Cine: Warm Bodies, Zombies amorosos


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Hace poco cuando comente sobre Juan of the Dead, dije que el sub genero de los zombies ya estaba dando para cualquier cosa. Bueno, eso es porque aún no había visto Warm Bodies (me niego a decirle el nombre que le pusieron acá). Ahora sí, ya puedo decir que no me sorprendo más.
En un mundo post apocalíptico, conocemos la rutina de R, quien se la pasa deambulando por el aeropuerto pensando en como serían las cosas hace años. Me olvidaba, R es un zombie. También vemos la rutina de Julie, hija de Grigio, líder y comandante del último bastión humano en el país. Irremediablemente R y Julie se terminaran enamorando, y es que hasta un muerto vivo tiene un alma gemela.
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Si la sinopsis parece una bizarreada digna del  I Sat de los 90, cuando vean la película se darán cuenta que es solo el 10% de lo que en realidad van a ver.
Ojo, no es la primera vez que se plantea el amor entre un zombie y una persona, tenemos al clásico italiano de los 90 Dellamorte Dellamore, o la más reciente y conocida por pocos Fido. Pero Mi Novio es un Zombie (estúpido nombre que recibió en el doblaje), además de jugar con eso, utiliza una moda de esta época.
Por todos es sabidos que la saga Crepúsculo logro dos cosas para ser tan odiada. La primera es haber creado una legión de fans calenturientas que no saben ni quien es Dracula. La otra fue el aputazamiento de los vampiros. Bueno, Warm Bodies sabe parodiar esta tendencia.
Y es que el director y guionista Jonathan Levine supo entender que de la única forma que esta absurdez sea mirable, es que se tomara a sí misma en joda. Y por suerte es lo que hace.
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Es por eso que vemos una situación “WTF?”  tras otra. Principalmente usando canciones mega conocidas que acompañan imágenes casi opuestas a lo que transmite la canción.
Pero quienes de verdad se llevan las palmas son los dos zombies principales interpretados por Nicholas Hoult y Rob Corddry. El primero como el muerto enamoradizo, que con los pocos gestos que le permite usar el personaje logra transmitir verdadero cariño por la protagonista; de hecho transmite y expresa más que mucho actorsucho de comedia romántica. Mientras que Corddry, con las mismas restricciones llega transmitir ese humor zafado al que nos tiene acostumbrados, logrando de a ratos robarse toda la película.
Irónicamente el actor que peor esta es el más reconocido y que más talento tiene. Sí, estoy hablando de John Malkovich, que seguramente acepto el papel porque tenía cuentas que pagar. En cuanto a la protagonista, una rubia genérica que no destaca ni se hace odiar. Eso sí, el parecido más que evidente que tiene con la frígida Kristen Stewart es un guiño para atraer a los fans de Mierdusculo, digo, Crepúsculo.
El mayor acierto de Warm Bodies es saber que camino recorrer antes de hacerlo, para terminar haciendo una película estúpida pero honesta, que no busca más que parodiar una moda de mierda que espero que se olvide dentro de poco.
Y como sabrán, en este lugar, se aprecia más una peli menor pero honesta, que una mega producción pretenciosa y berreta.
Un saludo necrófilo.
Nota: 6
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero
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Lo que viene: Star Trek, en la oscuridad


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La saga de Star Trek es una de las mas largas y exitosas del genero Sci-Fi. Creada por Gene Roddenberry, comenzó en 1966 con una serie para televisión que hoy en día se ha transformado en serie de culto para miles de fans.

Y es que, junto a Star Wars, Star Trek es la otra gran saga con millones de seguidores fanatizados alrededor del planeta.

La serie original -y el resto de los productos relacionados- relata las aventuras de los tripulantes del Enterprise, una nave espacial que viaja por el universo en busqueda de nuevos planetas y civilizaciones.

Tras la serie mencionada se hizo una serie animada y una sucesión de películas para cine, además de expandir la franquicia a otras series y todo tipo de merchandising como: videojuegos, juegos de rol y novelas.

En 2009, – el cada vez mas poderoso- J.J. Abrams se hizo cargo de un reboot (reinicio) de la saga, con una película para cine que también funciona como precuela, contando los origenes de la tripulación del Enterprise, la nave en donde viajan los protagonistas.

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Ahora, cuatro años después, llega la continuación de este film: Star Trek, en la oscuridad (Star Trek: Into darkness, 2013),.

J.J. Abrams repite en la silla de director y también lo hacen los actores principales: Chris Pine (James T. Kirk) – lo veremos en Jack Ryan, lo nuevo de Kenneth Branagh, que vuelve a llevar a la pantalla grande al agente creado por Tom Clancy en sus famosas novelas-; Zachary Quinto (Spock); Simon Pegg (Scotty) -lo veremos en The World’s End, lo nuevo de Edgar Wright; Karl Urban (Bones) -lo veremos en Riddick, lo nuevo de David Twohy; Zoe Saldana (Uhura); Anton Yelchin (Chekov) -lo veremos en Odd Thomas, lo nuevo de Stephen Sommers y en Only Lovers Left Alive, lo nuevo de Jim Jarmusch; John Cho (Sulu); Bruce Greenwood (Chritopher Pike) -lo veremos en Devil’s Knot y Queen of the Night, lo nuevos films de Atom Egoyan. Además veremos a Peter Weller y a Alice Eve.

A continuación les dejamos el último trailer de Star Trek:

Cine: Los Miserables. Sobredosis de ostentación


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Antes de contar la sinopsis de la peli y hacer mi posterior magistral critica, quiero aclarar que el musical es un género al que recién ahora me estoy empezando a acercar. Como también decir que no leí la novela en que se basa esta película, ni su antigua versión ni su obra de teatro. Una vez dicho esto, arranquemos.
Estamos veinte años después de la Revolución Francesa. Al parecer no cambio prácticamente nada a nivel social, ya que la pobreza es el bien común de la mayoría de la población. Mientras, Jean Valjean lleva diecinueve años preso por robar un pedazo de pan. Luego de que obtiene la libertad condicional se escapa y arma una nueva vida, una que lo llevara a una buena posición económica. Mientras fantasmas de su pasado lo persiguen, personificados en el oficial Jevert, su historia se cruza con la de Fantine, una madre soltera que hace de todo (y me refiero a TODO) para obtener dinero para su hija.
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Estamos ante una de las pelis más esperadas del verano por la mayoría. Si bien hay algunos que aborrecen los musicales de por sí (yo antes era uno de ellos) u otros que simplemente la peli les provoca indiferencia, negar que era uno de los tanques del mes es absurdo. Solo quedaba ver si la peli cumplía, cosa que hace, pero sin ser lo perfecta que podría haber sido.
Primero que nada quiero destacar las virtudes que tiene. Y la mayor sin dudas son sus tres actores principales. Hugh Jackman vuelve a demostrar que es muchísimo más actor que solo el Wolverine con el que muchos lo tienen encasillado; y a la hora de cantar, confirma esa sensación que dejo en los Oscar de hace unos años, y es que el tipo tiene talento. Alguien que me llamaba la atención verlo en un musical era Russell Crowe, quien sale muy bien parado, a pesar que a veces se nota que la voz no le da para estrofas largas. Pero la que se lleva todas las palmas es la preciosa Anne Hathaway. Si bien la muchacha sale poco en la película, aprovecha al máximo sus minutos, en especial a la hora de cantar I Dreamed a Dream en primer plano, se me puso la piel de gallina.
A esto hay que sumarle el soberbio trabajo de fotografía y vestuario. Ya la escena inicial con los esclavos moviendo el barco es espectacular. Además que calza con quizás una de las mejores canciones de la película.
Pero si en un musical de época los actores, las canciones y todo el apartado técnico está muy bien hecho, seguro se preguntan ¿Estamos ante una película perfecta? Y la respuesta es un rotundo NO. Porque a pesar de todas las virtudes, parece que el director se empeñó en tirar todo abajo.
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Tom Hooper es el sobrevalorado director de la igualmente sobrevalorada El Discurso del Rey. El inglés parece haber querido boicotear la película desde adentro, porque todas las cosas cuestionables del film, son culpa suya.
Arranquemos con la sobredosis de primeros planos que inundan la película. Se le podría avisar a Hooper que para causar emoción en el espectador, no es necesario clavar primeros planos de quince minutos en cada canción. En algunas partes funcionan, como en la ya citada I Dreamed a Dream o en la primera canción larga de Russell Crowe, en otras se alargan tanto que uno le empieza a buscar los granitos a las caras de los actores.
A esto hay que agregarle el mal uso de la stadycam, constantemente en movimiento a pesar de que los personajes estén quietos. En varios momentos por no dejar la cámara quieta termina cagando encuadres preciosos.
Además de que las canciones son continuas, y para mi es fundamental que en un musical alla tiempos muertos sin canciones y con diálogos, porque a la larga (y más si dura tres horas) uno se termina saturando.
Y ya si hablamos de la duración, es algo que el director no supo manejar. A mí no me joden las películas kilométricas, pero si son entretenidas. El problema en esta ocasión es que por respetar al máximo la obra teatral, no se supo hacer una ADAPTACION. El mejor ejemplo son los personajes de Baron Coen y Bonhhan Carter. Algunos dirán que dan los momentos cómicos de la película, pero yo no fui a reírme cuando elegí ver Los Miserables. Sus personajes comen muchos minutos y nunca cuadran con el resto del film, porque parecen sacados de una película de Tim Burton. La historia de amor que aparece al final también roba bastante metraje, cuando ese tiempo podría haber sido usado para mostrar más la revolución que se estaba viviendo.
Con esto no digo que Los Miserables sea una mala película, para nada, de hecho me gusto bastante y la disfrute. Pero por culpa de un director pretencioso, ostentoso y que por regodearse en sí mismo descuido varios detalles que son exclusivos de su rol. Con un realizador más talentoso no se hubiera desperdiciado la oportunidad de hacer un musical que marcara época y se convirtiera en un clásico instantáneo.
Nota: 8
Un saludo pretendiendo ser espectacular.
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Historietas & comics: THOMAS OTT: “PINTANDO BLANCO SOBRE NEGRO”


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Thomas ¿Qué? ¿Quién es? No lo conozco…

Thomas Ott, es un geminiano,  dibujante de historietas, ilustrador,  músico y realizador de cortometrajes, nacido en Zurich en 1966. Conocido por sus obras maestras como: “Tales of Error” (1989) – “Greetings from Hellvile” (1995) –  “Recuerdos from México” (2000), entre muchas otras. Se caracteriza por su técnica “Carte-a-gratte”, traducido a nuestro idioma como “Tarjeta de raspar”,  que se basa en poner sobre una base o soporte duro una capa de tiza blanca o de color, pintar sobre la misma con tinta china y con un punzón o punta filosa empezar a quitar el negro. De esta forma uno dibuja dejando visible el blanco lo opuesto a lo tradicional, sobre blanco dibujar el negro. Como si dibujara en negativo.

Muy influenciado por el cine ya que todas sus viñetas tienen una puesta en cuadro muy cinematográfica, con influencias del cine alemán de principio de siglo XX y  algo de film noir francés. Un dibujante muy climático, lleno de claro-oscuro, expresionismo y teatralidad. Alejado de las tendencias depresivas y melancólicas, aferrado a la idea de cómo la muerte siempre está cerca nuestra de forma cruda o absurda, con dejos de humor negro y personajes muy humanos cargados de deseos de venganza, codicia y vulnerables a lo desconocido.

Se puede considerar que toda la obra de Thomas Ott es un deleite visual y narrativo. Realizador de historietas de autor y vanguardista. Sus obras tienen un tinte muy similar a los cuentos de Franz Kafka y Bram Stoker ambientados con una estética similar a la de la década del 50 norteamericana.

 

¿Cómo lo conociste?

Un día compre un fanzine/revista de comics, entre los cuales estaba este tal Ott. Quede sorprendido por la crudeza de sus ilustraciones y por lo minimalista que eran sus historias. Sin diálogos, con la facilidad de poder representar el terror, el horror, la muerte y el miedo con mucha naturalidad en sus viñetas.  Con un excelente manejo del “Siniestro”, pasar de una situación familiar al horror absoluto, atrapándote en su telaraña narrativa incitándote a querer seguir leyendo más y más. En algunos momentos, sentís que te está dando un consejo y dejándote una moraleja para que sepas que es lo que pasa, si haces enojar a tu mujer, o decidís matar a alguien por dinero o simplemente te dedicas a estafar pobres personas.
Un autor, poco conocido en el mercado de “Lo comercial” de perfil bajo pero con una calidad única, creativa y muy poco vista. De hecho, lo considero el Ted McKeever  europeo.

 

¿Cuál es la obra de él que más te gusto?

Cinema Panopticum (2005) Wow… es para mí, la que más me incito a querer filmarla. Es muy cinematográfica y cuenta la historia de una pequeña niña que entra a una feria, de las típicas en las que están el tren del horror, conos de azúcar y el túnel del amor, en la cual no encuentra nada que le llame mucho la atención hasta que llega a “Cinema Panopticum” una pequeña tienda en la que hay muchos fichines de arcade, que cada uno le toca “jugar” con una historia de horror en particular. INCREIBLE. Sádica, perversa y muy oscuras.

La que hizo que me enamore de la obra de este autor fue “Tales of Error” (1989). Conformada por cinco historias llenas de “Karma”. Historias de asesinatos, codicia, venganza y con ese amor al horror gráfico. En especial me gustó mucho “Kill yout housband” en la cual en una sola viñeta resume como una esposa puede matar a su marido: De un hachazo, ahogándolo entre sus senos, envenandolo, haciéndole voodoo, o sodomizándolo entre otras…

 

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ENTREVISTA

 

Fragmento de la entrevista que realizo Carlos Reyes G. para la evista “Suda Mery K!” (2006) titulada “¡Qué viva la vida!”

Suda Mery K: Llama mucho la atención en tu trabajo algo que te escuché decir: “La vida y la muerte son hermanas”. ¿Qué te atrae de esa relación?

Thomas Ott: Siempre he dibujado lo que me da miedo. El dibujo es una suerte de exorcismo. Y la muerte es como el miedo fundamental de todos los miedos. El que tenemos en toda nuestra vida, en el amor, en lo que hacemos. Yo pienso que lo que aparece en mis dibujos, las calaveras, los esqueletos, son más un juego con el símbolo que lo que es realmente la muerte. De la misma manera que juego con la imagen de Cristo, de los santos, pero como símbolos con los que juego. En mis historias la muerte está muy presente, pero me interesa también cómo es que una persona llega a morir. Mis historias son moralistas. Siempre está el dedo que dice: cuidado, no hagas como este porque si no te va a pasar lo mismo.

S: ¿Cómo llegaste a prescindir de los textos en globos y cartuchos en todas tus historias?

T.O: Es es difícil de explicar, pero creo que es porque siempre he sentido más atracción por la imagen que por el texto en las historias. Cuando tenía que elegir una historieta siempre me fijaba más en las imágenes. El problema se me planteó cuando tuve que hacer mis propias historietas y tuve que pensar en donde poner el texto. Jamás supe donde adaptarlo gráficamente a mis dibujos.

OBRA

 

  • Tales of Error, 1989, Verlag Edition Moderne.
  • Phantom der Superheld, 1994, Verlag Edition Moderne
  • Greetings from Hellville, 1995, Verlag Edition Moderne.
  • Dead End, Verlag 1996, Edition Moderne. E
  • La douane, 1996, L’Association
  • La bête à cinq doigts, 1996, L’Association
  • Exit, 1997, Delcourt
  • La grande famiglia, 1997, L’Association
  • Recuerdos de México, 2000, para L’Association au Mexique, L’Association, col. Eperluette
  • t.o.t.t., 2002, Verlag Edition Moderne
  • Cinema Panopticum, 2005, Verglag Edition Moderne
  • The Number 73304-23-4153-6-96-8. Verglag Edition Moderne 2008

Un video como preview de su libro R.I.P.

WEB SITE OFICIAL:

http://www.tott.ch/

por MadEngel

Sagas & series: Mi villano favorito Dr. Horrible´s Sing Along Blog


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De vez en cuando uno se encuentra con cosas bizarrisimas en internet. Y si uno está al pedo las termina viendo. Bueno, algo así me paso con esta mini serie. Aunque viendo los nombres que están involucrados, por más que no estuviera el pedo, la hubiera visto, y ahora paso a recomendarla.
El Dr. Horrible es un villano medio pelo que aspira a entrar en la Malvada Liga de la Maldad. Mediante su video blog vemos como en repetidas ocasiones mando su solicitud a Caballo Loco, líder de la liga, pero siempre fue rechazado por sus constantes fracasos. Mientras el Dr. Horrible nos cuenta esto, también vemos su día a día, principalmente sus forzados “encuentros casuales” con Penny, su gran amor, y sus batallas con el ególatra Capitán Hammer, superhéroe y némesis del Doctor.
Para encontrarle el encanto al a serie debemos situarnos en el contexto en que se dio. Primero estamos ante una mini serie de tres capítulos de catorce minutos cada uno. Su creador, Joss Whedom (Buffy, Firefly, Los Vengadores), originalmente pensó la serie para ser emitida en internet, allá por el lejano año del 08. Recordemos que en esa época se vivió la famosa huelga de guionistas, que dio como resultado la suspensión momentánea o definitiva de casi todas las series televisivas. Whedom con esto buscaba hacer algo barato, corto, de fácil acceso pero con calidad.
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Y esa calidad se la da el excelente reparto que tiene la mini serie. El protagonista, nuestro Dr. Horrible es interpretado por el enorme Neil Patrick Harris (Barney de How I Meet Your Mother), el Capitán Hammer es recreado por el genio de Nathan Fillion (Firefly, Castle), mientras que el interés amoroso de ambos, Penny, es la hermosa Felicia Day. También tenemos a Simon Helberg (Wolowitz de The Big Bang Theory) como el inútil secuas de Dr. Horrible.
Y es que esto último caracteriza a la tira. Olvídense de ver grandes efectos y superhéroes de última generación. Toda esta hecho con un presupuesto ínfimo (que no significa que la calidad sea mala), y el mundo en el que se mueven los personajes rozan el patetismo y ridículo. El Dr. Horribles recuerda bastante a Mi Villano Favorito, siendo un malvado que no es tan malo como él mismo cree que es. El Capitán Hammer tampoco  es el héroe que uno está acostumbrado a ver, ya que estamos ante un ególatra que hace todo más pensando en la fama y moverse fans que en hacer el bien por el bien mismo.
Antes de verla tienen que acordarse de lo que comente más arriba. Estamos ante una propuesta de bajo presupuesto, hecha en una época particular en la que los guionistas se negaron a seguir escribiendo y todas las series estaban en un párate indefinido. Y además, les advierto, es un musical (tiene partes habladas), así que los que odien las canciones están advertidos.
Dr. Horrible´s Sing Along Blog puede ser interpretada como un ensayo, un entretenimiento que hizo Joss Whedon por mero gusto y tanteándose a sí mismo en el mundo de los superhéroes. Pero más que nada, es la clara muestra que no hace falta tener un presupuesto gigante para hacer algo digno y con un mínimo de calidad.
Muchos deberían tomar nota de esto.
Un saludo cantando mis maldades.
Nota: 8
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Cine: The Dinosaur Project, o los dinosaurios se extinguieron por guiones como éstos


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Hay que reconocer que la mayoría de la gente al ver dinosaurios metidos en las películas siente curiosidad, y tarde o temprano las termina viendo. Será que nos sentimos atraídos por esos monstruos que nunca ningún humano pudo ver. Es por esto que al incluir dinosaurios en las historias, se sabe de ante mano que se va a atraer a bastante gente. El gran problema es que pocas películas se preocuparon de hacer algo interesantes con ellos.
The Dinosaur Project nos cuenta la historia del grupo de la Sociedad Criptozoologica Británica, que viaja a Congo para poder avistar al Mokele Mbembé, una especie de monstruo del Lago Ness africano. Equipados con cámaras que transmiten directo a un disco rígido, se emprenden al lugar donde se suele ver al bicharraco, pero en pleno vuelo sufren un accidente y quedan varados en el medio de la jungla. Es ahí cuando empezara su pesadilla, ya que serán acosados por lo que parecen ser dinosaurios.
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La aclaración de las cámaras en la sinopsis es vital para entender la película. Y es que todo está filmado con el dichoso y ya quemado estilo de “falso documental”. Este nombre se le da a la técnica donde toda la peli es como si fuera la recopilación de videos caseros, al estilo de Actividad Paranormal o la archí conocida El Proyecto Blair Witch.
Con esta técnica el director Sid Bennet se desliga de cualquier compromiso a la hora de incluir buenos encuadres o jugarse por una dirección con personalidad. Intentando darle suspenso a toda la cinta, usando el “falso documental” se suelen obtener pelis sin almas, y que en vez de crear tensión terminan siendo una berretada donde todo se ve fuera de foco, esfumado o solo siluetas que pasan rápido.
De todas formas esto no es lo más criticable, ya que el recurso de “falso documental” suele ser usado en estas producciones de bajo presupuesto. Los motivos para asesinarla son todos los demás apartados.
Y es que a ver, es normal que en pelis de escasos recursos los actores suelan ser malísimos, que el director sea un desconocido sin mucho talento. Pero a ver muchachos, pensar en un buen guion no cuesta plata, si no tiempo y  sobre todo en tener talento, cosa que acá brilla por su ausencia.
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De entrada toda la historia recuerda muchísimo a esa miniserie inglesa llamado The Lost World, adaptación de la novela de Arthur Conan Doyle, con Bob Hoskins como única cara conocida. Pero además, la peli hace gala de todos los tópicos y clichés del sub género “expedición”. Tenemos a los típicos extras con el cartel de victima en la frente, el que aparentemente sobra pero al final es el que más decidido está en el grupo, y como no podía faltar, el que termina volviéndose malo contra los demás con motivos que rozan lo ridículo. Esto sumado con la mala dirección y dirección de actores nos da situaciones que terminan causando gracia sin querer hacerlo.
Irónicamente lo mejor hecho de la película son los dinosaurios. El estudio Jellyfish es el encargado de realizar a los reptiles prehistóricos y el resultado es más que satisfactorio. Ya hubiera querido la bosta de Terra Nova tener dinosaurios de esta factura. Pero como digo, causa gracia que el apartado del que menos se podía esperar sea el mejor.
The Dinosaur Project es el claro ejemplo de que solo con buenas ideas no se puede hacer un buen film, sino que también se necesita gente con talento que lo ejecute. La inutilidad del director, guionistas y actores terminan por matar una premisa interesante y unos más que correctos efectos. Una lastima
Nota: 4
Un saludo extinguiéndome.
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Estreno: Mamá


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Hoy se estrenó la película Mamá, del argentino Andrés Muschietti, una co-producción hispano-canadiense, en la que figura Guillermo del Toro como productor ejecutivo. El apoyo de este último no es casual, ya que el film parece llevar su marca registrada: una historia de fantasmas, niños en peligro, asesinatos truculentos y pasados inconfesables. Existen obvias coincidencias con El laberinto del fauno y El espinazo del diablo, ambas dirigidas por Del Toro.

Pero, aunque los materiales promocionales parezcan sugerir lo contrario, Mamá no es obra del mexicano, sino de Muschietti, que estuvo detrás de la cámara y participó en la redacción del guión, junto con su hermana y productora Bárbara. Además, Andrés (o Andy) y su hermana fueron los autores del corto original, que dura poco más de tres minutos, y que Del Toro considera una de las obras “más breves pero más aterradoras” que vio en su vida.

Obviamente, el largometraje que se acaba de estrenar en los cines argentinos amplió enormemente el argumento del corto, ya que este último casi no tiene argumento: es pura sugestión y misterio. En el mismo, dos niñas se despiertan durante la noche y tratan de escapar de su casa. Según advierte una de ellas, “mamá ha vuelto”. Cuando alcanzan la planta baja, encuentran a “mamá”, un extraño y horrible espíritu que las persigue hasta el dormitorio donde inició la historia. Y así termina el corto.

El largometraje, inevitablemente, cuenta una trama mucho más compleja. Otra vez encontramos a dos niñas, pero en este caso conocemos sus antecedentes. Su padre, trastornado por la crisis económica del 2008, asesina a sus colegas y a su mujer, y se fuga con sus hijas. En el camino, se accidenta en la ruta y se esconde en una cabaña abandonada en medio del bosque, donde resuelve matar a sus hijas y luego suicidarse. Lo detiene un espíritu misterioso, que deja huérfanas a las protagonistas. Un tiempo después, el tío de las niñas y hermano del padre las encuentra en la intemperie de la cabaña e intenta criarlas junto a su esposa (interpretada por Jessica Chastain, que recientemente apareció en La noche más oscura). Las niñas, que crecieron en la naturaleza, padecen serios problemas psicológicos y no dejan de mencionar al espíritu redentor, que quizás las persiga hasta su nuevo hogar. Entre los demás personajes que aparecen en la cinta, se pueden mencionar el psicólogo que se encarga del caso de las hermanas y la tía adinerada que reclama custodia sobre sus sobrinas.

Está claro que el largometraje, de cierta manera, traiciona al corto, porque mientras el segundo juega con la falta de exposición y argumento, con la intriga de lo desconocido, el primero expone una montaña de detalles y caracteriza un conjunto de personajes, en parte porque necesita hacerlo –para llenar los 100 minutos de su metraje– y en parte porque así lo espera el público masivo. Queda por ver cómo hizo Muschietti para sortear las dificultades que implica extender un corto y mantener, en la medida de lo posible, la tensión del original.

A continuación, el corto Mamá, presentado por Del Toro, seguido por el trailer del largometraje:

— Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine