Nos juntamos con Daniel de la Vega y charlamos sobre su nueva película, Necrofobia 3D, uno de los estrenos argentinos más interesantes de los últimos meses. Nos contó cómo logró realizar un film de género, sin mucho presupuesto y en tres dimensiones, y analizó la situación del cine de género en la Argentina y las dificultades que enfrenta cualquier emprendimiento semejante.
Última sangre es una película sintética, con un lazo fuerte a las viejas películas de cine de género. No es gore, pero muere gente, y sin ser un slasher, tiene un villano típico de las producciones ochentosas de terror. A continuación, entrevistamos a German Favier, director del film.
¿Cómo surgió la idea de hacer esta película?
Después de terminar Horda Salvaje, se empezó en colaboración otra película, que está en post edición, al día de la fecha. Hubo un bache en la última parte de la producción, y mientras deliberábamos sobre el tiempo muerto, se nos ocurrió llenar el espacio filmando algo más pequeño, con menos actores y en locaciones accesibles. Una noche de ver viejas películas de la Hammer y algunas producciones de Hooper te llevan a decidir estas cosas con imprudencia. Pensábamos que iba a ser un día de picnic. Que en cuatro o cinco jornaditas lo sacábamos. Hasta el día de hoy bromeamos sobre lo ilusos que fuimos. No somos Tobe Hooper. Es más, hasta creo que Tobe Hooper se hubiera vuelto loco.
Contanos sobre el monstruo que utilizaste
Es una momia nazi. Las momias son los primos bobos de los zombies. Estábamos con ganas de hacer algo con el uniforme de los mejores villanos de la historia: los nazis. Entonces se hechó mano a un guión antiguo que tenía yo por ahí –más precisamente tipeado en una Olivetti– donde estaba el Hans Graff Haffner de esta historia y su uniforme macabro. Es invariable y orgánico en mí: termino de ver alguna película italiana de nazi-explotation y escribo algo. Por eso tengo muchos guiones nefastos encajonados. Después de Ultima Sangre, decidí que los próximos villanos serán mujeres, como verán próximamente en Evil Noir.
El guión es más bien acotado ¿Se pudo desarrollar la historia en su totalidad?
Yo creo que uno nunca puede darle la profundidad a una historia si no tiene una duración de más de una hora y cuarenta. Pero hay que acostumbrarse a sintetizar y plantear muy claramente un comienzo con los datos necesarios para que se llegue a la mitad con suavidad y no apresurar el clímax innecesariamente. En Última Sangre se le dio un tratamiento casi natural a la prosa cinematográfica, porque el cuento está narrado por un personaje, y es un viaje a algo que ha sucedido. Es como escuchar la vivencia de un amigo: va contando los hechos sobresalientes y no profundiza más que lo necesario. Y en definitiva, la película es estrictamente eso: un tipo cuenta lo terrible que le pasó a él y a su mujer cuando se vieron envueltos en la escritura de un libro sobre un oficial nazi.
¿Cómo fue el proceso de realización?
La parte creativa fue inmensa. Hay mucho trabajo prostético, porque Enzo se toma las cosas en serio, como yo, y siempre decimos que aunque no haya un plano directo y detallado de una prótesis, ésta debe estar correcta, para evitar que se escape algún detalle y se advierta. La máscara del “momio”, como le decimos cariñosamente, consta de varias partes, cada una de las cuales fue modelada con el propósito de adecuarlas a la cara de Gustavo. En lo más mínimo, se nota la dedicación de Enzo y el compromiso con los efectos especiales. (No por nada lo llaman de todos lados). También está el traje de Hans, que fue confeccionado junto a la pistola Luger por Gustavo, que se dedicó a pleno a customizar elementos de otra índole y adaptarlos con un resultado sorprendente (algo dificilísimo de hacer sin una base de conocimientos de mecánica). La cripta de Hans, un lugar prestado por Arturo (originalmente era un sótano) fue hábilmente decorado y confeccionado por Enzo y Gustavo, con antigüedades del local que está encima. Los afiches y material de promoción fueron obtenidos tras la lente de nuestro querido fotógrafo Sergio Fernández, que con sobriedad y un impecable sentido del humor siempre está presente. Yo me fui a Once, y compré retazos gigantescos de tela negra de diferentes géneros para el drapeado de las chicas Vril, y les conseguí algunos accesorios como cinturones y otras cosas alusivas. También hice los storyboards y algunas otras cositas, como el dibujo del nazi que hace mi personaje.
Se utilizó humo, fuego para alumbrar algunas partes y luz puntual en otros casos. Enzo, que fue el director de fotografía, hizo magia para lograr lo mejor dentro de la escasez de material lumínico y de las dimensiones de los improvisados sets donde filmamos. Después, muchas cosas se corrigieron en post, se agregaron efectos digitales que aportó Juan Favier –que vivificaron el aspecto de la resurrección y los disparos del oficial alemán– y más tarde se buscó el efecto vintage en el terminado. Hay cuchillos ornamentales –uno creación de Gustavo y otro que es mi amuleto– candelabros de múltiples velas, etcétera.
¿Cómo fue el trabajo de los actores?
Me encanta escribir guiones para que los actores que lo lean interpreten de movida lo que está escrito. Quizá algo del mecanismo de la historia pueda quedarles en tinieblas, pero cuando hago la descripción y las acotaciones, son súper claras, y eso les gusta y me sirve. En Última Sangre se sumó esa dedicación especial a la calidad de los intérpretes. Elizabeth Rainieri , Elisa Nasi y Vale Ingrassia, que encarnaron a las mujeres Vril, lo hicieron con un profesionalismo remarcable. Rodolfo Grieco, que viene de la rama del teatro, nos sorprendió con lo que logró trasmitir. Hubo tres casos aparte, que fueron los de Enzo Giordano, Mariano Urquiza y Marta Tuffo, que no son específicamente actores y que sin embargo lo hicieron muy bien, con mucha onda. Gustavo, dentro del uniforme y la máscara, creo que la pasó de maravilla (aunque no le gusta estar disfrazado) y, en otro contexto, tengo a María Marta Elías y a la señora Daniela Rodríguez de Rocco, quienes realizaron los papeles femeninos con mayor exposición, y que verdaderamente se ciñeron al personaje.
¿Qué inconvenientes surgieron en el rodaje?
Por un lado, las cosas malas son las clásicas de los rodajes, como el tiempo reducido del que dispusimos en las locaciones como para desarrollar la cantidad adecuada de planos. Aún así, se optó por filmar lo que a nuestro criterio era lo esencial. Otro ejemplo es la cantidad de inconveniencias que se sucedieron una tras otra: demoras injustificadas, roturas de elementos, cortes de luz, etcétera. A pesar de estos contratiempos, las cosas buenas vinieron de la mano de darle vida a un monstruo, que es lo más satisfactorio de hacer esta clase de cine: Crear un villano y verlo deambular por ahí. Contar con gente que se pone la camiseta es fundamental para que todo llegue a buen puerto, y en este caso hubo gente así. En líneas generales, estamos contentos de poder tener esta película independiente en un DVD, poder verla junto a nuestros amigos y, por qué no, poder exhibirla en un festival como el BARS, que es uno de los mejores difusores de esta clase de cine.
A partir del 23 de julio, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), podremos visitar una interesantísima video-instalación de Lucas Turturro, titulada: «La sombra invertida. El inconsciente colectivo del cine«. Para los amantes del séptimo arte, debería ser una visita obligada. Así se describe la muestra en la página del museo:
Propone un ensayo audiovisual sobre la imagen-sueño, o mejor dicho, sobre las escenas de ensoñación que crea el cine. (…) El artista busca expandir la pantalla tradicional y bidimensional de la sala cinematográfica, en un espacio tridimensional dominado por estas imágenes. (…) Encuentra un mensaje en común, oculto en todos los sueños del cine y se lo ofrece encriptado al espectador dispuesto a soñar.
Mezcla de found footage experimental e instalación de arte, Turturro recicla imágenes de algunos de los clásicos más venerados del cine internacional: Fresas salvajes de Bergman, Ocho y medio de Fellini y Spellbound (o Cuéntame tu vida) de Hitchcock. Siempre se dice que una buena película «absorbe» al espectador. En este caso, la metáfora será literal: el espectador se encontrará rodeado físicamente por la obra. Allí estaremos.
Horario: Miércoles a Domingo – 14 a 16.30 / 17 a 19. (Ingreso hasta 30 minutos antes del cierre. Martes cerrado.)
Valor de la entrada: Adultos: $25. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $15. Menores de 12 años: sin cargo.
Miércoles: General: $15. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $10. Menores de 12 años: sin cargo.
NBC reveló un breve avance de Believe, una serie de TV con temática sobrenatural que se estaria estrenando en estos meses del 2014.
Protagonizada por Remy Auberjonois, la serie es escrita por el cineasta mexicano Alfonso Cuarón, trata sobre una niña de 10 años con poderes que van desde la levitación y telepatía hasta predicción de sucesos. Un hombre –aparentemente sin nada en común con ella– es elegido para resguardarla de gente que pretende usar sus poderes para el mal.
JJ Abrams (quien también lleva adelante la serie Almost Human) será productor ejecutivo junto con Cuarón y se dice que él podría dirigir el episodio premiere.
La amyoria de Estas series ya se emitieron con varios episodios en su haber, sin embargo, eso no quita que podamos apreciar cuales son los anime de esta temporada en Nipon y además, todo el calendario esta traducido.
De las nuevas series vista hay que prestar atención a Nobugata The fool, Nobugagun y Space Dandy, entre otros.
Fuente: otakuerrante.
Justicia Propia es uno de los exponentes del nuevo cine de género argentino. Una película muy entretenida con todos los ingredientes del mejor cine de acción. A continuación, la entrevista que le hicimos a Juan Manuel Olmedo, productor y protagonista del film.
F.C.: ¿Nos podrías contar como llegás a realizar Justicia Propia, tu opera prima? ¿Ya habías trabajado en el área audiovisual?
J.M.O.: En el año 2003, 04, mas o menos, cuando se iniciaba todo esto de las nuevas tecnologías y el cine digital como una oportunidad para los realizadores de poder hacer una película de una manera mas sencilla que con fílmico, armo un proyecto para presentar al municipio de Tres de Febrero llamado «CINE DE ACCION EN TRES DE FEBRERO» el cual fue declarado de interés cultural, entonces, me pongo en contacto con Sergio Mastroberti (el director del film) y decidimos hacer una película para ese proyecto. Así nace Justicia Propia, que por distintos motivos en ese momento no pudimos concretar y yo seguí mi trabajo como actor, stunt, coordinador de acción para tv y teatro, y Sergio con lo audiovisual por su lado. En 2012 nos volvimos a juntar para filmar unos cortos de acción y quedaron muy bien, a raíz de eso volvieron las ganas de retomar la película, nos juntamos en junio, y ya en agosto estábamos rodando. Yo ya venia trabajando en el área audiovisual hace muchos años pero en tv, no había hecho nada en cine. Estoy en el medio hace un poco más de 16 años.
F.C.: ¿Cual es el origen de la película? ¿Como se gesto el proyecto?
J.M.O.: El origen de la película nace de una charla con Sergio, donde estábamos buscando una historia que sustente la acción, nosotros somos de Villa Bosch (Prov. de Bs. As) y muchos años atrás en el barrio hubo un caso de narcotráfico muy resonante a nivel nacional, tomamos ese caso y le añadimos una historia de ficción, así nació Justicia Propia, luego yo trabajando con el guionista le fuimos dando forma a la estructura y a la cantidad de escenas de acción que yo quería en la película. El proyecto se gesto un poco como te contaba antes, bajo un proyecto de cine de acción declarado de interés cultural.
F.C.: La película es un policial de acción muy intenso. ¿Cuales fueron tus referentes para hacerla?
J.M.O.: En cuanto artes marciales mi referente es Jean Claude Van Damme. Para mí, él y Bruce Lee son los número uno indiscutibles de ese género, en cuanto a acción en sí, Sylvester Stallone. La película tiene algunos guiños a Cobra, Nico, el final en la fabrica como en Hard Target, una escena del hueco de un ascensor finalizada al mejor estilo Bruce Willis, y mas que nada en general al cine de acción de los 80, pero actualizado.
F.C.: Eso que decís esta muy claro cuando ves la película, creo que hay referencias todo el tiempo. Incluso una de ellas es a Terminator 2, en la escena de persecución con vehículos, cuando cruzan el puente y explota todo. Nos podrías contar sobre la producción… ¿Cuanto tiempo les llevó hacerla? ¿Qué tipo de complicaciones tuvieron? Etc.
J.M.O.: La producción la hice en su totalidad yo con mucha ayuda en logística de la Municipalidad de Tres de Febrero. Nos llevó unas 50 jornadas, unas 30 completas y el resto medias jornadas mas o menos, hubo complicaciones típicas de cuando tenes un presupuesto acotado, pero todo salió adelante sin mayores complicaciones, lo que se puede suponer complicado en cuanto a la producción y realización de las escenas de acción, no lo fue, teniendo el apoyo municipal, pudiendo usar locaciones, cortar calles, tener policía, eso simplificó mucho toda la producción.
F.C.: ¿Recibieron algún tipo de ayuda económica para la realización?
J.M.O.: No, no hubo ninguna ayuda económica, ni municipal ni del INCAA, fue totalmente independiente.
F.C.: ¿Que pensás del cine de género argentino, mas concretamente del género acción y del momento que esta atravesando actualmente?
J.M.O.: El cine de género argentino esta creciendo mucho, mas que nada en terror que ya viene con varias películas exhibidas, vienen haciendo un gran trabajo. Un trabajo que me gusta mucho y estoy siguiendo es Daemonium. Con respecto específicamente a la acción, sacando lo que hacemos nosotros no se viene haciendo mucho. Todavía viene pasando que tímidamente ponen algo de acción como la frutillita de la torta en la película, pero nada jugado como en el caso de Justicia Propia que contiene todo lo que tiene que tener una película de acción, persecuciones de autos, peleas, tiroteos, explosiones, persecuciones a pie y todo bien desarrollado. Un tiro y dos trompadas, para mi no es acción. Aparte de peleas como la del bar, con los motoqueros o alguna de la fabrica en la película, tenemos una gran pelea final típica del género de unos 5min de duración con un gran desarrollo coreográfico. Todo eso en las películas nacionales no se vé. Estuve viendo las últimas 3 películas nacionales con acción, una todavía no se estrenó (no importa el nombre) y entre las tres no suman toda la acción que tiene Justicia Propia. En los 90 fue Comodines el gran referente de acción en la Argentina, pero cuando parecía que crecía dejaron de hacerlo. En los 2000 el gran referente del cine de acción somos nosotros, con gran proyección a futuro.
F.C.: La película tuvo algunas proyecciones y participó en festivales. ¿Que recepción tuvo de parte del público?
J.M.O.: La película fue mas que bien recibida, con proyecciones que terminaron con muchos aplausos, sorprendiendo mucho al publico con las escenas de acción y el ritmo vertiginoso que tiene. Dura 86min y pasan volando y la gente sale agradecida, En el festival de Mar del plata, la vió mucha prensa, poniéndola al nivel de las últimas películas de Van Damme o Mel Gibson, después de la proyección en Mar del Plata la gente se quedó a conversar con nosotros, queriendo saber como se armaban las peleas, las escenas de acción y demás y también muy sorprendidos por el trabajo de Gabriel Almirón y Bicho Gómez, dos cómicos que hicieron dos papeles distintos a los que vienen acostumbrados. Desde ya para nosotros haber sido seleccionados entre 2500 películas, para uno de los festivales clase A mas importantes del mundo es un logro inmenso!
F.C.: Uno de los puntos complicados en la industria es la exhibición. ¿Como pensaron la distribución y exhibición del film?
J.M.O.: Con respecto a la distribución y exhibición, como vos decís es complicado, pero estamos trabajando en una primera etapa para dar a conocer la película a la industria (festivales, distribuidoras, mercado) como el caso de Mar del Plata y Ventana Sur, para después pasar a una segunda etapa y asociarnos con una distribuidora grande que le de llegada al film. No estamos apurados, vamos paso a paso, sabiendo que vamos a llegar al cine comercial y queriendo hacerlo de la mejor manera.
F.C.: ¿Tenés algún proyecto audiovisual a futuro?
J.M.O.: Si, ya estamos trabajando en la pre-producción de Justicia Propia 2, continuación de la primera. La historia esta pensada como una trilogía, así que nos quedan un par de años de Justicia Propia. Igual seguramente haremos otras producciones que tengo en carpeta, en el medio del proceso.
F.C.: Desde Fanboy Cave te deseamos éxitos con la película y con todos tus proyectos.
Desde hace unos años, los eventos de anime, comics y videojuegos se han popularizado lo suficiente como para que diversos ejemplos – como el nuevo Argentina Comic-Con o el clásico rosarino Crack Bang Boom – aparecieran en el paisaje mediático. Además, debe sumarse la aceptación del “nerdismo” en la cultura local, en parte gracias a series como The Big Bang Theory. Por otro lado, estas convenciones masivas son el resultado de años de continuos eventos menores, que cimentaron e incentivaron el “fandom” local. La gente comenzó a tomarlos en cuenta, y disminuyó la resistencia hacia ciertas manifestiaciones “nérdicas” como el cosplay. (Un ejemplo de ellos se pudo ver durante la reciente Noche de las librerías, en la que personajes como Darth Vader, Saruman o Predators rondaron por la zona.) Estos eventos menores, a su vez, permitieron que empresas o firmas más conocidas inviertan o aparezcan con más regularidad, y cultiven nuevos seguidores. En esta nota, entrevistamos a May Martinz, organizadora de eventos como Unanime, Mega FanCon y diversos eventos temáticos (el próximo, Release 2! CLAMP´s world, se llevará a cabo el 22 de diciembre).
1 ¿Ya hace años que vos y tu equipo organizan eventos? ¿Cómo fue la primera experiencia de este tipo?
Iniciamos con FanCon en el 2008 de la mano del lanzamiento oficial del séptimo libro en español de Harry Potter, y en junio de ese mismo año realizamos nuestro primer evento de anime.
Con Harry, fue una experiencia ya conocida, puesto que antes de formar FanCon la mayoría del staff formaba parte de un fan club de la saga de Potter en donde también habíamos realizado lanzamientos. Pero, al haber encarado el proyecto de una forma más profesional, y al ser el último libro de la saga, la experiencia tuvo tintes distintos… Fue muy laborioso e intenso, cargado de mucho sentimiento, ya que nosotros también somos fans. Era importante que saliera bien. Fue un gran evento y lo llevo siempre en mi memoria.
En el caso del de anime, la experiencia fue totalmente distinta. Partiendo de lo elemental, era el primer evento que realizábamos 100% solos. (Los lanzamientos son co-organizados con las librerías.) Todos los eventos tienen estrés e imprevistos, pero este fue un torbellino, tal vez porque era el primero. Pero, al fin de cuentas, logramos un evento que nunca imaginamos que íbamos a lograr en aquella época. Incluso invitamos a una actriz de doblaje mexicana, aun siendo nuestro primer evento. También aprendimos mucho de esa experiencia, tanto lo que debíamos repetir como lo que nunca debería pasar nuevamente. El área de eventos es un trabajo intenso y siempre lo será, sea el primero o el número 100 que hagas… Pero realmente es algo que, después de todos estos años, nos sigue gustando y por eso podemos seguir encarando el proyecto y con más energías.
2. ¿Cómo nació la idea de llevar adelante estos proyectos?
Dentro del fan club de Harry Potter me di cuenta que me gustaba organizar eventos y que tenía “pasta” para eso. Y se me ocurrió hacer un evento de anime. Así que se lo propuse a mis amigos más cercanos del club y a los que les podría llegar a interesar la propuesta. Luego se presentó en el medio el lanzamiento de Harry Potter, y lo aprovechamos. Con el correr de los meses, todo fue tomando forma y surgió FanCon, con la idea de hacer eventos de diversas temáticas.
3. El 22 de este mes llevarás adelante un evento temático. ¿Sobre qué temas se centraría? ¿Qué se debería esperar?
El evento se llama Release!, y es sobre un anime llamado Card Captor Sakura y otras series de las mismas creadoras, tales como Chobits, xxxHolic, Tsubasa Reservoir Chronicles, Las Guerreras Mágicas, etcétera. Seguramente algunos conocerán Sakura, es un clásico y lo transmitían en Cartoon Network.
Los que asistan al evento pueden esperar pasar una tarde muy agradable con su familia o amigos, rodeados de actividades y shows alusivos a la temática, sorteos, exposiciones de colección y dibujantes, cosplay, stands con venta de productos (peluches, indumentaria, accesorios, merchandising importado, tazas, posters, etcétera) y buffet, todo en el marco de un salón de 2 pisos ambientado.
4. ¿Cuáles son los objetivos del evento temático?
Hacer un evento con el mismo esquema pero a su vez lograr que sea único, no uno más del montón. Te permite sacarle jugo a la temática focalizándola en la ambientación, actividades y shows. Eso genera un impacto diferente en el público, ya que se prepara de otra manera. Los cosplayers confeccionan trajes especialmente para ese día y el público en general también espera el evento con más ansias. La idea es que lleguen y en cada rincón vean cosas de eso que tanto les gusta, y a su vez que se reúnan con gente que comparten el mismo gusto por eso.
5. En los casos del Unanime del 9 de febrero, ¿en cada oportunidad se enfocan en una temática especifica o son más bien abiertos?
Unanime es nuestra convención general de anime y videojuegos. No tiene una temática específica como Release! Igualmente, fiel a nuestro estilo, a veces podrán encontrar alguna que otra actividad o exposición alusiva a los artistas que invitamos o a algo fuerte del momento. En el caso de la edición de febrero, habrán algunas actividades especiales de la serie Shingeki No Kyojin, la cual fue furor este año entre los fans.
6. Hace tiempo que estás en el tema y seguramente, por el puesto de organizadora, pudiste apreciar situaciones típicas de organizar eventos de cierto calibre. Si tuvieses que mejorar algo, ¿qué sería?
Si me pongo a pensar, me surgen cientos de cosas porque siempre estoy buscando evolucionar. Creo que lo que debo mejorar es, justamente, mejorar cada día más en todos los aspectos, incluso en los que ya mejoramos este año, que por suerte logramos mucho a nivel locación, calidad y contenido. Y espero contar con todos los recursos y oportunidades para poder ofrecer cada vez mejores convenciones y propuestas de la mano de FanCon.
7. ¿Cuánto lleva armar eventos de estas características, tanto temáticos como al estilo de Unanime o Mega FanCon?
Antes nos llevaba más tiempo, pero ahora una convención como Unanime la preparamos entre 5 y 6 meses, con más énfasis en los últimos 2 meses. La Mega FanCon será una convención multitemática de un calibre todavía más importante, por lo cual ya la estamos coordinando desde ahora para el año que viene.
8. ¿Cuánto le va salir a la gente participar de los eventos?
Release! cuenta con una entrada anticipada de $25 y Unanime rondará los $30 o $35. Es de público conocimiento la situación actual del país, pero intentaremos, dentro de lo posible, mantener los mismos precios para entrada normal de este año para el año que viene.
9. ¿Qué cosas podés decir o adelantarnos del Unanime que veremos en febrero? ¿Y un guiño sobre las sorpresas que podemos esperar el próximo año para nuestro deleite?
Estamos trabajando para que esta edición venidera de Unanime sea la mejor de todas. Contaremos como invitada internacional a Cristina Hernandez, quien es la actriz de doblaje en latino de Sakura, Bombon de las Chicas Super Poderosas, Chibi Moon de Sailor Moon, CatWoman en la última de Batman, Padme en Star Wars y también hace varias voces de personajes de League of Legends. También estará invitada Laura Torres. Esta última nunca vino al país y es la responsable de darle vida con su voz a Goku y Gohan versión niños en Dragon Ball, entre otros personajes conocidos como Daria y Tommy de Rugrats, entre otros.
Como siempre, la convención se realizará en Estudio Darwin, Hipódromo de San Isidro, que es el lugar más halagado por los asistentes de este tipo de convenciones.
Del 2014, lo que te puedo adelantar es que habrán más ediciones de Unanime, la tercera edición de Magic Meeting, una convención de Harry Potter que ya es un clásico en el fandom Potterhead y la primera edición de la prometedora Maga FanCon, la cual tiene como objetivo concretar una VERDADERA convención multitemática con amplios sectores dedicados al comic, al anime, al cine, a la literatura y a los games.
10 ¿Que se siente ser responsable de este tipo de eventos?
Me pone feliz, porque realmente disfruto de este proyecto y siento que es un logro poder llevarlo a cabo. Lo tomo con todos los pro y contras que tiene cualquier proyecto o trabajo. Mucha gente se piensa que organizar este tipo de cosas es fácil, pero realmente no lo es, mucho menos cuando tenés como objetivo hacerlas bien. Es un trabajo estresante, adrenalínico y a su vez creativo y artístico, que te abre a muchas experiencias y te hace superarte cada vez más. Tenés mucha carga de responsabilidad también, dada la cantidad de gente a coordinar, tanto interna como de público asistente. Pero, como comenté anteriormente, nos gusta mucho organizar FanCon y eso hace que cualquier eventualidad sea un gaje común del oficio.
Actividades:
Preparense para este evento que promete.
<a rel=»author» href=»https://plus.google.com/107005891006004217533«>Maximiliano R. Espósito</a>
De los tantos festivales internacionales que existen hoy en día, algunos merecen ser mencionados porque empezaron en lugares o por circunstancias muy particulares, como es el caso del Festival de Cine de Tapiales. A medida que pasaron los años, fue adquiriendo presencia en el ámbito, a pesar de llevarse a cabo en las afueras de Capital Federal. Fanboy Cave entrevistó al director del festival, Julio Caloggero, quien muy amablemente recibió nuestras preguntas sobre esta iniciativa barrial, que entre el 5 y el 8 de diciembre celebrará su décima edición.
Fanboy Cave: Ya hace 10 años que hacen el Festival de Tapiales. ¿Cómo fue el primer festival?
Julio Caloggero: Fue una proyección maratónica de seis horas de cortometrajes. Luego vino la entrega de premios. Duró solamente un día. Recuerdo que el publico asistió a pesar de la lluvia, allí en la Sociedad de Fomento donde hicimos las primeras ediciones. Le pusimos mucha energía, a pesar de que no había ningún antecedente cinematográfico local y no sabíamos la aceptación que luego tendría el festival.
FBC: ¿Cómo nació la idea y cómo consiguieron el apoyo municipal?
JC: Juan Pablo Caserta, que trabaja en la producción del festival, fue con la idea a la Secretaría de Cultura de La Matanza. Tenían muy poco presupuesto, pero brindaron la ayuda para que se pudiera realizar. La aceptación de acompañamiento por parte del municipio fue inmediata.
FBC: ¿En qué consideran que tendrían que mejorar?
JC: En que crezca cada vez más el festival desde su identidad. Es un festival muy diferente, al realizarse al aire libre su competencia. Su característica popular lo define como único dentro del país. Creo que deberíamos mejorar. Será cada vez más lo que somos, y los realizadores y el público aprecian eso. El organismo vivo que es el festival va en esa dirección.
FBC: ¿Cada año se enfocan en una temática o en algún lineamiento en particular? ¿O son más bien abiertos al respecto?
JC: Totalmente abierto. Si bien cuidamos bastante el nivel de la competencia, en conjunto con las muestra paralelas tiene que ser Tapiales la pantalla del encuentro y donde conviva el gusto de muchos.
FBC: ¿Cuáles son sus objetivos a futuro en cuanto al festival?
JC: Que siga, que continúe, que el público y los realizadores se lo hagan propio cada vez más.
FBC: La recepción de la gente fue muy positiva y veo que, año tras año, aumenta la cantidad de participantes. ¿Se esperaban esta aceptación?
JC: Cuando uno ama algo, piensa que el resto del planeta, dentro de una lógica propia, debería amarlo también… Era un deseo más que una expectativa. El Festival es un acto rebelde y va en contra de una proyección o de un festival convencional.
FBC: ¿Cuánto tiempo demora armar un festival de estas magnitudes?
JC: Son nueve meses de trabajo, hasta que definimos todo lo que nos proponemos, lanzamos convocatoria y, en paralelo, vamos realizando la gestión, desde una silla donde un espectador se va a sentar hasta la realización de los premios.
FBC: ¿Cuánto cuestan las entradas?
JC: La entrada es totalmente gratuita. Es una de las políticas del festival, la cultura debe estar al acceso de todos.
FBC: ¿Cuáles son las sorpresas que nos prepararon para este año?
JC: Tenemos una gran apertura, una gran programación y contaremos anécdotas. Esperemos que sean graciosas.
FBC: ¿Qué se siente ser responsable de un evento como el Festival de Tapiales?
JC: Inmenso orgullo. Sin lugar a dudas, hacer el festival me hizo conocer mucha gente interesante, hacer amigos y tener una función como gestor cultural. Ser alguien a partir de lo que hacemos.
<a rel=»author» href=»https://plus.google.com/107005891006004217533«>Maximiliano R. Espósito</a>
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