Cine & Tec: Chroma Key


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Esta técnica utilizada en cine y televisión consiste en armar un fondo con un color plano y con un software especializado seleccionar esa zona y sustituirlo por una imagen o vídeo  Los colores que se usan generalmente son el verde y el azul ya que son los colores más lejanos al tono de la piel.

Sus orígenes los podemos encontrar en 1913 con la técnica de williams shots  que permitía situar a los actores en fondos rodados en otros lugares, fotografiando a los actores contra un fondo blanco o negro para obtener del negativo las máscaras. Estas máscaras se introducían en la imagen de fondo rodando con una cámara bi-pack, esto es, rueda con dos emulsiones a la vez, y luego sobre la reserva hecha en el fondo se volvía a meter a los actores. Est técnica la podemos apreciar  en películas como King-Kong y Ben-Hur. Aunque en 1925 aparece el que será el origen del chroma que nosotros utilizamos ahora, el proceso se denomino Dunning-Pomeroy y consistía en que rodaba a los actores sobre un fondo azul que era sustituido por la imagen ya rodada anteriormente. La imagen final se componía en una cámara bi-pack con dos emulsiones, la trasera era una película B/N pancromática sin exponer y delante de esta el positivo coloreado de naranja en los negros y los grises con la imagen del fondo. El actor se situaba delante de un fondo iluminado de azul y el primer término, con el actor, se iluminaba con luz filtrada de naranja.

Para llevar a cabo esto los actores y fondos debían ser filmados por separado y los distintos rollos de película integrados en un único celuloide empleando para ello una costosa impresora óptica. La llegada de los ordenadores y la filmación digital pemitió que todo el proceso se realice de modo más directo y mucho más perfecto.

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Para que la implementación del croma funcione bien los colores del personaje y el fondo deben ser muy distintos, también se debe prestar atención a que ninguna de las prendas del personaje presente el color del fondo pues sería eliminado de la imagen. En vestuario y peluquería se deben evitar los bordes poco definidos, ya que será más difícil ajustar el croma también hay que tener en cuenta la locación ya que si ruedo en un bosque, no utilizare fondos de croma verde por que todo lo que tengo en los primeros términos incluye de una forma u otra tonos verdes y esto podría contaminar también a los árboles, arbustos helechos, etc, creando agujeros en las máscaras, que habría luego que ir limpiando. Si tengo por ejemplo actores vestidos con camisas hawaianas que tienen mucho azul, no usare un croma azul, sino verde; si el actor, por ejemplo tiene los ojos azules, tampoco es aconsejable usar croma azul entre otras cosas a tener en cuenta.

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En cuanto a la iluminación del chroma esta debe ser uniforme o homogénea y no le deben afectar ni sombras ni luces pertenecientes al personaje, ni tampoco  los actores deben recibir contraluz azul o verde del fondo ya que en el montaje final se verán rodeados por un pequeño halo de este color (esto se puede apreciar en algunas producciones de bajo presupuesto). Para esto la distancia entre el croma y el personaje debe ser suficiente para que el color del croma no bañe al personaje.

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En el siguiente ejemplo veremos la utilización del chroma key  en la escena del consejo Jedi en Star Wars;

Como fuente primaria una filmación en la que los actores ruedan en un decorado cuyas ventanas están cubiertas por un fondo azul

aComo fuente secundaria un fondo generado por ordenador

bEn la composición final el sistema de grabación detectará la presencia del azul en los huecos de las ventanas y en esa zona desconectará la fuente primaria (filmación con actores) y colocará la secundaria (fondo generado por ordenador). Como resultado de esta acción se obtendrá una combinación de ambas fuentes de modo que donde había decorado y actores permanecerán estos y donde teníamos fondo azul ahora tendremos el  fondo generado por ordenador

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La filmación con fondo de color surgió como sustituto de la proyección escenográfica y al igual que esta facilita fondos para la acción cuando estos son imposibles de obtener por otros medios ya sea porque no existen y son difíciles de recrear (fondos fantásticos), bien porque sale muy caro trasladar a todo el equipo técnico (sustituto de exteriores) o porque resultan arriesgados para los actores como puede ser un combate en las alturas  (escenas de riesgo).

Otro de los usos que pueden llegar a usarse es el de ocultar a los operadores de marionetas y animatrones. En estos casos los técnicos se visten con el mismo color empleado para el Croma Key y luego son borrados junto al fondo.

En el caso de los fondos blancos y negros que podemos ver no se definen como técnica chroma key, sino como Luma Key, proceso que usa los valores absolutos de luminosidad de una imagen para eliminar los que se pasen o se queden por debajo de un valor dado.

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Por ultimo, como  ejemplo de Chroma en su máxima expresión les dejo esta escena de Destino Final 5

Lo que viene: Pacific Rim


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Este año hay varias superproducciones por estrenarse a las que se espera con ansiedad. Tenemos por ejemplo, el reboot de Superman, la segunda parte de El Hobbit o la secuela de Star Trek. Pero si hay una película que va a sorprender a muchos, y a lo grande (nunca mejor dicho), es Pacific Rim, el esperadísimo regreso de Guillermo Del Toro como director. Una de las grandes películas del 2013 sin duda.

Se trata de una película que mezcla fantasía y ciencia ficción, con grandes dosis de acción. El segundo trailer, recien estrenado que pueden ver al final de la nota deja, aun mas claro que en el primero, lo espectacular que será el film.

Un guión que tiene a robots gigantes y monstruos (también gigantes) en un ambiente futurista como escenario, es una tentación para cualquier amante del cine fantástico. Pero, si además, el director es Guillermo del Toro creo que la ansiedad por ver esto es altísima.

Ron Perlman, el actor fetiche del director, encabeza el reparto de la cinta. Perlman también estará en dos proyectos mas de del Toro, la adaptación animada del cuento Pinocchio y la tercera parte deHellboy, personaje consagratorio para el actor. Además, el prolífico actor, esta fichado para la adaptación al cine del famoso videojuego Halo.

Idris Elba -lo vimos en Prometheus este año y lo veremos en Thor: The Dark World, la secuela del famoso personaje de Marvel- y Rinko Kikuchi -la veremos el año próximo en 47 Ronin– completan el elenco.

Pacific Rim, una superproducción de U$S 200 millones que va a romper las taquillas del mundo dentro de algunos meses.

A continuación el impresionante segundo trailer. Imperdonable no verlo a pantalla completa y en full hd. Que lo disfruten!

Sagas y Series: In the Flesh, Zombies rehabilitados


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Y siguen apareciendo zombies. Pero no temáis queridos lectores, que solo aparecen en series y cine. Aunque resulta curioso que en menos de un mes, nos llegara Warm Bodies a las salas, mientras que en tv tenemos el penoso final de The Walking Dead, y ahora, los ingleses para no ser menos, sacan una mini serie, que en sus escasos tres capítulos, le pasa el trapo a todo lo demás mencionado.
En un futuro lejano ya hubo una epidemia zombie, y ya fue controlada. Ahora los pútridos están en centros de rehabilitación, haciendo terapia de grupo y controlando su sed de sangre con drogas. A medida que los muertos se van sociabilizando, son enviados de nuevo a sus casas. Pero no todos están contentos con el retorno de sus seres queridos.
Primero que nada quiero aclarar que NO estamos ante una comedia, y por mas graciosa que parezca la sinopsis, o ver a un “walker” maquillando su pálida cara para parecer humano, esto es un drama con alguna que otra pincelada graciosa. Una vez avisados de eso, sigamos.
La serie hace foco principalmente en la reinserción social que hacen los no muertos. Reemplácenlos por drogadictos o ex presidiarios y tendrán prácticamente la misma historia.
En lo que si destaca, es en mostrar como ese organismo arcaico, medieval e innecesario sigue siendo un lastre para la sociedad actual. Y sí, estoy hablando de la Iglesia.
Lo lamento si ofendo las creencias de alguno de los lectores, pero es que si algo quedó demostrado a través de la historia, es que este organismo solo hizo atrasar el avance de la humanidad en las ciencias y pensamientos; no por nada siempre suele ser retratada como un ente malvado en el cine o las series.
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En esta ocasión la Iglesia se opone a la existencia de los zombies, ya que contradice las palabras escritas en la Biblia y rompe con el orden natural que intenta establecer el “libro sagrado”.
Esto se contrapone con muchos de los habitantes del pueblo donde se centra la historia, que sin pretender ofender a la Iglesia o sus creyentes, están felices de recuperar a sus seres amados.
Como siempre pasa, la Iglesia desvirtúa a placer la Biblia para poder manipular a la gente de pensamiento frágil, por lo que cuenta con una fuerza armada personal. El choque entre esta especie de ejército y los familiares de los zombies rehabilitados no tardara en darse. Y todo el mundo sabe que es lo que pasa cuando gente con armas se enfrenta a personas desarmadas.
Es curioso ver otra de las cosas que trata la mini serie, y es la discriminación. Esto se retrata a través del “general” del ejercito de la Iglesia. Un hombre cerrado y que no puede ver más alla de lo que le dice el párroco local. A este hombre le regresa un hijo, zombie, que había estado en el ejército. Lo que más decepciona a este personaje no es que su hijo sea gay, si no que sea un muerto viviente.
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Y es que siempre habrá motivos para discriminar a los demás. Ya sea el color de piel, su filosofía de vida, su sexualidad, o si está muerto o no muerto.
Con solo tres capítulos In the Flesh retrata la miseria humana en todo su esplendor. Mostrando una sociedad que logro sobrevivir a un apocalipsis zombie, pero que a la primera de cambio desprecia al que es distinto y se refugia en organizaciones para desligarse de cualquier pensamiento propio o responsable.
Algo que a lo largo de la historia ya vimos repetirse cientos de veces.
Un saludo siendo tolerante.
Nota: 7
aqui se les pone el ep. 1 de la serie para que vayan entrando en el tema y porque no hay trailer subtitulado

Jorge Marchisio
Mi face

Cine: Oblivion x 2


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“Prohibido olvidar”

Todos sabemos que todos los géneros tienen sus subgéneros. En la ciencia ficción por ejemplo tenemos la clásica, donde se plantean problemas existenciales, y la moderna, con mucha carga de acción. Raras son las pelis de Sci Fi que mezclan estas dos vertientes; y luego de ver Oblivion se entiende el porque.
En un futuro, la humanidad fue invadida por los “carroñeros”, una especie extraterrestre. Luego de que estos últimos hicieran explotar la Luna y que nosotros lanzáramos misiles nucleares, el planeta quedo inhabitable. Años después, y con los humanos viviendo en Titán, luna de Júpiter, son enviados equipos técnicos a la Tierra para drenar agua del mar y crear energía. Pero algo va a cambiar en la vida de los actuales técnicos, Jack y Vicka.
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Como dije inicialmente, rara vez una película de Ciencia Ficción mezcla sus dos grandes vertientes, y quienes vean esta peli entenderán el motivo. Algunos se preguntaran ¿Por qué hago tanto hincapié en esto? Es fácil, mientras la rama clásica del género se tira por plantear problemas existenciales en el protagonista, la moderna llena el film de acción, rayos laser y explosiones. Y como que resulta poco coherente que si el protagonista se pregunta su lugar en el universo, lo haga mientras dispara una ametralladora de protones.
Y este es el mayor problema de Oblivion, el primer tramo nos muestra la situación actual de la Tierra y el conflicto interno de Jack, pero todo lo que construye se va a pique cuando empiezan los tiros. No por nada la primera media hora inicial hace agua por todos lados una vez digerida la peli.
Ojo, con esto no quiero decir que la peli sea mala, de hecho la mejor descripción que le cabe es el de ser entretenida. Pero viendo el potencial que se tenía, quedarse con un entretenida suena a poco pudiendo haber sido un peliculón.
Mención aparte merece el apartado visual. Y es de lo más IMPRESIONANTE que vi en mucho tiempo. Desde el primer fotograma hasta el último, las tomas aéreas de la tierra desolada son brutales, en especial la escena de la piscina en el cielo. Algunos (ejm Cameron) deberían aprender a hacer algo con tanta potencia visual sin tener que vender humo en 3D.
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En este caso Tom Cruise (de reciente paso por nuestras tierras) solo pone la geta como actor. Bien por él y el director Joseph Kosinski en lograr un trabajo bastante medido. Más que nada porque el papel se prestaba para el histrionismo insoportable que tiene Cruise cuando no se lo controla.
Y hablando del director (es el mismo de la mediocre Tron Legacy), un diez por como aprovecho el presupuesto a la hora de lo visual, pero un tirón de orejas por el mal uso de la música. Si, la banda sonora está muy bien, pero no hay necesidad de ponerla con el volumen al máximo para emocionar cuando las imágenes por si solas ya lo hacen.
Vuelvo a decir que Oblivion es una buena película de ciencia ficción, y seguramente hasta ver Elysium se quede con el puesto de “la mejor sci fi del año”. Pero por querer abarcar mucho y cubrir muchos rangos de público, termino apretando poco y dejando con un sabor amargo al ver el potencial desperdiciado.
Ah, me olvidaba, Olga Kurylenko esta mega buena, pero para hablar mejor habría que hacer un tema exclusivo para ella.
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Un saludo intentando recordar.
Nota: 7 y medio
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romerospoiler warningADVERTENCIA APARTIR DE ACÁ HAY PELIGRO DE SPOILER SEGUIR LEYENDO SEGÚN SU PROPIO CRITERIO.

“la ensalada de fruta que me encanto”

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Él porque del segundo título tiene un “porque” que espero demostrar en la siguiente parte nota, sin embargo, tengo que admitir que va haber muchos spoiler porque si no se entenderá hacia donde me dirijo.
Para empezar esta película me encontró llevándola a ver en el último día del BAFICI sin embargo no me arrepiento de ir a Verla   y degustarla antes de ver Iron  Man 3, pero yendo a lo que nos compete la verdad es una película que no tiene desperdicio para el fan de la ciencia ficción, porque los guiños que se encuentran en la movie son muchísimo, para empezar podemos encontrar elemento de películas comí Star trek, Moon, Día de la independencia, Odisea en el espacio, Mad Max y hasta creo haber vislumbrado algo muy común en el anime que son fanService de Top Gun y Misión imposible, es decir, fan Service para los que siguen a tomar Cruise. Sin embargo debí realmente encontrar el truco para conservarme como el actor.
La versatilidad de la película es muy buena, a partir de llamarme la atención cierto número y que sumado a que vi “Moon“, La isla, Gattaca entre otros ya me di cuenta de por dónde iba el argumento pensé que iba a decepcionar a pesar de recomendada por muchos amigos sin embargo me demostró que. A veces los guiones no lo son todo, es una parte importante de eso no hay duda pero eso no quita que te no tenga buen sabor. Lo mismo me pasó con Avatar película que me gustó en lo visual de una manera especial pero me decepcionó de igual medida el argumento y el guion, fue como comer comida francesa, exquisita pero no me lleno por lo que al final terminó yendo al McDonald a terminar de llenarme.
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Y la razón del título es porque el responsable de la película logró hacer una muy buena película repleta de guiños. No sé qué me dirán de esta comparación pero sentí que estaba viendo un Eragon pero en film (Me refiero a las críticas que recibió Paolini sobre su primer libro), aceptó que como dice un colega, hoy en día hay tantas películas que uno ni puede ser original, pero la verdad está película me gustó no tanto como Wall-E pero la ubicó por esa zona en genero.
Cómicamente Jack se define como limpiador y los guiños de Star trek y Prometeus se ven ya en lo limpio que es la base del protagonista y como es que llega objeto, lo de odisea en el espacio es por una nave y cierto personaje que aparece en la movie. Los llamados carroñeros hacen recordar a los depredadores y su tecnología stealth y hay un momento que parece una escena salida de MadMax y sin contar que los droides son versiones anteriores de los centinelas de Matrix. De día de la independencia se puede ver la situación e incluso leí una frase hecha en un momento y circunstancia muy parecidas, sin contar el momento de Armagedón.
La relación  de los personajes es muy especial principalmente porque a pesar de vivir juntos son polos opuestos muy distantes entre sí y si bien todo parece tolerancia pura, todo se cae apenas aparece la tercera en discordia que encima tiene papeles de peso para hacer mierda esa relación de cristal.
Por lo que en principio me gustó mucho como presentaron la evolución del personaje Cruise, y este le saca todo el jugo con todo su aire de Misión Imposible y Top Gun.
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La verdad es una película que copia otras movies e incluso funsiona argumentos pero que a pesar de eso no se boicotea a si misma por que tiene dinamismo y versatilidad. Como fan de la Sci-Fi me siento halagado que saliera una movie pochoclera muy buena y no es necesariamente profunda pero que tenga tantos guiños y simplemente te invita a ir a disfrutarla de la mejor manera.
Y encima haciendo que mi dios negro favorito hiciera lo mejor que sabe hacer, actuar. Junto a Sean Connery este maestro no sabe hacer personajes secundarios torpes,sino que  son todos dignos de tener su propia película. Pero que más puedo decir, creo que quedó más que claro que está ensalada rusa me encantó no hacía el fanatismo pero si  logro que el Fanboy en mí  analizara los guiños y los disfrute. Hasta la próxima.

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Anime & Mangas: Swort Art Online o SAO para la muchachada


sword_art_online_1080p_wallpaper_2_by_gildarts_clive-d5bzic2 Después de mucho buscar, de ver varias historias regulares o para pasar el rato reveer series ya vistas, me encuentro con esta belleza, de la que conocía de nombre y mucha gente me decía simplente, “estas obligado a verla, es demasiado buena para que no la conozcas”. Por lo que tras terminar varias series que venía viendo le entregue toda mi atención a la captura de esta serie y la posterior degustación visual de los que para muchos es el mejor anime del 2012 (No soy el único que lo piensa ya que muchos otros lares de la web y criticas piensan parecido).
Lo que tiene que saber es que SAO es una historia desarrollada en un Juego On-line llamado Swort Art Online, que la traducción sería el “arte de la guerra Online”  y tiene la particularidad de desarrollarse todo gracias a un casco súper avanzado de realidad virtual que al ponérselo la persona el aparatejo se enfoca en estimular las sensaciones del cerebro con respecto a los 5 sentidos, para que la persona piense que está en ese mundo virtual y perder así cualquier contacto con la realidad. Todo sucediendo en un lugar donde los players están jugando en un ambiente estilo de medioevo con matices mágicos pero sin entrar en la magia en sí, sino con objetos que proveen de habilidades parecidas, gracias a los componentes con los que se hacen, por eso cuando se hacen armas con pedazos de monstruos estas adquieren habilidades ya prefijadas (depende mucho del nivel del herrero la probabilidad de tener un arma o no) y es una de las cosas que veremos aquí y que no he visto en otras series del género (RPG) y que desarrollaran el concepto y además mostraran la fabricación de armas.
En la segunda temporada se traslada a un juego descendiente del anterior llamado ALO que es un mundo ambientado de hadas y con un trasfondo medio nórdico, guiño de por medio es el árbol dominante del panorama de ese juego que tiene el mismo nombre que el Árbol de la vida de las leyendas nórdicas Yggdrasil. Y en oposición a SAO este último juego es un lugar donde la magia lo es todo y si bien hay espadas en este caso son espadas mágicas y además poseen alas por lo que le agrega al jugador la habilidad de poder volar por voluntad propia ( no es mentira).
Primero vamos comentando que a diferencia de muchos de los anime que venía hablando en las notas anteriores (anime/manga) en este caso particular el formato original en el que se basa la serie es una serie de 9 novelas cortas, algo que se está popularizando bastante en las tierras niponas, otro de los anime muy conocido con ese tipo de adaptación es la serie de Haruri Suzumiya entre otros.

Sword Art Online (5)

Volviendo a esta serie tengo que admitir que este anime mezcla muchas cosas que lo hacen una obra digna de ser vista. Por un lado los juegos en donde se ambienta la historia, los geniales personajes, las situaciones por las que debe pasar el personaje principal que tiene el Nick (nombre ficticio) de Kirito, el romance con su coprotagonista Asuna Yuuki, las luchas, el alto contenido de escenarios de niveles gráficos sublimes y lugares que dada la naturaleza del Juego son digno de mi admiración y contemplación en más de una oportunidad. Es cierto me pasé un poco de emoción, vamos por partes.
Debido a que se basa en un juego MMORPG se basa en muchas de las características que distinguen a este tipo de genero de los demás, algo que los creadores de esta historia supieron aprovechar bastante bien estas cosas haciendo de ellas herramientas de afianzamiento de los personajes durante la historia. YA teníamos varias series que pasaron por el estilo RPG, sin embargo en más de una ocasión esta serie me hizo acordar al proyecto multimediatico HACK:// (hack.dot) principalmente Hack:// Sign. Lo que si hay decir es lo siguiente este anime de 25 cap. En total está dividido en dos arcos que se puede apreciar muy claramente en el capítulo 14 por lo que debido a que la historia tiene dos ambientes de desarrollo entre si distintos (me refiero a las temporadas) que no hace más que resaltar la historia de por sí ya realmente interesante. Por ejemplo hacia el capítulo 14 nos deja con el corazón en la mano con la sensación que todo quedó inconcluso, pero no es así y el hecho que una historia te deje con esta sensación es que realmente ha llamado tu atención. Cosa que lo logra hacer porque en muchos aspectos no tiene desperdicio ya sea visual, de la música del ambiente, el cuidado de cómo se crea un buen argumento y guion.

Sin embargo ya había dicho que no es perfecta y esto se debe a lo que a mi parecer fue una falta de…. (La verdad no sé cómo expresarlo, pero lo voy a intentar) La cosa es que debido a la naturaleza de la historia, aquellos jugadores que morían en el juego morían en la vida real, hasta aquí todo bien, la idea era que los personajes que morían alrededor del personaje principal lo harían cambiar de una u otra forma, pero luego de un rato nos da la sensación de que este hecho se vuelve un poco indiscriminado, 10000 jugadores arrancan en la historia y cuando empieza lo bueno de la serie hay solo 6000 y hay muchos menos cuando termina la primera parte.

Sword Art Online - 25 - Large End CardEsto me hace pensar en todos aquellas personas alrededor de los que murieron,  ¿qué sentimiento tendrían respecto del juego?, además de la gran pérdida de vidas humanas por un juego cuales estuvieron involucradas directamente por las decisiones de los personajes, porque a lo largo de las 14 cap. No se ve una historia lineal sino llena de saltos temporales bien registrado con hora y  fecha, por lo que muchos de los grandes eventos de juegos son ignorados o desconocidos por que la historia se centra en los protagonistas (una onda Game of Throne a la hora de contar la historia) y sin embargo en el segundo arco argumental tratan de sacarle jugo a él tema de los sentimientos y lesiones psíquica dejadas en el primer arco a los personajes.
Y uno de las cosas que mas chocan en el traspaso de arco a arco es lo diferente que es al historia y en cierta manera porque nos acostumbramos a verla de un modo con la primera temporada y en esencia la segunda parte es un poco mas lenta y menos tensionada que la primera por loq ue ya el cambio de aire nos parece raro y el protagonista principal esta como nosotros en el sentimiento de descolocación O que por ejemplo en el segundo arco que los protagonistas estuvieran tan solos en su casa sin que ninguna mayor haga acto de aparición, es decir, ¿donde estaban los adultos? (y aunque lo justifiquen con que el segundo arco dura menos de 5 dias, igual sigue siendo muy raro). Esto me ha dejado un sabor agridulce en la serie por un rato, pero no tan agridulce sino un touch.
Por todo lo demás, el autor se ha garantizado un buen quebradero de cabeza con esta serie ya que ha mezclado varios géneros de una forma muy buena (no sé pero me recuerda de alguna forma el sentimiento que produjo el final de Ángel Beats). Si usted es de aquellos de los que busca series psicológicas, drama, lagrimas, sangre, policías y ladrones, es mejor que no la vea porque le va a parecer insulsa e igual a las demás (aunque hay capítulos en donde hacen homenajes a estos géneros porque están tan inmersos en ese mundo que se les da pie para esas situaciones), pero más de uno me dará la razón en decir que es buenísima. En fin SAO y ALO (la segunda temp) es una de las series que no pueden dejar de ver, puede ser un poco lenta pero es se compensa con mucho ímpetu en el disfrute de visual y de historia empalagosa pero brillante, al recomiendo para ver porque realmente se merece ser llamada una de las mejores del 2012 y junto a esta serie el creador hizo otra de las series más interesantes de ese mismo rubro y se llama Accel World y en cierta manera guardan una relación cercana, y las diferencia las épocas, Los eventos de SAO y ALO son del 2022 en adelante y los de Accel World son del 2040 en adelante.

Y tanto es el furor que genero la serie que ya hay trailer para un Live action (Tienen que considerar que es un gran paso para una serie de anime llegar a las instancias de un “Live action” ya que es una seña de que tan famosa y prestigiosa es la serie)

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

BAZOFI: El Dr. Phibes vuelve de la tumba


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En el último día del BAZOFI se proyectó El Dr. Phibes vuelve de la tumba, una bizarra película británica de 1972, mezcla de horror y humor, con una estética art decó –al estar ambientada en los años 20– pero atravezada por el caleidoscopio de los 70s. Es la secuela de El abominable Dr. Phibes, pero puede ser vista en soledad, e incluso arranca con una breve recapitulación de lo sucedido anteriormente.

El doctor del título es una excéntrica versión del estereotípico ‘científico loco’. Según se nos relata en la introducción, un accidente lo dejó monstruosamente desfigurado, y para cubrir su rostro calavérico, Phibes usa narices y oídos postizos. Además, como evidentemente perdió la capacidad de hablar, se enchufa instrumentos musicales al cuello y, mediante estos últimos, conversa con otras personas y con su hermosa ayudante, Vulnavia. Su objetivo es revivir a su esposa, Victoria, a quien mantiene embalsamada, y para lograrlo, se dirige a Egipto, donde fluye el Río de la Vida en arroyos subterráneos. Sin embargo, debe lidiar con un adversario, el arqueólogo Biederbeck, quien ha sobrevivido durante cientos y cientos de años, y necesita llegar al Río de la Vida para extender todavía más su existencia y poder vivir junto a su novia Diana, que desconoce la edad de su prometido. Phibes y Biederbeck, entonces, se pelean el acceso a la misteriosa y escondida corriente vivificadora.

Si bien se trata de un film netamente camp, no lo es inconscientemente. Su humor es intencional y los actores se esfuerzan por ser graciosos. De todos modos, aunque la película tiene su lado cómico, no deja de tomarse en serio –hasta un punto– el amor de Phibes por su bella durmiente Victoria y la carrera de Biederbeck contra el reloj que anuncia su defunción.

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Biederbeck es interpretado por un tal Robert Quarry, a quien desconozco, pero cuya carrera lo depositó en cintas como Vampiros de Beverly Hills, El exorcista adolescente, El profeta y El conde Yorga, vampiro. Supuestamente, Biederbeck es el héroe de la película, ya que se opone a Phibes, quien es nada menos que un asesino serial. Pero como héroe, Biederbeck es increíblemente antipático. La muerte de los personajes secundarios no lo afecta en absoluto –salvo Diana, no se preocupa por nadie más–, y ante cualquier disyuntiva, lo único que prioriza es su meta egoísta de llegar al Río de la Vida y asegurarse la eternidad. No se trata de un anti-héroe, ya que el anti-héroe, normalmente, se redime de alguna manera, por ejemplo, olvidando su egoísmo y colaborando en una causa mayor, como Rick en Casablanca o Han Solo en La guerra de las galaxias. En este caso, aunque cerca del final Biederbeck se sacrifica por Diana, la anteúltima imagen ratifica su desesperación egoísta, y durante toda la cinta, Biederbeck arriesga la salud de varios inocentes, quienes lo ayudan sin saber a qué peligros se exponen, y así el supuesto héroe termina siendo un reflejo de su némesis, igualmente podrido y despiadado.

En cuanto a Phibes, es interpretado por Vincent Price, un verdadero ícono de las películas de horror, partícipe en las adaptaciones de los cuentos de Edgar Allan Poe dirigidas por Roger Corman, entre ellas La caída de la casa de Usher y El pozo y el péndulo; y en las primeras versiones cinematográficas de La mosca, La mansión de los horrores y Soy leyenda (conocida, esta última, como El último hombre sobre la Tierra). Ahora bien, como ya advertí, Phibes necesita enchufar instrumentos musicales a su cuello para poder hablar, y entonces, cuando recita sus operáticas líneas de diálogo, no mueve los labios. Sus palabras resuenan en la banda sonora, y aunque pertenecen a la diégesis –es decir, aunque surgen desde el interior de la ficción, en este caso desde un instrumento musical–, es como si escucháramos una narración en off. El doctor conversa con los demás, o monologa sabiendo que lo escuchan, pero sus labios permanecen quietos –aunque sí mueve la laringe–, y entonces es como si Phibes estuviera meditando y nosotros oyéramos sus reflexiones. Lo que, quizás accidentalmente, abre una puerta hacia la subjetividad del personaje, como si los discursos del doctor representaran, en realidad, el contenido de sus pensamientos. Esta sensación se potencia por el hecho de que Phibes, como buen villano clásico y ostentoso, anuncia todos sus planes y ventila todas sus preocupaciones, es decir, “piensa en voz alta”, excepto que, como no abre su boca, su “voz alta” se convierte otra vez en monólogo interno. Es una divertida vuelta de tuerca, que internaliza la verborragia del tradicional genio malvado, al fusionar lo pensado con lo dicho y hacer de todas sus palabras las sombras de su mente.

— Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine

BAFICI: Lista de ganadores y premios


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Terminó la 15° edición del BAFICI, y como todos los años, el último día se dieron a conocer los ganadores de las diversas competencias que se llevaron a cabo durante el festival. A continuación, compartimos una lista con las películas galardonadas:

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Mejor película: Berberian Sound Studio, de Peter Strickland
Premio especial del jurado: Leones, de Jazmín López
Mejor director: Matt Porterfield, por I Used to be Darker
Mejores actrices: María Villar, Agustina Muñoz, Elisa Carricajo y Romina Paula, por Viola
Mejor actor: Francesco Carril, por Los ilusos
Mención especial: Playback, de Antoine Cattin y Pavvel Kostomarov

VANGUARDIA Y GÉNERO

Gran premio: Arraianos, de Eloy Enciso
Mejor largometraje: Joven y alocada, de Marialy Rivas
Mejor cortometraje: A Story for the Modlins, de Sergio Oksman

DERECHOS HUMANOS

Mejor película: Materia oscura, de Massimo D’Anolfi y Martina Parenti
Mención especial: My Afghanistan – Life in the Forbidden Zone, de Nagieb Khaja

COMPETENCIA ARGENTINA

Mejor película: La Paz, de Santiago Loza
Mejor director: Raúl Perrone, por P3ND3JO5
Mención especial: El loro y el cisne, de Alejo Moguillansky

COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES

Primer premio: 9 vacunas, de Iair Said
Segundo premio: Yo y Maru 2012, de Juan Renau
Menciones especiales: La mujer perseguida, de Jerónimo Quevedo, y Un sueño recurrente, de Santiago Esteves

PREMIOS DEL PÚBLICO

Argentina: Ramón Ayala, de Marcos López
Internacional: AninA, de Alfredo Soderguit
Baficito: Rodencia y el diente de la princesa, de David Bisbano

PREMIOS NO OFICIALES

Fipresci: Viola, de Matías Piñeiro
Feisal: Soy mucho mejor que vos, de Che Sandoval
Signis: Su re, de Giovanni Columbu
ADF: Nic Knowland, por Berberian Sound Studio
ACCA: La Paz, de Santiago Loza