Cine: Warm Bodies, Zombies amorosos


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Hace poco cuando comente sobre Juan of the Dead, dije que el sub genero de los zombies ya estaba dando para cualquier cosa. Bueno, eso es porque aún no había visto Warm Bodies (me niego a decirle el nombre que le pusieron acá). Ahora sí, ya puedo decir que no me sorprendo más.
En un mundo post apocalíptico, conocemos la rutina de R, quien se la pasa deambulando por el aeropuerto pensando en como serían las cosas hace años. Me olvidaba, R es un zombie. También vemos la rutina de Julie, hija de Grigio, líder y comandante del último bastión humano en el país. Irremediablemente R y Julie se terminaran enamorando, y es que hasta un muerto vivo tiene un alma gemela.
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Si la sinopsis parece una bizarreada digna del  I Sat de los 90, cuando vean la película se darán cuenta que es solo el 10% de lo que en realidad van a ver.
Ojo, no es la primera vez que se plantea el amor entre un zombie y una persona, tenemos al clásico italiano de los 90 Dellamorte Dellamore, o la más reciente y conocida por pocos Fido. Pero Mi Novio es un Zombie (estúpido nombre que recibió en el doblaje), además de jugar con eso, utiliza una moda de esta época.
Por todos es sabidos que la saga Crepúsculo logro dos cosas para ser tan odiada. La primera es haber creado una legión de fans calenturientas que no saben ni quien es Dracula. La otra fue el aputazamiento de los vampiros. Bueno, Warm Bodies sabe parodiar esta tendencia.
Y es que el director y guionista Jonathan Levine supo entender que de la única forma que esta absurdez sea mirable, es que se tomara a sí misma en joda. Y por suerte es lo que hace.
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Es por eso que vemos una situación “WTF?”  tras otra. Principalmente usando canciones mega conocidas que acompañan imágenes casi opuestas a lo que transmite la canción.
Pero quienes de verdad se llevan las palmas son los dos zombies principales interpretados por Nicholas Hoult y Rob Corddry. El primero como el muerto enamoradizo, que con los pocos gestos que le permite usar el personaje logra transmitir verdadero cariño por la protagonista; de hecho transmite y expresa más que mucho actorsucho de comedia romántica. Mientras que Corddry, con las mismas restricciones llega transmitir ese humor zafado al que nos tiene acostumbrados, logrando de a ratos robarse toda la película.
Irónicamente el actor que peor esta es el más reconocido y que más talento tiene. Sí, estoy hablando de John Malkovich, que seguramente acepto el papel porque tenía cuentas que pagar. En cuanto a la protagonista, una rubia genérica que no destaca ni se hace odiar. Eso sí, el parecido más que evidente que tiene con la frígida Kristen Stewart es un guiño para atraer a los fans de Mierdusculo, digo, Crepúsculo.
El mayor acierto de Warm Bodies es saber que camino recorrer antes de hacerlo, para terminar haciendo una película estúpida pero honesta, que no busca más que parodiar una moda de mierda que espero que se olvide dentro de poco.
Y como sabrán, en este lugar, se aprecia más una peli menor pero honesta, que una mega producción pretenciosa y berreta.
Un saludo necrófilo.
Nota: 6
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Lo que viene: Star Trek, en la oscuridad


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La saga de Star Trek es una de las mas largas y exitosas del genero Sci-Fi. Creada por Gene Roddenberry, comenzó en 1966 con una serie para televisión que hoy en día se ha transformado en serie de culto para miles de fans.

Y es que, junto a Star Wars, Star Trek es la otra gran saga con millones de seguidores fanatizados alrededor del planeta.

La serie original -y el resto de los productos relacionados- relata las aventuras de los tripulantes del Enterprise, una nave espacial que viaja por el universo en busqueda de nuevos planetas y civilizaciones.

Tras la serie mencionada se hizo una serie animada y una sucesión de películas para cine, además de expandir la franquicia a otras series y todo tipo de merchandising como: videojuegos, juegos de rol y novelas.

En 2009, – el cada vez mas poderoso- J.J. Abrams se hizo cargo de un reboot (reinicio) de la saga, con una película para cine que también funciona como precuela, contando los origenes de la tripulación del Enterprise, la nave en donde viajan los protagonistas.

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Ahora, cuatro años después, llega la continuación de este film: Star Trek, en la oscuridad (Star Trek: Into darkness, 2013),.

J.J. Abrams repite en la silla de director y también lo hacen los actores principales: Chris Pine (James T. Kirk) – lo veremos en Jack Ryan, lo nuevo de Kenneth Branagh, que vuelve a llevar a la pantalla grande al agente creado por Tom Clancy en sus famosas novelas-; Zachary Quinto (Spock); Simon Pegg (Scotty) -lo veremos en The World’s End, lo nuevo de Edgar Wright; Karl Urban (Bones) -lo veremos en Riddick, lo nuevo de David Twohy; Zoe Saldana (Uhura); Anton Yelchin (Chekov) -lo veremos en Odd Thomas, lo nuevo de Stephen Sommers y en Only Lovers Left Alive, lo nuevo de Jim Jarmusch; John Cho (Sulu); Bruce Greenwood (Chritopher Pike) -lo veremos en Devil’s Knot y Queen of the Night, lo nuevos films de Atom Egoyan. Además veremos a Peter Weller y a Alice Eve.

A continuación les dejamos el último trailer de Star Trek:

Cine: Los Miserables. Sobredosis de ostentación


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Antes de contar la sinopsis de la peli y hacer mi posterior magistral critica, quiero aclarar que el musical es un género al que recién ahora me estoy empezando a acercar. Como también decir que no leí la novela en que se basa esta película, ni su antigua versión ni su obra de teatro. Una vez dicho esto, arranquemos.
Estamos veinte años después de la Revolución Francesa. Al parecer no cambio prácticamente nada a nivel social, ya que la pobreza es el bien común de la mayoría de la población. Mientras, Jean Valjean lleva diecinueve años preso por robar un pedazo de pan. Luego de que obtiene la libertad condicional se escapa y arma una nueva vida, una que lo llevara a una buena posición económica. Mientras fantasmas de su pasado lo persiguen, personificados en el oficial Jevert, su historia se cruza con la de Fantine, una madre soltera que hace de todo (y me refiero a TODO) para obtener dinero para su hija.
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Estamos ante una de las pelis más esperadas del verano por la mayoría. Si bien hay algunos que aborrecen los musicales de por sí (yo antes era uno de ellos) u otros que simplemente la peli les provoca indiferencia, negar que era uno de los tanques del mes es absurdo. Solo quedaba ver si la peli cumplía, cosa que hace, pero sin ser lo perfecta que podría haber sido.
Primero que nada quiero destacar las virtudes que tiene. Y la mayor sin dudas son sus tres actores principales. Hugh Jackman vuelve a demostrar que es muchísimo más actor que solo el Wolverine con el que muchos lo tienen encasillado; y a la hora de cantar, confirma esa sensación que dejo en los Oscar de hace unos años, y es que el tipo tiene talento. Alguien que me llamaba la atención verlo en un musical era Russell Crowe, quien sale muy bien parado, a pesar que a veces se nota que la voz no le da para estrofas largas. Pero la que se lleva todas las palmas es la preciosa Anne Hathaway. Si bien la muchacha sale poco en la película, aprovecha al máximo sus minutos, en especial a la hora de cantar I Dreamed a Dream en primer plano, se me puso la piel de gallina.
A esto hay que sumarle el soberbio trabajo de fotografía y vestuario. Ya la escena inicial con los esclavos moviendo el barco es espectacular. Además que calza con quizás una de las mejores canciones de la película.
Pero si en un musical de época los actores, las canciones y todo el apartado técnico está muy bien hecho, seguro se preguntan ¿Estamos ante una película perfecta? Y la respuesta es un rotundo NO. Porque a pesar de todas las virtudes, parece que el director se empeñó en tirar todo abajo.
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Tom Hooper es el sobrevalorado director de la igualmente sobrevalorada El Discurso del Rey. El inglés parece haber querido boicotear la película desde adentro, porque todas las cosas cuestionables del film, son culpa suya.
Arranquemos con la sobredosis de primeros planos que inundan la película. Se le podría avisar a Hooper que para causar emoción en el espectador, no es necesario clavar primeros planos de quince minutos en cada canción. En algunas partes funcionan, como en la ya citada I Dreamed a Dream o en la primera canción larga de Russell Crowe, en otras se alargan tanto que uno le empieza a buscar los granitos a las caras de los actores.
A esto hay que agregarle el mal uso de la stadycam, constantemente en movimiento a pesar de que los personajes estén quietos. En varios momentos por no dejar la cámara quieta termina cagando encuadres preciosos.
Además de que las canciones son continuas, y para mi es fundamental que en un musical alla tiempos muertos sin canciones y con diálogos, porque a la larga (y más si dura tres horas) uno se termina saturando.
Y ya si hablamos de la duración, es algo que el director no supo manejar. A mí no me joden las películas kilométricas, pero si son entretenidas. El problema en esta ocasión es que por respetar al máximo la obra teatral, no se supo hacer una ADAPTACION. El mejor ejemplo son los personajes de Baron Coen y Bonhhan Carter. Algunos dirán que dan los momentos cómicos de la película, pero yo no fui a reírme cuando elegí ver Los Miserables. Sus personajes comen muchos minutos y nunca cuadran con el resto del film, porque parecen sacados de una película de Tim Burton. La historia de amor que aparece al final también roba bastante metraje, cuando ese tiempo podría haber sido usado para mostrar más la revolución que se estaba viviendo.
Con esto no digo que Los Miserables sea una mala película, para nada, de hecho me gusto bastante y la disfrute. Pero por culpa de un director pretencioso, ostentoso y que por regodearse en sí mismo descuido varios detalles que son exclusivos de su rol. Con un realizador más talentoso no se hubiera desperdiciado la oportunidad de hacer un musical que marcara época y se convirtiera en un clásico instantáneo.
Nota: 8
Un saludo pretendiendo ser espectacular.
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Historietas & comics: THOMAS OTT: “PINTANDO BLANCO SOBRE NEGRO”


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Thomas ¿Qué? ¿Quién es? No lo conozco…

Thomas Ott, es un geminiano,  dibujante de historietas, ilustrador,  músico y realizador de cortometrajes, nacido en Zurich en 1966. Conocido por sus obras maestras como: “Tales of Error” (1989) – “Greetings from Hellvile” (1995) –  “Recuerdos from México” (2000), entre muchas otras. Se caracteriza por su técnica “Carte-a-gratte”, traducido a nuestro idioma como “Tarjeta de raspar”,  que se basa en poner sobre una base o soporte duro una capa de tiza blanca o de color, pintar sobre la misma con tinta china y con un punzón o punta filosa empezar a quitar el negro. De esta forma uno dibuja dejando visible el blanco lo opuesto a lo tradicional, sobre blanco dibujar el negro. Como si dibujara en negativo.

Muy influenciado por el cine ya que todas sus viñetas tienen una puesta en cuadro muy cinematográfica, con influencias del cine alemán de principio de siglo XX y  algo de film noir francés. Un dibujante muy climático, lleno de claro-oscuro, expresionismo y teatralidad. Alejado de las tendencias depresivas y melancólicas, aferrado a la idea de cómo la muerte siempre está cerca nuestra de forma cruda o absurda, con dejos de humor negro y personajes muy humanos cargados de deseos de venganza, codicia y vulnerables a lo desconocido.

Se puede considerar que toda la obra de Thomas Ott es un deleite visual y narrativo. Realizador de historietas de autor y vanguardista. Sus obras tienen un tinte muy similar a los cuentos de Franz Kafka y Bram Stoker ambientados con una estética similar a la de la década del 50 norteamericana.

 

¿Cómo lo conociste?

Un día compre un fanzine/revista de comics, entre los cuales estaba este tal Ott. Quede sorprendido por la crudeza de sus ilustraciones y por lo minimalista que eran sus historias. Sin diálogos, con la facilidad de poder representar el terror, el horror, la muerte y el miedo con mucha naturalidad en sus viñetas.  Con un excelente manejo del “Siniestro”, pasar de una situación familiar al horror absoluto, atrapándote en su telaraña narrativa incitándote a querer seguir leyendo más y más. En algunos momentos, sentís que te está dando un consejo y dejándote una moraleja para que sepas que es lo que pasa, si haces enojar a tu mujer, o decidís matar a alguien por dinero o simplemente te dedicas a estafar pobres personas.
Un autor, poco conocido en el mercado de “Lo comercial” de perfil bajo pero con una calidad única, creativa y muy poco vista. De hecho, lo considero el Ted McKeever  europeo.

 

¿Cuál es la obra de él que más te gusto?

Cinema Panopticum (2005) Wow… es para mí, la que más me incito a querer filmarla. Es muy cinematográfica y cuenta la historia de una pequeña niña que entra a una feria, de las típicas en las que están el tren del horror, conos de azúcar y el túnel del amor, en la cual no encuentra nada que le llame mucho la atención hasta que llega a “Cinema Panopticum” una pequeña tienda en la que hay muchos fichines de arcade, que cada uno le toca “jugar” con una historia de horror en particular. INCREIBLE. Sádica, perversa y muy oscuras.

La que hizo que me enamore de la obra de este autor fue “Tales of Error” (1989). Conformada por cinco historias llenas de “Karma”. Historias de asesinatos, codicia, venganza y con ese amor al horror gráfico. En especial me gustó mucho “Kill yout housband” en la cual en una sola viñeta resume como una esposa puede matar a su marido: De un hachazo, ahogándolo entre sus senos, envenandolo, haciéndole voodoo, o sodomizándolo entre otras…

 

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ENTREVISTA

 

Fragmento de la entrevista que realizo Carlos Reyes G. para la evista “Suda Mery K!” (2006) titulada “¡Qué viva la vida!”

Suda Mery K: Llama mucho la atención en tu trabajo algo que te escuché decir: “La vida y la muerte son hermanas”. ¿Qué te atrae de esa relación?

Thomas Ott: Siempre he dibujado lo que me da miedo. El dibujo es una suerte de exorcismo. Y la muerte es como el miedo fundamental de todos los miedos. El que tenemos en toda nuestra vida, en el amor, en lo que hacemos. Yo pienso que lo que aparece en mis dibujos, las calaveras, los esqueletos, son más un juego con el símbolo que lo que es realmente la muerte. De la misma manera que juego con la imagen de Cristo, de los santos, pero como símbolos con los que juego. En mis historias la muerte está muy presente, pero me interesa también cómo es que una persona llega a morir. Mis historias son moralistas. Siempre está el dedo que dice: cuidado, no hagas como este porque si no te va a pasar lo mismo.

S: ¿Cómo llegaste a prescindir de los textos en globos y cartuchos en todas tus historias?

T.O: Es es difícil de explicar, pero creo que es porque siempre he sentido más atracción por la imagen que por el texto en las historias. Cuando tenía que elegir una historieta siempre me fijaba más en las imágenes. El problema se me planteó cuando tuve que hacer mis propias historietas y tuve que pensar en donde poner el texto. Jamás supe donde adaptarlo gráficamente a mis dibujos.

OBRA

 

  • Tales of Error, 1989, Verlag Edition Moderne.
  • Phantom der Superheld, 1994, Verlag Edition Moderne
  • Greetings from Hellville, 1995, Verlag Edition Moderne.
  • Dead End, Verlag 1996, Edition Moderne. E
  • La douane, 1996, L’Association
  • La bête à cinq doigts, 1996, L’Association
  • Exit, 1997, Delcourt
  • La grande famiglia, 1997, L’Association
  • Recuerdos de México, 2000, para L’Association au Mexique, L’Association, col. Eperluette
  • t.o.t.t., 2002, Verlag Edition Moderne
  • Cinema Panopticum, 2005, Verglag Edition Moderne
  • The Number 73304-23-4153-6-96-8. Verglag Edition Moderne 2008

Un video como preview de su libro R.I.P.

WEB SITE OFICIAL:

http://www.tott.ch/

por MadEngel

Sagas & series: Mi villano favorito Dr. Horrible´s Sing Along Blog


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De vez en cuando uno se encuentra con cosas bizarrisimas en internet. Y si uno está al pedo las termina viendo. Bueno, algo así me paso con esta mini serie. Aunque viendo los nombres que están involucrados, por más que no estuviera el pedo, la hubiera visto, y ahora paso a recomendarla.
El Dr. Horrible es un villano medio pelo que aspira a entrar en la Malvada Liga de la Maldad. Mediante su video blog vemos como en repetidas ocasiones mando su solicitud a Caballo Loco, líder de la liga, pero siempre fue rechazado por sus constantes fracasos. Mientras el Dr. Horrible nos cuenta esto, también vemos su día a día, principalmente sus forzados “encuentros casuales” con Penny, su gran amor, y sus batallas con el ególatra Capitán Hammer, superhéroe y némesis del Doctor.
Para encontrarle el encanto al a serie debemos situarnos en el contexto en que se dio. Primero estamos ante una mini serie de tres capítulos de catorce minutos cada uno. Su creador, Joss Whedom (Buffy, Firefly, Los Vengadores), originalmente pensó la serie para ser emitida en internet, allá por el lejano año del 08. Recordemos que en esa época se vivió la famosa huelga de guionistas, que dio como resultado la suspensión momentánea o definitiva de casi todas las series televisivas. Whedom con esto buscaba hacer algo barato, corto, de fácil acceso pero con calidad.
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Y esa calidad se la da el excelente reparto que tiene la mini serie. El protagonista, nuestro Dr. Horrible es interpretado por el enorme Neil Patrick Harris (Barney de How I Meet Your Mother), el Capitán Hammer es recreado por el genio de Nathan Fillion (Firefly, Castle), mientras que el interés amoroso de ambos, Penny, es la hermosa Felicia Day. También tenemos a Simon Helberg (Wolowitz de The Big Bang Theory) como el inútil secuas de Dr. Horrible.
Y es que esto último caracteriza a la tira. Olvídense de ver grandes efectos y superhéroes de última generación. Toda esta hecho con un presupuesto ínfimo (que no significa que la calidad sea mala), y el mundo en el que se mueven los personajes rozan el patetismo y ridículo. El Dr. Horribles recuerda bastante a Mi Villano Favorito, siendo un malvado que no es tan malo como él mismo cree que es. El Capitán Hammer tampoco  es el héroe que uno está acostumbrado a ver, ya que estamos ante un ególatra que hace todo más pensando en la fama y moverse fans que en hacer el bien por el bien mismo.
Antes de verla tienen que acordarse de lo que comente más arriba. Estamos ante una propuesta de bajo presupuesto, hecha en una época particular en la que los guionistas se negaron a seguir escribiendo y todas las series estaban en un párate indefinido. Y además, les advierto, es un musical (tiene partes habladas), así que los que odien las canciones están advertidos.
Dr. Horrible´s Sing Along Blog puede ser interpretada como un ensayo, un entretenimiento que hizo Joss Whedon por mero gusto y tanteándose a sí mismo en el mundo de los superhéroes. Pero más que nada, es la clara muestra que no hace falta tener un presupuesto gigante para hacer algo digno y con un mínimo de calidad.
Muchos deberían tomar nota de esto.
Un saludo cantando mis maldades.
Nota: 8
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Cine: The Dinosaur Project, o los dinosaurios se extinguieron por guiones como éstos


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Hay que reconocer que la mayoría de la gente al ver dinosaurios metidos en las películas siente curiosidad, y tarde o temprano las termina viendo. Será que nos sentimos atraídos por esos monstruos que nunca ningún humano pudo ver. Es por esto que al incluir dinosaurios en las historias, se sabe de ante mano que se va a atraer a bastante gente. El gran problema es que pocas películas se preocuparon de hacer algo interesantes con ellos.
The Dinosaur Project nos cuenta la historia del grupo de la Sociedad Criptozoologica Británica, que viaja a Congo para poder avistar al Mokele Mbembé, una especie de monstruo del Lago Ness africano. Equipados con cámaras que transmiten directo a un disco rígido, se emprenden al lugar donde se suele ver al bicharraco, pero en pleno vuelo sufren un accidente y quedan varados en el medio de la jungla. Es ahí cuando empezara su pesadilla, ya que serán acosados por lo que parecen ser dinosaurios.
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La aclaración de las cámaras en la sinopsis es vital para entender la película. Y es que todo está filmado con el dichoso y ya quemado estilo de “falso documental”. Este nombre se le da a la técnica donde toda la peli es como si fuera la recopilación de videos caseros, al estilo de Actividad Paranormal o la archí conocida El Proyecto Blair Witch.
Con esta técnica el director Sid Bennet se desliga de cualquier compromiso a la hora de incluir buenos encuadres o jugarse por una dirección con personalidad. Intentando darle suspenso a toda la cinta, usando el “falso documental” se suelen obtener pelis sin almas, y que en vez de crear tensión terminan siendo una berretada donde todo se ve fuera de foco, esfumado o solo siluetas que pasan rápido.
De todas formas esto no es lo más criticable, ya que el recurso de “falso documental” suele ser usado en estas producciones de bajo presupuesto. Los motivos para asesinarla son todos los demás apartados.
Y es que a ver, es normal que en pelis de escasos recursos los actores suelan ser malísimos, que el director sea un desconocido sin mucho talento. Pero a ver muchachos, pensar en un buen guion no cuesta plata, si no tiempo y  sobre todo en tener talento, cosa que acá brilla por su ausencia.
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De entrada toda la historia recuerda muchísimo a esa miniserie inglesa llamado The Lost World, adaptación de la novela de Arthur Conan Doyle, con Bob Hoskins como única cara conocida. Pero además, la peli hace gala de todos los tópicos y clichés del sub género “expedición”. Tenemos a los típicos extras con el cartel de victima en la frente, el que aparentemente sobra pero al final es el que más decidido está en el grupo, y como no podía faltar, el que termina volviéndose malo contra los demás con motivos que rozan lo ridículo. Esto sumado con la mala dirección y dirección de actores nos da situaciones que terminan causando gracia sin querer hacerlo.
Irónicamente lo mejor hecho de la película son los dinosaurios. El estudio Jellyfish es el encargado de realizar a los reptiles prehistóricos y el resultado es más que satisfactorio. Ya hubiera querido la bosta de Terra Nova tener dinosaurios de esta factura. Pero como digo, causa gracia que el apartado del que menos se podía esperar sea el mejor.
The Dinosaur Project es el claro ejemplo de que solo con buenas ideas no se puede hacer un buen film, sino que también se necesita gente con talento que lo ejecute. La inutilidad del director, guionistas y actores terminan por matar una premisa interesante y unos más que correctos efectos. Una lastima
Nota: 4
Un saludo extinguiéndome.
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Estreno: Mamá


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Hoy se estrenó la película Mamá, del argentino Andrés Muschietti, una co-producción hispano-canadiense, en la que figura Guillermo del Toro como productor ejecutivo. El apoyo de este último no es casual, ya que el film parece llevar su marca registrada: una historia de fantasmas, niños en peligro, asesinatos truculentos y pasados inconfesables. Existen obvias coincidencias con El laberinto del fauno y El espinazo del diablo, ambas dirigidas por Del Toro.

Pero, aunque los materiales promocionales parezcan sugerir lo contrario, Mamá no es obra del mexicano, sino de Muschietti, que estuvo detrás de la cámara y participó en la redacción del guión, junto con su hermana y productora Bárbara. Además, Andrés (o Andy) y su hermana fueron los autores del corto original, que dura poco más de tres minutos, y que Del Toro considera una de las obras “más breves pero más aterradoras” que vio en su vida.

Obviamente, el largometraje que se acaba de estrenar en los cines argentinos amplió enormemente el argumento del corto, ya que este último casi no tiene argumento: es pura sugestión y misterio. En el mismo, dos niñas se despiertan durante la noche y tratan de escapar de su casa. Según advierte una de ellas, “mamá ha vuelto”. Cuando alcanzan la planta baja, encuentran a “mamá”, un extraño y horrible espíritu que las persigue hasta el dormitorio donde inició la historia. Y así termina el corto.

El largometraje, inevitablemente, cuenta una trama mucho más compleja. Otra vez encontramos a dos niñas, pero en este caso conocemos sus antecedentes. Su padre, trastornado por la crisis económica del 2008, asesina a sus colegas y a su mujer, y se fuga con sus hijas. En el camino, se accidenta en la ruta y se esconde en una cabaña abandonada en medio del bosque, donde resuelve matar a sus hijas y luego suicidarse. Lo detiene un espíritu misterioso, que deja huérfanas a las protagonistas. Un tiempo después, el tío de las niñas y hermano del padre las encuentra en la intemperie de la cabaña e intenta criarlas junto a su esposa (interpretada por Jessica Chastain, que recientemente apareció en La noche más oscura). Las niñas, que crecieron en la naturaleza, padecen serios problemas psicológicos y no dejan de mencionar al espíritu redentor, que quizás las persiga hasta su nuevo hogar. Entre los demás personajes que aparecen en la cinta, se pueden mencionar el psicólogo que se encarga del caso de las hermanas y la tía adinerada que reclama custodia sobre sus sobrinas.

Está claro que el largometraje, de cierta manera, traiciona al corto, porque mientras el segundo juega con la falta de exposición y argumento, con la intriga de lo desconocido, el primero expone una montaña de detalles y caracteriza un conjunto de personajes, en parte porque necesita hacerlo –para llenar los 100 minutos de su metraje– y en parte porque así lo espera el público masivo. Queda por ver cómo hizo Muschietti para sortear las dificultades que implica extender un corto y mantener, en la medida de lo posible, la tensión del original.

A continuación, el corto Mamá, presentado por Del Toro, seguido por el trailer del largometraje:

— Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine

Cine: Juan of the Dead (Matamos a sus seres queridos)


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Si hay un sub género que da prácticamente para todo, es el de los zombies. Lejos quedaron los tiempos donde los no muertos únicamente asustaban, o donde se los usaba para hacer críticas sociales (aunque a veces sale alguna peli que repite esta última fórmula). Ahora prácticamente solo son usados como recurso para la comedia, y aunque parezca raro, suele funcionar bastante bien.

Juan es una lacra que se pasa todo el día perdiendo el tiempo con su amigo y compinche Lázaro. Junto a ellos está su grupo de amigos, que se dedican a robar a turistas como único medio de supervivencia. Un día, tras volver de su intento de fuga a Miami, Juan ve cómo empiezan a suceder cosas extrañas, como que la gente se ataque a mordizcones. Donde todos ven terror y desesperación, Juan y sus amigos, acompañados por su hija Camila, ven un negocio redondo.

Por el nombre, muchos supondrán que se trata de una copia o translación de la genial Shaun of the Dead, salvo que con Cuba en lugar de Inglaterra. De cierta manera lo es, pero no lo suficiente como para decir que esta co-producción cubana-española es un robo.

Está claro que la tónica de la peli es similar al del film inglés. Ambas retratan la vida de un loser casi marginado, con amigos igualmente vagos y despreocupados. Pero ahí terminan las similitudes. Y es que Shaun of the Dead era una película de amor con zombies, mientras ésta es una comedia absoluta, que se sostiene sobre momentos bizarros y “WTF?”.

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Otra peli con la que noté varias semejanzas fue con esa joyita que salió hace unos años, también inglesa. Estoy hablando de Attack the Blockpeli en la que un grupo de pandilleros defiende su bloque de edificios de unos extraterrestres, algo similar a lo que hace Juan acá. Lo raro es que Juan of the Dead es del año anterior a Attack the Block, así que si en realidad alguien copió a alguien, fueron los ingleses.

Como buena película de zombies, el gore (las sangre y tripas) están presentes. No faltan los primeros planos de cabezas aplastadas o explotadas que salpican sangre por todos lados.

Y acá viene el gran acierto del film. Considerando los bajos recursos con los que contaba, el director decidió darle un tono cómico total a la peli, riéndose de sí mismo constantemente. Uno de los mayores ejemplos está en el grupo de amigos de Juan, más precisamente la pareja conformada por una montaña de músculos, que se desmalla al ver sangre, y su pareja, un travesti.

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Quienes dicen que el sub genero de los zombies (mi favorito) está difunto, es porque no saben buscar. Está claro que en su gran mayoría las pelis con no muertos que salen son una mierda (saga Resident Evil incluida), pero hay que explorar a fondo entre las toneladas de películas que salen para encontrar algo potable. Y cuando se lo encuentra, hay que recomendarlo.

Juan of the Dead está lejos de las obras maestras de Romero o Fulci, pero como peli para pasar el rato sin sentir ganas de pegarse un tiro en las partes bajas, estoy seguro que no los defraudará.

Nota: 7

Un saludo con rigor mortis:

— Jorge Marchisio
Facebook: Yorsh A. Romero

Cine: The Shining (El resplandor)


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El gran director Stanley Kubrick se deslumbro en los años 80´ con su film llamado The Shining o conocido en Latinoamérica como El Resplandor, este cuenta la historia de un escritor llamado Jack Torrance el cual se dirige con su mujer Wendy y su hijo Danny  a un apartado Hotel en donde ha conseguido el puesto de vigilante durante los meses de invierno, Jack es advertido por el encargado del Hotel de que el anterior vigilante había perdido la razón, asesinando a su mujer e hijos antes de suicidarse, esto No impresiona en nada a Jack, que poco a poco irá siendo atrapado por la locura de lugar poniendo en peligro la vida de su mujer e hijo.

Sin lugar a dudas esta es una obra maestra del cine de terror, cita obligada para todo cinéfilo, ya que hace referencia a lo paranormal y al terror psicológico, la mescla perfecta llevada a la pantalla grande, esta historia está basada en la novela homónima de Stephen King. La cual fue adaptada por Kubrick en un guion de más de dos horas de duración, donde trato de perfeccionar cada detalle que para aquellos que leyeron el libro se es muy evidente ciertos cambios en los personajes, al igual que en el desarrollo de la trama, tratando de suprimir algunas escenas que alargaban la película y hacían una difícil comprensión, esto molesto a King llegando a decir que Kubrick no sabía lo que era una película de terror, sin embargo los resultados demuestran lo contrario.

Para el papel principal Kubrick escogió a Jack Nicholson quien ya se había lucido en el cine por sus grandes interpretaciones, adaptando a este en el papel de Jack Torrance, para el roll de Wendy, Stanley decidió que este fuera interpretado por Shelley Curall, una actriz poco conocida, quien realizo la mejor interpretación de su carrera, se cuenta que al terminar el rodaje esta se internó en una clínica psiquiátrica debido a la presión a la que estuvo sometida.

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Este Film originalmente contenía una duración por encima de los 140 minutos, a tan solo una semana de su estreno fueron suprimidos casi 20 minutos del final, a partir de la escena donde aparece una foto de julio de 1921, esta es la escena que hasta el momento se conoce como el final, en estos 20 minutos eliminados se narra la llegada de Wendy y su hijo al hospital y una posible confirmación de que la policía encontró un cadáver, el cual pertenecía a el cocinero del Hotel el Sr Hollorarn, mientras que el de Jack nunca fue localizado, creo que comentar estas palabras podría estar de mas, puesto que esto ya no forma parte del producto, aunque si fuera aun así, esto entraría al grupo de acertijos que ya guarda la película.

Luego de dicha modificación en el final, la última escena enfoca una foto del año 1921 donde reconocemos al instante la presencia de Jack, ahora bien nuestra pregunta es ¿Sera en verdad Jack?, ya que el personaje de la fotografía luce una apariencia algo distinta a la del maestro y escritor, pero muy a pesar de todo son los mismos, después de esto se comentaron y especularon muchas cosas, el mismísimo Kubrick años después, en una entrevista dijo que Jack sería una reencarnación del que fue un personal del Hotel Overlook, las razones del porque este anuncio dicha solución aún se desconocen.

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No se puede negar la gran banda sonora con que cuenta esta película, los efectos de sonido dan un suspenso particular que mesclados con las imágenes se convierten en un gran film, algo que es muy evidente dentro del Hotel es el color Rojo u Ocre, estos como haciendo referencia a un posible asesinato o dando a demostrar las marcas de lo que ocurrió hace años en ese lugar.

La palabra invertida de MURDER (Asesinato) escrita por Danny como (REDRUM) al pronunciarse se escucharía RED ROOM (Cuarto Rojo), al ver el fil nos damos cuenta que las tonalidades de rojo son muy evidentes a excepción de la habitación 237, es tanto así la presencia de dicho color que este hace referencia en casi toda la película, desde una prenda la cual lleva uno de los personajes hasta la mínima cosa que resalte en medio de colores claros.

Sin Lugar a Dudas esta película es una muy buena opción para aquellos amantes del cine de terror (en el cual me incluyo), y en mi opinión personal hay que verla más de una vez para poder comprender toda su historia, ya que hasta la mínima cosa mostrada tiene un significado que da en cierto modo sentido a la trama.

Ya para finalizar debo decir que esta película a pesar de tener bastante tiempo estrenada, hoy en día sigue dando de qué hablar, por sus grandes misterios y suspenso, en fin si no la han visto aun, recomiendo que lo hagan.

— Javier Sánchez

Sagas & series: Daria: el fenómeno alternativo


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Si hablamos de una personalidad cínica y misantrópica, la cultura popular contemporánea inmediatamente nos catapulta al bombazo televisivo que significó la serie de televisión House M.D, donde nos ponían en la carne de un medico con cualidades deductivas excepcionales, como también con una actitud despectiva y acida al prójimo difícil de analizar.

Unos años antes, en 1997, la cadena televisiva Mtv daba luz a Daria, una sitcom animada de 5 temporadas, 66 episodios y 2 películas, que nos contaba algunas situaciones durante dos años en la vida de una chica adolescente bastante especial  y su entorno.

La idea del personaje surgió de otro importante caballito de batalla para el canal de música, Beavis y butthead de Mike Judge en 1993. En el programa, era compañera de clase de los protagonistas.

El personaje encarnaba la imagen de una adolescente conflictiva, inteligente y con actitud bastante sarcástica.

Aún con esas características totalmente opuestas a la estupidez y la obscenidad del dúo (que le daban el desagradable mote de  “Diarrhea”), era la única persona que sabía quienes eran y no tenía problema en darles consejos (o aprovecharse de ellos en el mejor de los casos), que como siempre terminaban en desastre o con consecuencias grotescas.

Su aparición más importante fue en la segunda temporada en el capitulo Scientific Stuff, donde se le encomendaba hacer un proyecto de clase con el par. El capitulo termina con un giro bastante interesante: los dos impresentables de siempre se someten como ratones de laboratorio para demostrar que su estupidez puede ser científicamente explicable.

Ante el éxito que dejó el programa, MTV decidió hacer un spin off con la llamativa muchacha. Mike Judge cedió los derechos de Daria, pero no se involucró en el proyecto y dejó todo en manos de Gleen Eichler, quien por aquel momero había trabajado en el programa y también era conocido anteriormente por escribir episodios de Rugrats y de la versión original de Married  with children.

Brittney, Daria and Jane (from left) in Daria.

La historia dista a años luz del humor soez y vandálico del par de impresentables que todos conocemos.

Todo comienza con Daria Morgendorffer, nuestra antiheroina, mudándose con su familia de Highland (el pueblo de la anterior encarnación del personaje) a Lawndale.

En su nueva escuela, al no preocuparse por su aspecto, no sentir cercanía a sus compañeros y dar prioridad a su faceta intelectual, es ignorada por buena parte de su nuevo entorno, en su mayoría compuesto por seres superficiales y sumamente insensibles. En ese ambiente conocerá a su primer gran amiga, Jane Lane, con quien compartirá sus desventuras.

Las experiencias de Daria irán de convivir con su amiga jane y su hermano, sus compañeros, (en su mayoría estereotipos exagerados, estúpidos y alienados), maestros entre excéntricos y autoritarios,su singular familia ,etc.

En el medio, nos mostraran el mundo y las situaciones de estos personajes, desde las discusiones sobre moda y estética de Quinn y sus amigas del club de moda, las experiencias de sus compañeros de clase, su alocado padre y su madre adicta al trabajo, Trent y su banda mística espiral, entre otras cosas.

En ese sentido, son los detalles los que lleva a Daria a ser una de las series animadas más enigmáticas no solo de la MTV, sino de la animación en general durante los 90s.

Los diálogos burlones y ultra ácidos que proponía Daria, las referencias a libros, pensadores, filósofos y escritores, como las conclusiones, las reflexiones y situaciones que rondaban este mundo, eran algo nunca visto en un programa de este tipo, o al menos personal en un entorno que parecía tener a Los simpsons como su mejor estandarte en dar un mensaje profundo y políticamente incorrecto a las juventudes norteamericanas.

Las comparaciones con la familia amarilla parecen inevitables. Desde la idea del programa fetiche como es en este caso del programa sensacionalista Mundo enfermo y triste, a contrapelo de Tommy y Daly con su parodia a la violencia caricaturesca, hasta la imagen de la niña prodigio con un entorno desencantado como es Lisa Simpson,  aunque esta claro que Daria esta lejos del activismo político y si a unser despreocupado que toma un minimo recaudo con sus experiencias personales.

Afortunadamente, menos alguna referencia musical implícita (poster pegados de bandas), la serie no recurre al chiste del personaje importante invitado o a la necesidad de hacer reir a cada rato.

En ese sentido, lo importante de Daria no es necesariamente el humor (que lo tiene) sino las historias que en general siempre están en contraste con ideas como la idea de la  aceptación a lo diferente (hablando del Bullying más de 10 años antes que se reconociese el problema), la negación a valores que apuestan a una cultura de consumismo autodestructivo, la oposición al abuso de autoridad y la importancia del saber, entre otros temas.

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Con eso a cuestas, las relaciones sentimentales tendrán un importante papel, sobre todo el amor platónico que Daria sentía por Trent Lane, y la aparición al final de la tercera temporada de un personaje nuevo, Tom Sloane, quien primero se acerca a Jane, generando un conflicto entre ambas. Esta situación tomaría un giro al final de la cuarta temporada llevando a la misma Daria a tener una relación con el mismo Tom.

Estos conflictos, generan una interesante quiebre en la historia, que no la rebaja a la simple cursilería, sino que la pone en un marco de reflexión sobre algunas de las situaciones típicas que vive cualquier adolescente.

Daria, con sus 6 años de emisión, marcó un interesante quiebre argumental para la animación para adolescentes. Logró mostrar las inquietudes de un sector de la juventud  inconformista que se encontraba en un entorno banal que no le correspondía, y lo saco del universo marginal para volver a ponerlo en sintonía con expresiones culturales del pasado como el movimiento beat de los cincuenta y más cercano en el tiempo, al movimiento punk, sin volverse plástico y carente en el alma en el intento.

¿Era perfecto? No. Pero con su imperfección uno sentía que la protagonista tenía una real justificación a su comportamiento, sobre todo el abuso de personajes estereotipados poco elaborados.

Mtv no volvería a producir un programa de estas características, y seguiría impulsando proyectos mucho más caricaturescos y surrealistas, siguiendo esa línea entre adolescente y adulta como en el pasado.

A aquellos que disfruten tener siempre un libro a la mano, sientan que su escuela es o fue un infierno, amen todas las facetas artísticas y tengan una visión sumamente despectiva del mundo que los rodea, encontraran  en Daria un potencial tesoro que merece ser visto al menos una vez. Ustedes deciden.

Mariano Lastiri