Dragon Ball Z: Llega la nueva película


A través del sitio de la nueva película de Dragon Ball  se emitió el teaser completo del regreso de Goku y compañía para la pantalla grande del 2013.

En concreto con la apertura de la versión en inglés del sitio oficial de la nueva película de Dragon Ball, emitieron el teaser completo que, en honor a la verdad, no muestra todavía alguna escena de la película, sino mas bien muestra el inicio no mostrado del anterior teaser en la cual termina con Goku sonriendo al final.

Algo que recalcar con respecto al sitio oficial en japonés, es que desde su apertura en el mes de julio, el tráfico de ingreso al sitio provino de 178 países y 1/4 de ese tráfico derivo de Japón y el resto de los países de Estados Unidos, Brasil, México, Francia, Chile, Argentina, Perú, España y el Reino Unido.

Recordemos que la nueva película se ubicará entre los capítulos 517 y 518 del manga original. Sucederá entre el final de la saga de Buu y antes de que comience el último torneo de Goku en la etapa Z, es decir en los 10 años que transcurren desde la derrota de Buu hasta el ingreso de la nieta de Goku, Pan, en la serie. A continuación les compartimos con dicho teaser completo.

La supervisión del guion estará a cargo de Akira Toriyama y sera dirigida por Masahiro Hosoda (Dragon Ball Z, Nangoku Shounen Papuwa-kun) y escrita por Yūsuke Watanabe (La trilogía live-action 20th Century Boys, Gantz, Bloody Monday, Future Diary). La dirección de animación sera hecha por Tadayoshi Yamamuro (Dragon Ball Movie 4: The Path to Power, Beet the Vandel Buster, Digimon Frontier).La fecha de estreno, como comentabamos en su momento, esta prevista para el 30 de Marzo del 2013.

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Música y reseña: El Concierto


El Concierto es una comedia cinematográfica francesa de 2009 dirigida por Radu Mihăileanu, protagonizada por Aleksei Guskov, Mélanie Laurent y Miou-Miou.

Andrei Filipov era el mejor director de orquesta que conoció la Orquesta del Bolshoi hasta que fue despedido por negarse a renunciar a los músicos judíos que tocaban en ella. Treinta años después, devenido en limpiador del mismo teatro, encuentra por casualidad un fax de parte del Teatro Châtelet de París invitando a la orquesta del Bolshoi a dar un concierto en sus instalaciones. Tras un arrebato de irracionalidad borra todo registro de la llegada de ese fax a la oficina del director y se mete en la locura de hacerse cargo él mismo de dicho concierto. Empieza a buscar a los 55 integrantes que tenía su orquesta de aquel entonces, ayudado por su mejor amigo Sacha que es uno de los músicos.

Aparte de las complicaciones que empieza a traer el juntar de cero a toda una orquesta, el tramitar el concierto sin que se enteren en el Bolshoi, Andrei decide tocar el Concierto para violín y orquesta de Tchaikovski, que fue la pieza que estaban presentando en el momento de su despido. También casi como un capricho, les pide a Anne-Marie Jacquet como única posible solista.

Luego de idas y venidas, logran llegar junto a la orquesta a París, pero ahí empezarán a tener problemas más graves que tendrán que ir resolviendo para que su gran mentira no se caiga a pedazos y puedan dar ese concierto inconcluso desde hace 30 años.

Las escenas finales son sublimes, mientras va transcurriendo el tan ansiado concierto, se van develando los secretos e incógnitas surgidas a lo largo de toda la película.

A pesar de estar plagada de escenas desopilantes, graciosas y hasta bizarras, esta película tiene una historia muy interesante y un trasfondo tremendamente dramático.

La música original de la película fue compuesta por Armand Amar y una pista compuesta por el propio Radu Mihăileanu (“Le Trou Normand”). El trabajo musical fue central en la película. Entre las selecciones clásicas encontraremos piezas pertenecientes a Tchaikovski, Mahler, Mendelssohn y Mozart.

OST : “Andreï I”, “S’Il Vous Sied”, “Nani, Nani” (Kek Lang Chants Roms), “Place Rouge I“, “Andreï II”, “Merci Bolchoï”, “Kalinka”, “100% Des Voix”, “Kalou”, “Je Vous Baise Chaleureusement”, “Symphonie N°1 Titan”, “Ci-Gît”, “Danse Du Sabre Remix”, “Piano Concerto No. 21 in C major, K. 467”, “Andreï III”, “Tziganie“, “Le Trou Normand”, “Ai Routchiok” (Traditional), “Place Rouge II”, “Je Régule L’Addition”, “Sir Bina Ya Qitâr” (Les Musiciens du Nil), “Je Suis Ravissant De Vous Rencontrer”, “Andreï IV”, “Les Russes Sont Comme Des Mûles”, “Avant Le Concert“, “Violin Concerto in D major, Op. 35”, “Concert, Concert“, “Vous Avez Voulu Des Russes”.

Calendario 2012 de animé: Segunda mitad del año (Verano & Otoño)


A muchos les extrañará el título de esta entrada, pero deben entender que en este momento, a diferencia de nuestro hemisferio, los japoneses están en verano y se encuentran próximos al otoño.

Los calendarios que nos llegan no son grillas, como en el caso de las series yankis, sino un conjunto de fotos que nos muestran las series que salen y sus emisiones. Es por eso que, de momento, sólo conseguimos imágenes con texto en inglés, pero en la medida de lo posible trataremos en futuras entradas de ofrecerles imágenes con texto en español. Que lo disfruten y les sea de utilidad.

Acá esta la lista correspondiente al verano japonés.

Este es la lista de otoño que abarcaria lo que va salir en la ultima parte del años.

Por último y como Bonus track para aquellos que  no se acuerdan o querián ver que series se están emitiendo o empezaron en lo que seria nuestro Otoño acá les pongo el calendario de primavera.

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Cine & Tec: Conociendo la tecnología IMAX


El sistema IMAX : El origen de dicha tecnología se produce en Montreal, Canadá, en 1967, y es creación por un grupo de cineastas, quienes diseñaron un potente proyector para una pantalla gigante.

Proyectar en una pantalla gigante se pudo lograr a partir de la utilización de una película de 70 mm con 15 perforaciones, a diferencia de los 35 mm del cine tradicional. La superficie de un fotograma IMAX es casi diez veces superior a la de un fotograma convencional de 35mm, y tres veces mayor que uno de 70mm, con este aumento de la  película se logra proyectar en una pantalla IMAX estándar que generalmente tiene una dimensiones de 22 m de ancho x 16 m de alto, aunque puede ser aun mayor. La clave de la claridad y nitidez de la proyección reside en la técnica de “bucle rodante” que conduce la película horizontalmente en lugar de verticalmente como el cine tradicional, logrando una imagen y una estabilidad de foco muy por encima de los estándares de proyección tradicionales.

El Sonido en IMAX : En cuanto al sonido, al contrario del cine tradicional que lo contiene en la misma película, en IMAX,  el sonido se reproduce desde un disco duro en un formato de audio no comprimido. También presenta una gran diferencia con el dolby surround de las salas de cine ya que es tres veces superior a este, debido a que genera mas de 12.000 vatios de potencia de sonido digital envolvente de seis canales con 16 amplificadores y 44 altavoces distribuidos en 6 cajas acústicas.                                                                                                                   

 

De película 35mm a formato IMAX:  Las películas pueden ser  filmadas en formato IMAX  o remasterizadas. El proceso de remasterización IMAX DMR® comienza con el escaneo de cada fotograma individual de la película en 35mm a la más alta resolución posible y continúa con su conversión en imágenes digitales, luego herramientas propias de IMAX de realce de imagen, optimizan cada imagen para proceder con su impresión en una película de formato de 70mm. La información útil contenida en un área pequeña del formato de 35mm es analizada. Algunas de las técnicas que se emplean para realzar la imagen incluyen afinamiento de la nitidez, corrección del color, remoción de granos y la eliminación de inestabilidades. La señal digital realzada es, entonces, grabada en una película de formato 15/70mm, para luego poder ser exhibida en salas IMAX.

IMAX 3D, Proyección y Filmación: Para crear la ilusión de las tres dimensiones, el proceso IMAX 3D utiliza dos lentes de cámara para representar los ojos izquierdo y derecho. Las dos lentes son separadas por una distancia ínter-ocular de unos 64mm, la distancia media de separación de los ojos humanos. Grabando un rollo de película independiente para cada ojo y proyectándolos simultáneamente, podemos percibir (artificialmente) una imagen 3D en una pantalla 2D.

Para la filmación se emplean dos películas que filman simultáneamente, existiendo dos métodos. El primer método consiste en dos cámaras, situando una cámara sobre la otra a unos 90º entre ellas. En el segundo caso una cámara especial IMAX 3D (“SOLIDO Camera”) dispone de dos objetivos separados conforme a la distancia ínter-ocular (60-70mm). El segundo método es el más utilizado ya que permite la filmación en lugares pequeños.

La tecnología IMAX aplicada al cine: Aunque en sus comienzos esta tecnología se aplicó solo a documentales propios de IMAX, hoy se empieza a emitir películas de cine convencional digitalmente transformadas a formato IMAX DMR®. La película Apolo 13 rodada en 2002 fue el primer film que recibió este proceso. La siguió Matrix Revolutions en el 2003. También debemos mencionar a El Expreso Polar como el primer largometraje remasterizado para IMAX 3D en 2004.

Pero pocos son los que se animan a filmar con esta tecnología ya que las cámaras son más grandes y complejas, lo que genera más tiempo a la hora de preparar las tomas, y por supuesto es una tecnología más costosa.

En el 2008 Warner Bros. Pictures y el director Christopher Nolan grabaron por primera vez con una cámara IMAX secuencias de Batman: The Dark Knight.

Nolan quería utilizar el IMAX como herramienta dramática, no como documental, normalmente el formato IMAX se utiliza para planos largos, con la cámara en un soporte estable, y nunca se había pensado para escenas de acción ya que las cámaras pesan hasta 6 veces más que una de 35 mm, que rondan en los 45kg.

Aunque se utilizó la cámara IMAX más ligera, la MSM, se montaron soportes especiales para poder utilizarla con la agilidad de una 35 mm. Otro problema que tuvieron que considerarse fue el tiempo de carga: las cargas son solo de tres minutos, por lo que se necesitó siempre otra Steadicam para tomar el relevo.

Aparte de los elementos físicos, también se tuvieron que solventar otro tipo de inconvenientes: la composición de las escenas es totalmente diferente, y se quería maximizar el uso del encuadre. Cuando las escenas son filmadas con cámaras IMAX, el rango de la película cambia de 1.43 a 1, expandiendo la imagen para llenar la pantalla completa y magnificando el efecto total. Al utilizar una pantalla de ocho pisos, la vista no va a la parte superior, así que se pierde gran parte de lo que hay allí. Además, el enfoque es mucho más importante porque la profundidad de campo es mucho menor, así que enfocar a los actores es mucho más difícil: el área del encuadre donde el actor está enfocado es mucho con una cámara de 35 mm (si un actor está a 3 metros de la cámara, el área donde esta enfocado es de 30 a 60 cm. Con IMAX el área de enfoque es de 10-12 cm).

Aún con tanto inconveniente, la respuesta del equipo es unánime: ha valido la pena, todo es más claro, tiene más resolución, más contraste, y mejor y más rica saturación. Mejora la imagen en general, ya sea que se mire en pantalla IMAX o en un cine común.

Estreno: El legado de Bourne


El legado de Bourne (The Bourne Legacy, 2012), esta inspirada en la saga literaria creada por el novelista Robert Ludlum, y es continuación de las tres películas basadas en ella y que fueron protagonizadas por Matt Damon en el papel del agente Jason Bourne.

En este caso el  protagonista es el agente Aaron Cross, interpretado por el ascendente (y muy solicitado ultimamente) Jeremy Renner – lo veremos el año próximo en Hansel y Gretel: Cazadores de brujas y posiblemente en la quinta entrega de la saga Misión imposible-. Acompañando a Renner en el elenco, veremos a: Scott Glenn, Stacy Keach, Joan Allen, Edward Norton – pronto en Moonrise Kingdom, lo nuevo de Wes Anderson-, Rachel Weisz – la veremos en To the wonder, lo nuevo de Terrence Malick y en Oz, the great and powerful, lo nueva película de Sam Raimi, basada en el universo de El mago de Oz-, Albert Finney -lo veremos en Skyfall, lo nuevo de Bond, James Bond-, David Strathairn -lo veremos en lo nuevo de Steven Spielberg, Lincoln-.

La cinta esta dirigida y guionada por Tony Gilroy, quien también hizo el guión de las tres entregas anteriores.

A continuación les traemos el trailer de El legado de Bourne. Disfrútenlo.

Cine: Pajarito Gómez, una vida feliz


Esta película es un grito en el tiempo. No podría ser filmada hoy en día, porque los temas que trata – la cultura de masas y su efímera banalidad – se consideran trillados, pasados de moda, arcaicos y naif. Pajarito Gómez, dirigida por Rodolfo Kuhn y estrenada en 1964, no parece descubrir nada para nuestro cinismo del siglo veintiuno, y sin embargo no perdió su potencia como obra de arte. Quizás porque su humor despiadado supera todas nuestras expectativas y barreras, y nos descubre a nosotros, desnudos, con un cinismo mermado e inconsecuente. Nos recuerda que alguna vez, hace cinco décadas, era posible escandalizarse e indignarse sobre un estado de cosas que, ahora, aceptamos como ordinario y natural. Aunque identifiquemos o comprendamos el problema, perdimos toda capacidad de respuesta. Este film se erige como una instantánea, rodada cuando nuestro presente todavía estaba en pañales.

La trama narra de manera episódica – con ironía y desparpajo – las peripecias de un cantor popular (interpretado por Héctor Pellegrini) y la construcción de su imagen pública. Es presentado por sus productores como un joven inofensivo: aparentemente rebelde, pero esencialmente conservador; moderno, pero apolítico; atractivo, pero nunca abiertamente sexual. Así, un operativo mediático se encarga de armar un personaje ficticio alrededor de Pajarito Gómez, cuya humanidad termina opacada. Entre los numerosos riesgos estéticos que corre la película, uno de ellos es relegar a un papel secundario al ostensible protagonista. Como si se tratara de una metáfora, como si el espíritu del cantante fuera devorado por su doble publicitario. Vemos imágenes del artista, pero nunca a la persona detrás del mito.

Alrededor de su sombra, se reúnen figuras más relevantes o memorables: los productores viciosos que dirigen su destino; su madre, olvidada y desechada en un departamento porteño; su falsa novia, inventada por la firma discográfica para vender un romance inexistente. Una de las secuencias más tristes involucra a una chica de las provincias que viaja a Buenos Aires luego de ganarse un día entero con Pajarito Gómez, tras ser elegida en un concurso nacional. Ni bien llega, se ve envuelta en un torbellino de cámaras fotográficas, obligada a satisfacer una puesta en escena extenuante con su ídolo en distintos puntos del circuito turístico, desde el obelisco hasta el Rosedal, hasta finalmente escapar con él y recluirse en un departamento, donde la promesa de privacidad y felicidad se pulveriza en una desilusión nocturna y traumática.

Película cubista, que observa al protagonista desde los distintos medios y perspectivas que confabulan su figura – la televisión, las revistas, las foto-novelas, la mirada de su madre – concluye con un estallido sublime, una última escena que, como sostienen Fernando Martín Peña y Raúl Manrupe, cuenta entre las más emotivas del cine argentino. Pero más que eso, es una violenta apuesta expresiva, una caída en abismo. Alguno podrá reprocharle al film que sus intenciones quedan demasiado expuestas y obvias al concluir con semejante desborde surrealista. Pero el objetivo de la cinta no es cifrar sus propósitos, sino admitirlos y llevarlos hacia su culminación onírica y desgarradora, donde la carcajada se convierte en alarido.

Viñetas Argentinas en el Cine (parte 3)


Tercera época: de Indiecitos e Ilusiones

Tuvimos que esperar hasta entrado el siglo XXI para reencontrarnos con nuestros personajes de historieta en la pantalla grande, aunque, en su gran mayoría, no de la forma que esperábamos. Las películas que reseñamos a continuación son, en general, cintas animadas de enorme producción y gran presupuesto, pensadas para competir contra los blockbusters hollywoodenses. Apuntadas hacia un público infanto-juvenil, no alcanzaron a satisfacer la demanda de los espectadores adultos, que esperaban algo más que un mero entretenimiento para niños en vacaciones.

Patoruzito (2004). Dirigida por José Luis Massa, basada en la historieta de Tulio Lovato y Mirco Repetto, sobre personajes de Dante Quinterno.

Producida por las empresas Patagonik, Red Lojo y el canal de televisión Telefé, y con distribución de Disney-Buena Vista, Patoruzito marcó todo un récord de taquilla en las salas argentinas, alcanzando la friolera de 2 millones de espectadores –cifra totalmente impensada para cualquier película argentina-. Aun así, la historia es bastante anodina: al pequeño cacique Patoruzito le llega el momento de demostrar su liderazgo del pueblo tehuelche. Para ello, deberá cumplir con tres misiones: traer la piedra azul del gran volcán, encontrar el amuleto de la cueva escondida y conseguir la pluma de un cóndor. El guión, escrito por Axel Nacher, indaga en los orígenes egipcios de Patoruzito –descendiente de la familia del Faraón Patoruzek- e incorpora a otros personajes de la tira, como Isidorito, la Chacha Mama, Ñancul, y su caballo Pamperito.

La importante recaudación que obtuvo la película, apoyada en una campaña de marketing similar a la de un producto de Hollywood (promociones especiales en shoppings, actividades en donde los chicos podían fotografiarse con los personajes, un avance exclusivo para las pantallas de los teléfonos celulares Movicom, y un sinfín de productos con la cara del indiecito), llevó a que los productores encararan, con paso firme, la secuela del filme…

Fragmento de la película:

Patoruzito II (2006) Dirigida por José Luis Massa, basada en personajes de Dante Quinterno.

Con el mismo equipo creativo que la anterior, Patoruzito II vuelve a repetir las mismas fallas que su antecesora. La diferencia está en que, esta vez, el público no compró: la película resultó un fracaso estrepitoso.

El argumento narra la llegada de Patoruzito y sus amigos a la ciudad de Buenos Aires. Allí, en una vieja casona, se topan con la bruja Jiuma, que pretende convertirse en la hechicera más poderosa del mundo, para dominarlo y, de paso, recuperar su juventud. Para ello, tiene prisionera a Limay, la última hada que vive dentro de la fuente de los deseos. En el afán de rescatarla, nuestros héroes contarán con la ayuda del Fantasma Benito -personaje creado por Quinterno y que llevara a la fama Eduardo Ferro en la revista de Patoruzito-, en lo que sería el primer team-up de la historia de la animación argentina. El elenco vocal contó con la participación de la actriz Norma Aleandro en el papel de la bruja.

A pesar de este traspié, la compañía (ahora separada de Red Lojo y Telefé, y rebautizada como Indiecito) retomó a otro famosísimo personaje de Quinterno para una nueva producción…

Trailer de la película:

Isidoro (2007) Dirigida por José Luis Massa, basada en personajes de Dante Quinterno.

Nuevamente, los mismos realizadores se abocaron a la tarea de darle vida al famoso bon vivant argentino y, para variar, el resultado final deja bastante que desear. Situada en los años ’70 –época indefectiblemente ligada a la personalidad del protagonista, sería raro ver las aventuras del personaje en la actualidad- Isidoro (con la voz del reconocido comediante Dady Brieva), es echado de su casa por el Coronel Cañones, quien le adelanta parte de su herencia. Una vez que dilapida todo el dinero en fiestas, alcohol y cruceros por el mundo, el playboy regresa a pedir ayuda a su tío. Pero se encuentra con una novedad: el Coronel ha sido apresado por traición a la patria, acusado de haber robado unas semillas para un proyecto de biocombustibles. En afán de ayudarlo, Isidoro y su amiga Cachorra (la exuberante Luciana Salazar) viajarán medio mundo, para organizar la fiesta de coronación del príncipe de Kindostán. En medio del jolgorio, se las ingeniarán para recuperar las semillas.

Esta mezcla de aventura “isidoresca” con una trama de espionaje a lo James Bond no cayó muy bien entre el público –y menos entre los fans de Isidoro, que solo queríamos verlo haciendo de las suyas-, y el filme tuvo una repercusión moderada. Veremos si, después de estos tropiezos, Indiecito querrá seguir recuperando a los queridos personajes de Quinterno en la pantalla grande. Solo una cosa hace falta: buenas historias.

Trailer de la película:

Boogie, el aceitoso (2008). Dirigida por Gustavo Cova, basada en la historieta de Roberto Fontanarrosa.

Boogie, el aceitoso nace como una parodia de las muchas que realizaba el Negro Fontanarrosa en los años ’70, en este caso al cine policial norteamericano de la época, y en particular a Harry, el sucio. Publicado por primera vez en 1974 en las páginas de la revista Hortensia, Boogie es un asesino a sueldo cruel y despiadado, sin ningún atisbo de compasión hacia sus víctimas o cualquier ser humano en general, y con un verdadero arsenal de reflexiones a cuál más xénofoba y despreciativa. En estas historietas Fontanarrosa despliega su costado más corrosivo, repleto de un humor negro y una mala leche no exenta de crítica social, sobre todos hacia los costados más oscuros de la sociedad estadounidense. Luego de algunos años en Hortensia, Boogie paseó su imponente figura por Hum®, SuperHum®, La Maga y Cóctel, entre otras publicaciones.

El desafío para los productores de Illusion Studios residía en poder contar una historia de Boogie con un largo desarrollo sin traicionar la esencia del personaje (ninguna de las historietas tiene más de dos páginas). Y hay que decir, que con todas las de perder, la película se planta, si no bien, al menos con dignidad. La trama gira en torno a la ira de Boogie (con la voz de un irreconocible Pablo Echarri) cuando se entera de que el capo-mafia Sonny Calabria ha decidido contratar a otro asesino para liquidar a Marcia (voz de Nancy Dupláa), una testigo que está a punto de declarar contra él en un juicio. El film incorpora muy bien algunos gags clásicos de la historieta, y llega a tener unos interesantes momentos de oscuridad e incorrección política. Empalidece, sin embargo, en el aspecto gráfico, en donde el estilo de Fontanarrosa en el diseño de personajes no termina de integrarse al trabajo de los fondos en tres dimensiones. La decisión de exhibirla en cines en 3D tampoco resultó un acierto. Aun así, es un film interesante y que –sobre todo para los fans más acérrimos del personaje- podría haber derivado en algo muchísimo peor.

Trailer de la película:

Gaturro: la película (2010). Dirigida por Gustavo Cova, basada en la historieta de Nik.

El personaje de Gaturro surge en 1992, cuando el dibujante Nik comienza a incluirlo reiteradamente en su viñeta de humor político del diario La Nación, en referencia a la particular cabellera del ex presidente Carlos Menem. El gato obtuvo tal repercusión entre los lectores, que el autor lo llevó a protagonizar su propia tira, aunque con algunas reformulaciones: Gaturro abandona el comentario de actualidad, pasa a formar parte de una familia y a vivir situaciones de comedia clásica norteamericana, en un estilo muy similar al Garfield de Jim Davis. Así, el universo de personajes (que incluyen a su amiga Ágatha, el sobrino Gaturrín, el pececito Emilio, el ratón Ramiro, la maestra Ruda Vinagreti, entre otros) y el estilo gráfico con preponderancia del color buscan ampliar el rango de lectores de la historieta y acercarla, sobre todo, a los chicos. La apuesta rindió sus frutos: la popularidad de Gaturro explotó y generó una maquinaria de merchandising que sigue en constante crecimiento hasta el día de hoy.

Dentro de esta maquinaria es que se inscribe el largometraje, nuevamente a cargo de Gustavo Cova y con producción de Illusion Studios. Como era de esperarse por las historias de la tira, Gaturro: la película no pasa de ser una aventura anodina y con pocos rasgos de originalidad. En el filme, el protagonista (con la voz de Mariano Chiesa) busca infructuosamente conquistar el corazón de la esquiva Ágatha (voz de Agustina González Cirulnik), y cree conseguirlo luego de presentarse a un casting para el papel de superhéroe en un programa de TV, y alcanzar la fama. En el aspecto técnico, la película (realizada en CGI, y con posibilidad de verse en 3D) es correcta y la animación es fluida, aunque los escenarios adolescen de una cierta precariedad y las formas redondeadas de los personajes de la tira no parecen adaptarse muy bien a las tres dimensiones. Aún así, le alcanzó para ser una de las películas argentinas más vistas de la temporada.

Trailer de la película: