Las diez mejores películas del 2013 (Bonus track)


Ya repasamos las mejores películas del año pasado. (Quienes se hayan perdido las entradas anteriores, podrán acceder a ellas a través de los siguientes enlaces: parte 1 y parte 2.) Así que, en este post, compartiremos algunas menciones especiales: la peor película del año, la mejor producción argentina y el mejor documental.

PEOR PELÍCULA DEL AÑODuro de matar V: Un buen día para morir (John Moore)

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Duro de matar es una de mis películas de acción favoritas; es prácticamente perfecta. Las aventuras siguientes de John McClane, aunque no hayan estado a la altura, no son para nada despreciables, sobre todo la tercera en la que Bruce Willis hace una dupla memorable con el taxista que interpreta Samuel Jackson, e incluso la cuarta, aunque reemplaza la violencia directa por parafernalia tecnológica, tiene su gracia y sus momentos de acción memorables. Pero esta quinta película no tiene perdón de Dios y sólo puede interpretarse como un derroche de ego por parte de todos los involucrados, especialmente Willis.

En un guión que parece haber sido escrito en una tarde de borrachera, John McClane viaja a Rusia a ver a su hijo que está preso por asesinato. Resulta que el mocoso es un agente secreto de la CIA y terminan los dos dándose tiros con unos rusos que no cambiaron nada desde la Guerra Fría. El argumento es patético, los villanos olvidables y hasta las escenas de acción son un enjambre de tomas rápidas que no cuentan bien nada. Seguro que hubo peores películas en 2013, pero el mal trago de ésta no se olvida fácil. Sentí algo similar viendo la última Indiana Jones, que estropeaba el buen nombre de las películas anteriores en aras de exprimirle hasta la última moneda al personaje.

¿Otras posibles e infectas candidatas? Fuerza antigángster, Machete Kills, The Canyons.

MEJOR PELÍCULA ARGENTINA: Wakolda (Lucía Puenzo)

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Tal vez no haya visto tanto como para opinar, sabemos todos que se hacen muchas películas en nuestro país y que de ningún modo las cuatro o cinco más populares son las mejores, pero tuve ganas de destacar ésta que cuenta una época de la historia poco rescatada en el cine, cuando el gobierno de Perón dio asilo a los nazis al término de la Segunda Guerra, en especial a pesos pesados como el doctor Mengele. Aunque no me convence del todo la resolución un poco vaga de la película, todo el resto está excelente, sobre todo las actuaciones de Diego Peretti y del español Alex Brendemühl como Mengele. Es un drama que no apunta en casi ningún momento a generar suspenso sino empatía por los protagonistas, pero vale la pena ser visto.

Otra posible candidata es Metegol.

MEJOR DOCUMENTAL: Jodorowsky’s Dune (Frank Pavich)

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A finales de los años setenta, La guerra de las galaxias cambió el mundo del cine para siempre. La antítesis de una década dominada (siempre hablando de cine yanqui) por la producción independiente y la experimentación, la película de George Lucas generó un enorme entusiasmo por el blockbuster entre los estudios y un interés en producir ciencia ficción. Así fue que surgió la alianza estrambótica entre Alejandro Jodorowsky, chileno surrealista, y Duna, una famosa novela del género space opera escrita por Frank Herbert. Pero Jodorowsky es un director extremo y poco convencional y, en lugar de tirarse de cabeza a reproducir el éxito de los Jedis, los inversores terminaron huyendo y la película la hizo algunos años más tarde David Lynch.

Este es el documental perfecto para cualquiera que sueñe o haya soñado con hacer cine. A consecuencia de esto, puede que muchos que lo hayan visto no entiendan el motivo de que me guste tanto. Visualmente no parece tener nada interesante: la gran mayoría de las tomas tienen a Jodorowsky o a otras personas involucradas con la producción hablando a cámara. La otra parte de la película es una animación del storyboard que muestra cómo hubieran quedado las tomas. Pero lo importante acá es el retrato del delirio artístico de Jodorowsky, que busca hacer una película que sepulte bajo su propio peso a cualquier otra producción que se hubiera hecho hasta la fecha, y choca constantemente con los embates de la realidad y con los intereses de los financistas. En la pre-producción de Duna llegaron a trabajar grandes nombres como Moebius, H.R. Giger o Dan O’Bannon (que estos dos últimos se conocieran en este trabajo fue fundamental para la realización de Alien) y estuvieron asegurados para papeles principales David Carradine, Orson Welles, Mick Jagger, Salvador Dalí y su esposa Gala, mientras que el actor principal hubiera sido el hijo de Jodorowsky, que atravesó un terrible entrenamiento en artes marciales para su papel.

– Pablo Draletti

Las diez mejores películas del 2013 (Parte 1)


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Aunque haya pasado el tiempo y ya estamos a mediados del 2014, en general es por esta época cuando uno ya vio suficientes películas del año pasado como para poder elegir con toda impunidad una lista de diez favoritas. Eso es lo que voy a proceder a hacer. Además agregué tres secciones suplementarias: la de la peor película del año, la de la mejor película argentina y el mejor documental. Cabe aclarar que una película argentina podría entrar entre las diez mejores, aunque no haya sido el caso este año. Al documental sí me parece bien mantenerlo como género aparte.

Voy a empezar por hacer un poco de trampa y mencionar algunas películas que no llegaron al corte pero que de todas maneras merecen verse. Como El Congreso, híbrido con animación en el que Robin Wright se interpreta a ella misma como una actriz que decide digitalizar su imagen para seguir actuando en la posteridad, un delirio importante inspirado por una novela de Stanislaw Lem, autor de Solaris. Seguido por Sólo Dios Perdona, un derroche de genialidad visual ambientado en Tailandia repleto de violencia extrema y de enfermos complejos edípicos. Big Bad Wolves, una película de Israel, que en estos tiempos violentos cobra una relevancia que tal vez no percibí la primera vez que la vi, una historia de venganzas cruzadas que Tarantino señaló como lo mejor del 2013, con toda lógica ya que el ritmo y el tono parecen claramente inspirados por sus películas. The East es un thriller sobre una espía que se infiltra en un grupo de anarquistas, y la segunda película escrita por la joven Brit Marling (también actriz) que me vuela la peluca, después de Another Earth. Y, finalmente, El Teorema Zero, lo último de Terry Gilliam, una película que se relaciona directamente con Brazil y nos traslada a una distopia en la que todos trabajan para resolver una ecuación que explique el milagro de la vida.

10. Inside Llewyn Davis (Hermanos Coen)

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Traducida en Argentina como Balada de un hombre común. Los que me conocen saben que soy fanático incondicional de los Coen, y que los encuentro siempre variados e interesantes, desde la comedia pura como El Gran Lebowski hasta una joya del cine negro como El Hombre que Nunca Estuvo o una pesadilla metafísica como Barton Fink. Sin embargo, hace unos años, con Un Hombre Serio, los hermanos hicieron algo novedoso en sus carreras: una película que era en su totalidad el estudio de un personaje en lucha constante con el mundo caótico que lo rodea, en ese caso un profesor de matemáticas judío, y en esta nueva obra un cantante de folk que vive a la sombra de personajes más exitosos como Bob Dylan.

Los Coen son maestros tonales, y llevan adelante esta película lenta, sin casi intriga en su argumento salvo la producida artificialmente por un gato que se pierde, gracias a la calidad de las actuaciones y la belleza melancólica del mundo que recrean: la Nueva York de los músicos underground en los años sesenta, en donde se toca en bares para tener un plato de comida caliente a la hora de la cena. Otra característica de los Coen: recrear siempre a la perfección una parte distinta de los Estados Unidos en un contexto histórico específico. Y, por supuesto, el humor ácido y absurdo que vienen arrastrando desde sus inicios.

9. El Conjuro (James Wan)

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La sorpresa del año fue para mí esta película de casas embrujadas de un director ya especialista en el cine de género. Está inspirada además por personajes reales, el matrimonio de investigadores paranormales conformado por Ed y Lorraine Warren, cuyos casos publicados también formaron la base para El Horror de Amityville, y hasta la muñeca maldita que sirve de prólogo a la historia principal tiene su antecesora en la vida real.

Lo mejor que se puede decir de El Conjuro es que cumple exactamente lo que casi todo el cine de terror promete en vano: ser atrapante, escaparse del ridículo y perturbar al espectador. Esto lo logra gracias a un trabajo impecable de Wan en lo visual y sobre todo en lo sonoro; desde su debut con El Juego del Miedo (que tampoco es mala) este muchacho ha mejorado un montón y se ha vuelto audaz y muy creativo con la cámara. Hay una escena en particular en la que Wan prolonga una toma y la propia imaginación conjura visiones en donde sólo hay una esquina oscura.

8. Antes de la Medianoche (Richard Linklater)

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Casi por obligación tenía que estar incluído el final de esta trilogía, una de las sagas cinematográficas más realistas e idiosincráticas que se han hecho, sobre todo teniendo en cuenta que para cada entrega Linklater dejó transcurrir un intervalo de diez años para que Ethan Hawke y Julie Delpy envejecieran en tiempo real y que además está admitido por todos que el guión siempre resulta de una colaboración entre director y actores, a base de improvisaciones y de indagar sobre los personajes. De esta manera Jesse y Celine alcanzan un grado superior de verosimilitud y de conexión con el espectador.

Tal es la identificación que se logra que muchos de los que venían de disfrutar las dos entregas anteriores se quejaron de que en Medianoche a Jesse y Celine se los vea cansados y muy poco enamorados: rodeados de hijos, cada uno por su lado, y peleándose constantemente, destacándose de hecho lo miserable de las quejas de Celine, ahora resentida de que Jesse sea un escritor famoso o de que se tome vacaciones para estar sólo con su hijo. Me parece un destino irremediable para una saga con tanto compromiso con reproducir un romance real. Si Amanecer se trataba de la pasión del enamoramiento y Atardecer de la nostalgia de un reencuentro, para ésta sólo quedaba mostrar el costado terrible del matrimonio.

7. La Sospecha (Denis Villeneuve)

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Otra agradable sorpresa fue conocer a un director interesante como lo es el canadiense Villeneuve, que hizo en el año no uno sino dos thrillers memorables. El otro se llama El hombre duplicado y está basado en una novela breve de Saramago. Elegí éste, que a pesar de tener un argumento que nos puede sonar más convencional, hace maravillas con el elenco y la atmósfera y mantiene la tensión durante las más de dos horas de duración.

Ni Hugh Jackman ni Jake Gyllenhaal me parecen actorazos, pero si sólo los hubiera visto en esta película los tendría en una estima mucho más alta. El primero interpreta al padre de una niña desaparecida y el segundo al detective encargado del caso. Mortificado por la burocracia de la justicia, Jackman decide tomarse el asunto en sus propias manos, con resultados bastante morbosos. Mérito aparte merece el director de fotografía Roger Deakins, un artista de la luz que dota a cada escena de una belleza singular.

6. Stoker (Park Chan-wook)

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El nombre de este director coreano no le sonará tan extraño a cualquiera que haya visto Oldboy, una obra maestra contemporánea imposible de olvidar. Hay películas que pertenecen a los guionistas y otras que claramente pertenecen a los directores: este es el segundo caso, ya que Park utiliza una cantidad inagotable de movimientos de cámara, símbolos y recursos visuales para profundizar en esta historia, que en realidad no tiene mucho de original, ya que está profundamente influenciada por La Sombra de una Duda de Hitchcock hasta en los nombres de personajes clave como el siniestro Tío Charlie.

India es una chica solitaria que queda huérfana cuando su padre Richard muere en un accidente. Junto a su madre (brillantemente interpretada por Nicole Kidman) reciben la visita del Tío Charlie, que va revelándose como un psicópata peligroso que seduce a las dos. El argumento toma incontables giros inesperados, al punto que los amantes de la coherencia en los guiones se van a dar por vencidos antes de la media hora, pero la gracia está en cómo dirige Park cada secuencia y en cómo explica la psicología de los personajes usando pura y exclusivamente las imágenes. En su traslado a Hollywood le fue mucho mejor que a Bong Joon-Ho, otro maestro que con su Snowpiercer parece haberse visto mucho más apremiado por producir una película occidental.

— Pablo Draletti

Sagas & series: True Detective, La calidad convertida en serie .


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La mayoría de los que miramos series, sabe que si hay un canal que ofrece cosas que como mínimo son buenas, es HBO. Todos los productos de esta emisora destilan una calidad y factura cuidada hasta el más mínimo detalle. No por nada cuando nos enteramos que estaban preparando un policial, con Woody Harrelson y el ascendente Matthew la mayoría afilamos los colmillos. Creo que nos quedamos cortos.
Rust y Marty fueron compañeros detectives en los 90 en la costa de Luisiana. Pese a sus diferentes personalidades, hacían buen equipo, pero la llegada de un caso del homicidio de una prostituta, con tintes a pertenecer a un asesino serial, cambiara la vida de ambos para siempre. A lo largo de diecisiete años veremos como Rust y Marty siguieron con sus vidas, distanciándose, pero siempre con aquel caso a medio resolver carcomiéndoles la cabeza.
Seguramente la mayoría que no sigue muchas series pensara “¿Otra más de policías?”. Si, si bien la pantalla chica esta superpoblada de casos policiales (al grado de la estupidez de que existe la misma serie pero en diferentes ciudades), esta logra diferenciarse de las demás. Ahí está uno de sus aciertos.
Acá no hay casos sueltos por capítulos como suele pasar en CSI, si no que durante los ocho episodios que dura la tira, se nos cuenta un único proceso de investigación, que a medida que sea develado por el espectador y los protagonistas, veremos que es mucho más amplio de lo que suponía.
El otro acierto es el que acabo de nombrar. El punto de vista de toda la emisión siempre es el de Marty y Rust, jamás, JAMAS vemos que les pasa a los otros personajes (pese a que esta la familia de Marty por ej). Así que toda información nueva que tengamos, es la misma que tienen los protagonistas
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¿Se preguntaran que suma eso a la construcción? Bastante. Una cosa es saber cómo muere la víctima y ver como el caso avanza uniendo hilos hacia el final que ya sabemos. Muy distinto es cuando nosotros mismos compartimos el misterio y desmarañamos la trama con los actores principales.
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Que quizás ellos sean el mayor punto de calidad de la propuesta. Woody Harrelson es un buen actor, que pese a haber participado en varias grandes películas, nunca fue una estrella consagrada del cine. Matthew McConaughey en cambio era un actor de mierda, que se dio cuenta a tiempo que no podía hacer siempre de galán, y le dio un giro total a su carrera. Ahora, si tenemos un buen actor que siempre rinde, y otro que demostró con creces que si quería era un actorazo; imagínense el nivel actoral de la emisión.
También tengo que mencionar al guionista Nick Pizzolatto por haberse metido en un berenjenal de nombres, sospechosos lugares, dimes y demases, y haberlo resuelto de la forma más simple y entendible posible. Lejos de armar grandes matetes que se terminan develando de forma forzada o dejando mil cabos sueltos, aca queda clarísimo quienes hicieron que cosa.
Amén de haber tocado por encima a escritores fantásticos de la talla de Lovecraft , con algunos de sus temas sobre mundos paralelos que abren sus puertas al nuestro. No, no piensen que la cosa va por el lado de lo sobrenatural, si no que se explica todo gracias a los chifles que tienen varios personajes.
Para los amantes del cine, para ejemplificarlo fácil, estamos ante una típica película de David Fincher, donde un caso en apariencia simple, devela un mundo de oscuridad y mentes retorcidas. Esto es lo que es True Detective pero en formato serie.
Por un lado es una desgracia que la idea original sea que las temporadas estén independizadas, cambiando trama y actores (algo similar a lo que hace American Horror Story), porque equivale a que no volveremos a ver esta gran dupla en pantalla. Pero también es bueno, porque si algo aprendimos de otras series, es que no hay que alargar aquello que está bien siendo corto y conciso.
True Detective fue una prueba que hizo HBO, poniendo actores conocidos del cine en la pantalla chica (algo cada vez más recurrente). El resultado final fue lo que probablemente sea la mejor serie del año, y una de las mejores que va de la década.
Un saludo temiendo al Rey Amarillo.
Nota: 10
Jorge Marchisio
Mi face  Yorsh A. Romero

Cine: Nebraska, el letargo de la tercera edad


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Sinceramente, ésta era una de las películas nominadas al Oscar que tenía nula ganas de ver. Con un reparto sin ninguna cara conocida, y filmada en blanco y negro, me daba la sensación a peli típica de las que pasaban en Hallmark. Eso, sumado a que varias de las que ya vi me parecen peliculones, estaba mal predispuesto cuando puse el DVD. Error.
Woody es un anciano típico del pueblo de Billings. Luego de ser encontrado caminando solo por la policía, Woody dice que se dirigía a Lincoln, Nebraska en búsqueda de un premio millonario que gano. Su hijo menor, lejos de hacerle caso a su madre y hermano mayor, decide llevar a su padre en búsqueda del premio que sabe que no existe, mientras en el camino van parando en pueblos para visitar a su familia.
Mientras arrancaba la película, mire en IMDb, que para mi sorpresa el director es Alexander Payne, realizador de films como Los Descendientes o Entre Copas; lo cual significa pelis entre cómicas y dramáticas, que muestran gente normal en situaciones normales, y que rozan constantemente el patetismo.
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Y eso es lo que nos ofrece Nebraska. A muchos, el concepto de una road movie plagada de actores que pasaron hace tiempo los sesenta años les puede sonar a bodrio. Pero nada está más lejos de la realidad. No solo porque la película es entretenida, sino que además tiene más de una lectura.
La más obvia es ver la miseria de la gente cuando se entera que alguien frágil y débil puede ser cagado. El tema del premio millonario (que siempre queda en claro que es una mentira que decidió creer Woody) nos muestra cómo la gente, al ver algún billete, se caga en viejas amistades, lazos de sangre o afectivos.
Es interesante también lo que representa el pueblo donde transcurre un gran tramo de la película, y que es donde creció Woody. Ahí vemos a casi toda su familia, ya anciana, y a sus amigos, también vejetes. No es gratuita la visita a un cementerio vacío en el transcurso de toda la parte del pueblo. Y es que los cadáveres vivientes son los propios amigos y parientes de Woody. Gente que se quedó a vegetar en un lugar sin futuro, estancado en el tiempo, sin proyectos, dejando que la vida pase por ellos.
Contrariamente a lo que parece, el propio Woody es el personaje más vivaracho de la peli. Pese a que se nos dice que padece (y padeció) de alcoholismo y esté senil, Bob Nelson (guionista) y Payne se encargan de dejarnos en claro que el anciano es mucho más lúcido de lo que en realidad aparenta. Y para mejor ejemplo miren el final.
El ya machacado Bruce Dern se luce como el viejo Woody. La forma de caminar, de hablar, de comportarse como si estuviera ido de a ratos, nos hace creer que de verdad estamos viendo a un viejo senil que ya está en las ultimas. El resto del elenco está a la altura, pero destaca el siempre efectivo Stacy Keach, haciendo como siempre de HDP.
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La decisión de Payne de filmar íntegramente toda la peli en blanco y negro, sinceramente al principio se me hacía caprichosa y media al pedo. Luego de ver la película, tuve que cerrar el ass y darle la razón. Toda la frialdad que transmite filmar en blanco y negro le saca más provecho a una historia sobre gente gris, en vidas grises monótonas vegetando.
Nebraska es casi lo opuesto a El Discurso Del Rey (film oscarizado que también parecía made in Hallmark). Y es que ambas, tanto por reparto, historia y director, bien podrían ser pelis para un domingo a la tarde noche para dejar en la tv mientras uno hace otra cosa. La diferencia es que en Nebraska, estas aparentes limitaciones son a propósito y se les saca el mayor provecho posible.
Seguramente no sea una película que le guste a mucha gente. Primero por el rechazo a films sin color en plena época del 3D, y después por la historia en apariencia simple y sin estrellas. Si uno deja de lado estos prejuicios, y la mira con la mente abierta, seguro se llevará una gran sorpresa. Como me paso a mí.
Un saludo riéndome de los demás sin que lo sepan.
Nota: 8
 
— Jorge Marchisio
Facebook: Yorsh A. Romero

Cine: Non Stop, tensión en las alturas


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Que Liam Neeson es un actorazo, nadie puede dudarlo. Actor rendidor si los hay, sus papeles son garantías de un personaje bien interpretado; pero desde hace unos años le dio un giro a su carrera que nos gustó a todos: ahora a sus sesenta años se le anima a las pelis de acción. Pese a que en el medio se coló alguna caca, sus pelis de acción como mínimo son entretenidas, con lo que ya por eso vale la pena verlas. Como la peli de hoy.
Bill Marks es un agente a bordo; lo que parece un vuelo más del montón en el que fumara y tomara a escondidas, se transforma en un secuestro por parte de un anónimo. Bill no solo tendrá que adivinar y atrapar al secuestrador, si no que deberá limpiar su imagen, ya que todas las pruebas apuntan a que es el mismo quien secuestro el avión.
Lo primero que tengo que decir, es que pese a que hable de este film como una película de acción, no lo es. Si, tiene sus escenitas movidas, pero es más un policial o thriller que una de tiros. Básicamente, estamos ante el típico caso que el tráiler nos enchufo algo que no es.
Aclarado esto, vale decir que Liam Neeson sigue en lo que nos tiene acostumbrados. Es decir, buena actuación, imponiendo presencia y haciendo un personaje creíble (y bancándose unos primeros planos bastante asesinos).
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A su impronta personal, también se encargaron de agregarle unos matices a su personaje para distanciarlo un poco del  Brian Mills de la saga Taken (aunque el nombre es parecido). Nuevamente se hace presente el tema de la familia, además que utilizan el recurso del alcoholismo, que siempre funciona para volver más turbio a los personajes.
De todas formas lo que más destaca del film es la historia en sí. El trio de guionistas supo aprovechar tanto la claustrofobia natural que genera un avión, con el uso de la tecnología y su pese a priori seguridad, lo falible que es. De la propia sinopsis se desprende que estamos ante la clásica película del juego del gato y el ratón, pero en un avión y con sms de por medio.
Quizás a muchos les parecerá que el film se enrosca demasiado, ya que básicamente la mitad de los pasajeros resulta sospechosos. Tranquilo espectador querido, milagrosamente los guionistas salen bien parados del asunto. El final es lógico, todo encaja, y no es necesario el típico clip recopilatorio al estilo Saw que trata de mongo al público.
Además hay que aplaudirlos por saber que la historia no daba para mucho más. En la época donde las películas parece que obligadamente deben durar más de dos horas; que los guionistas entiendan que lo mejor era contar algo efectivo, concreto y corto, ya también es un mérito en sí.
Ojo, no estoy hablando de una película perfecta. Pero para lo que apunta y lo que da, el resultado es bastante redondo.
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Si se extraña una dirección un poco menos genérica, con algún plano arriesgado, y no tan convencional, como si la hubiera filmado cualquiera de nosotros. O la manía de los guionistas de buscar la lagrimita fácil, metiendo una sub trama con una niña que no aporta nada, y es bastante insoportable. Aunque viendo el historial del director, no debería sorprendernos como a veces desperdicia buenas historias.
Mención aparte para Julian Moore, que si bien no aporta demasiado, a sus cincuenta y tres años aún está bastante buena.
Non Stop: Sin Escalas es una efectiva peli de suspenso con toques de acción. No ofrece demasiado, pero cumple con esa premisa básica del cine que es entretener y no insultar al espectador pretendiendo ser más de lo que es.
Un saludo viajando en barco.
Nota: 7
 
Jorge Marchisio
Mi face  Yorsh A. Romero

Sagas & Series: Mob City, L.A. Noir


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Tras la problemática salida de Darabont como responsable de The Walking Dead, todos pensamos que volvería al cine, a adaptar algún libro de Stephen King (es el que mejor lo hace). Lejos de eso, al director parece haberle gustado el tema de las series, y al poco tiempo, supimos que iba a realizar una tira ambientada en Los Ángeles, en la época del policial negro. Y el resultado no pudo ser más redondo.
Joe es miembro de la policía, parte de un escuadrón especial asignado para hacer caer a Bugsy Siegel, un capo mafia local. Con un pasado en el ejército, Joe es bastante turbio en sus actividades y la forma de manejarse en la vida, salvo cuando alguien amenaza la vida de Jasmine, su ex esposa. Todo cambia cuando un chantaje pone en peligro a Jasmine, Joe deberá decidir si es un hombre de la ley o un policía corrupto más.
Quienes vieron la película Gangster Squad, notaran que a medida que avanza el primer capítulo de la serie, empiezan a aparecer nombres que ya conocen: Mickey Cohen, el jefe Parker o Jack Dragna. Y es que tanto el film como la serie se basan en hechos reales, así que se podría decir que Mob City es una precuela de Gangster Squad.
También muchos la asociaran con la otra serie sobre mafias de principio de siglo pasado,Boardwalk Empire. Si, comparten temática pero ahí terminan las comparaciones. Primero porque en la de Scorsese el protagonista también es el villano, además que la de Darabont es menos vueltera, mucho más directa en lo que quiere contar.
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Si, leyeron bien. Mob City de entrada nos muestra para donde irán los tiros, y aprovecha sus justos seis capítulos para contarnos la historia de un hombre violento, en un mundo violento, que debe decidirse si ser policía honesto o proteger a su ex mujer a toda costa.
La recreación de la época de los 50 esta retratada a la perfección. Autos, vestuario, forma de hablar y las locaciones nos transportan setenta años al pasado. Aunque viendo el cine de Darabont, no debería sorprender su cuidado a la hora de retratar viejos tiempos.
Otro de los puntos altos son las actuaciones. Como protagonistas tenemos al ascendente Jon Bernthal, alguien que en TWD ya demostró que los papeles con doble personalidad y medio trastornados. También destaca el ya veterano Robert Knepper haciendo de un hit man implacable de la mafia.
Lástima que no todo el elenco está a la altura, o bien aprovechado del todo. Milo Ventimiglia (un actor normalito) está bastante desaprovechado, más que nada por su personaje; un  allegado a la mafia que prefiere arreglar todo hablando en lugar de a balazos. Mientras que el villano de la temporada es interpretado por el mediocre Edward Burns; así que ya se imaginaran que veremos a un malo que se la pasa sonriendo de forma chabacana y comportándose como un dandi.
Esperemos que con el final de temporada, podamos tener mejores personajes y actores, ya que en esta clase de series, ellos son grandes responsables si estamos ante una bazofia o no.
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Por suerte para la serie, la crítica hablo positivamente de ella (aunque sin alabarla de mas), mientras que la audiencia acompaño, así que ya tenemos una segunda temporada confirmada, sin fecha aproximada de estrenos.
Para quienes aman el policial negro, pero se aburren con la lagunera Boardwalk EmpireMob Cityes una buena opción. Solo falta ver si los seis capítulos serán siempre, o se agregaran más episodios (algo similar a lo ocurrido con TWD)
Además que los ojazos de Alexa Davalos es otro buen motivo para verla.
Un saludo ajustando la Thompson.
Nota: 7
Jorge Marchisio
Mi face  Yorsh A. Romero

Cine: The Sweeney, el brazo ingles de la ley


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Si las distribuidoras se mandan cualquiera a la hora de estrenar películas yanquis en nuestros cines, imagínense que pasa con films de otros países (aunque por semana siempre hay un bodrio iraní/francés en cartelera). El cine inglés es uno de los menos tenidos en cuenta a la hora de proyectar films, así que si uno quiere ver una buena película británica, debe o buscar muchas referencias, o tirarse un piletazo como hice yo esta vez.
The Sweeney es un grupo armado de la policía londinense. Su principal característica radica en averiguar el funcionamiento de posibles lugares a ser robados, para cuando lo sean, poder entrar en acción de forma rápida y sobre todo, eficaz. Porque además de ser previsores, no titubean a la hora de pasarse con la represión. Todo cambia cuando asuntos internos empieza a investigar las actividades del grupo, justo al mismo tiempo que muere uno de sus integrantes.
Para ser sincero, cuando puse el dvd de este film, poco sabia del antes de verlo. Del reparto solo conocía a Ray Winstone y a la siempre partible Hayley Atwell. Eso y que era un policial más centrado en la acción que en algún plan maestro.
Y es eso lo que destaca de la peli. Lejos del arquetipo de policía ingles que todos tenemos (alguien mucho más pensante y deductivo), The Sweeney bien podría haber sido filmada en USA al ver el grado de violencia y el comportamiento de sus personajes.
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El escuadrón se maneja con el viejo estilo de “disparar y luego preguntar”, no dudan en usar la violencia física para obtener información clave en los casos. De hecho, la chica del grupo es la más agresiva de todos luego del líder.
Otra cosa que me llamo la atención de la película, es que como esta tratado el caso principal. Sí, hay alguna vuelta de tuerca, pero a grandes rasgos se puede adivinar lo que pasa. Algunos esto lo ven como algo malo; yo lo veo como un acierto. Principalmente porque los films que tratan de sorprender, no lo hacen y todo se resume a un clip explicándole al espectador (y tratándolo de estúpido) literalmente que es lo que paso. Mejor no complicarse la vida si no se tiene la pericia para resolver el tema de buena forma.
Como en todo film de policías donde se mete a asuntos internos, estos están ahí para joder las cosas. Lejos de ayudar a los protagonistas, empiezan a poner trabas por quejas estúpidas. La virtud de esta película es que logran sacarle provecho al cliché de asuntos internos. No adelanto más, véanla.
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Haciendo tanto hincapié en la violencia, hay que resaltar los tiroteos. Por suerte acá esta todo filmado como debe ser; o sea, cámara alejada de los personajes para poder ver bien quien se tirotea con quien, recordando mucho al estilo que usa Michael Mann. De hecho en la mitad de la película hay una secuencia de acción que recuerda bastante a esa obra maestra de Fuego Contra Fuego.
Para los que no tienen visto mucho cine o series inglesas, la única cara conocida que verán en la peli es la de Hayley Atwell (el interés amoroso del Capitán América). A menos que vean Homeland, en ese caso seguro conocerán a Damian Lewis.
The Sweeney es una muy buena sorpresa si se la ve casi sin saber nada de ella; como me paso a mí. Si les gustan los policiales secos, sin vueltas de tuercas, sino más bien violentos; esta es su película.
Pero por sobre todo, si quieren ver tiroteos en una trama policial, donde estén bien filmados y uno sienta que las balas le pasan zumbando la cabeza, la van a pasar bien viéndola.
Un saludo cagandome en la autoridad.
Nota: 8
Jorge Marchisio
Mi face  Yorsh A. Romero