrinos o sobrinas. En los departamentos parisinos donde transcurre la trama, se dibujan bosques de sombras y luces a través de los cuales los protagonistas caminan lenta y dubitativamente, como en una expresión corporal de su incertidumbre. Sin relaciones estables a las cuales aferrarse, divagan por la pantalla, persiguiendo soluciones y respuestas que se desmoronan en el espacio de una mirada.

– Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine

Cine: The Wolverine, Japón, amor y poca acción


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Después del despropósito que resulto ser X Men Orígenes: Wolverine, y el éxito de crítica positiva que tubo X Men: Primera Generación, algo quedo claro para varios, el personaje de Logan se podía tomar unas vacaciones. Digo para varios porque se ve que los productores no tomaron nota de esto, y decidieron darle al animalesco mutante otra oportunidad más como protagonista. Acá el resultado.
Wolverine aun pena por haber matado a Jean, es por eso que vaga por los bosques como un vagabundo. Su vida pasa aislada de los demás hasta que es encontrado por Yukio para viajar juntos a Japón. Ahí es cuando Logan volverá a verse con el viejo Yashida, a quien le salvo la vida de joven y que por eso mismo ahora quiere recompensarlo. Lo que no sabe el mutante es que su viaje implica más de un secreto que desconoce.
Los que conocen al personaje desde los comics, sabrán que el arco argumental en Japón es fundamental para el héroe de las garradas de adamantium. Y para los que no sabían, les cuento que es clave en su historia porque ahí es donde aprende a combatir con varias técnicas de artes marciales, incluyendo la utilización de katanas. Además que conecta con la cultura oriental, y sobre todo, conoce a uno de sus grandes amores. Bueno, salvo esto último, olvídense de ver lo demás en la peli.
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Y si, confirmo las sospechas de quienes no la vieron aun. Esta peli es mucho peor que X Men Orígenes: Wolverine. Pese a que aquella era absurda, incoherente, y se cagaba en un par de personajes queridos (Deadpool y Gambito), por lo menos era entretenida. Cosa que esta ni a eso llega.
Para empezar, el film adolece mortalmente de las dos horas que dura. Con la trama híper simple y plana que nos presentan, la cosa debería haber rondado los 80 minutos para que no se note tanto lo nada mismo que se ofrece.
Y es que si estamos ante una peli de acción, de superhéroes, donde lo mejor se ve hasta los veinte minutos iniciales, mal vamos. Si, leyeron bien, la peli es mirable hasta ahí.
De acción poca y nada. Encima la poca que tiene se la vio en los trailers pero comprimida. Lo más destacable de todo es una pelea dentro y en el techo de un tren bala.
Luego vienen unos cuarenta minutos que aniquilan el ritmo de la película y donde vemos al Logan más meloso, romántico y desdibujado que se vio hasta la fecha. Si, en toda peli hay una historia de amor (muchas veces metida con vaselina), PERO NO SE LE DA PUTOS CUARENTA MINUTOS. Y encima que el tiempo es excesivo, está mal hecha y filmada.
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Ojo, no me quejo de que se le de prioridad a la psicología de los personajes. De hecho quejarse de eso es una pelotudes y denota que el que lo dice no sabe nada. Es por eso mismo que pelis como la trilogía de Batman, el Capitán America o Iron Man 1 son buenas pelis, porque sus escenas de acción están apoyadas en una trama que hace entender porque todos los personajes se comportan de la forma en que lo hacen. El problema es que acá está mal construido ese back, haciendo que a uno le dé lo mismo lo que pase con el héroe y los villanos.
The Wolverine es por todo esto la peor película sobre mutantes hasta la fecha, y eso es mucho decir viendo que la saga cuenta con “joyas” como X Men Orígenes: Wolverine o X Men: La Batalla Final.
Una pena porque Logan en el material original es uno de los mutantes más interesantes. Pero por malas historias que dieron como resultado pésimas pelis, el personaje está pidiendo un descanso a gritos. Cosa que no se va a dar porque es el protagonista de la próxima X Men: Días del Futuro Pasado.
Un saludo con las garras desafiladas.
Nota: 4
Jorge Marchisio
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