¿Cómo se realizo Horda Salvaje? Entrevista al director German Favier


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¿Como surgió la idea de hacer esta película?

“Horda Salvaje” no fue concebida naturalmente y mucho menos lo fue por un medio creativo impulsor. Yo estaba post editando “Las Piezas del Mal”, cuando Hernán Fernández, quien coprotagoniza la película, una noche se vino con el auto (El mismo auto de la película) y me planteó lo de hacer una película de zombies. Quería una película bien clásica de muertos vivos, tipo las de Romero. Pensemos que este diseño sucedió antes de la gran cantidad de películas y series de zombies que están brotando. Yo lo primero que le dije es: “odio los zombies”. Detesto a los zombies. Pero no así las películas de zombies. Entonces, cuando me brindó su colaboración en la preproducción y me pidió que abordáramos esa temática, empecé a pensar seriamente cómo proyectar algo que me agrade. Y se me ocurrió mezclar los elementos de las series que más me gustan: “CI5 The professionals” y “24” con la temática de los muertos vivos. A algunos quizá les guste porque la parte policial está bastante presente, la jerga, los comportamientos, y los zombies son puestos a prueba no tan obviamente y no comen carne humana. A otros puede disgustarle precisamente eso: los zombies al fin y al cabo no son los típicos muertos vivos de las películas de culto. Tienen aspecto de delincuentes y andan armados.

¿Coméntanos un poco sobre la historia y los personajes? 

La historia de fondo de Horda salvaje es siniestra: Un poderoso, junto con aliados políticos, desea subvertir a los ciudadanos marginales utilizando un reactivo líquido inyectable, altamente adictivo, que a la larga  no sólo los destruye sino que de alguna manera los vuelve zombies. De modo que esos seres temibles, de orígenes delictivos, armados y difíciles de matar, se vuelven contra la gente. Cuatro elementos para nada destacables de la sociedad, se unen para hallar la causa del brote zombie: un corrupto policía encubierto, un pirata del asfalto, una prostituta y una licenciosa secretaria judicial. En el inicio de la película, el trato que reciben los protagonistas masculinos en manos de seudomilitares es brutal: los castigan y torturan para sacarles información del reactivo zombie, con oscuras intenciones. Nada es agradable ni augura un final felíz. Desde las emisiones televisivas, donde hay dolor y gritos hasta las emisiones radiales en inglés, donde advierten de los peligros nucleares, cada elemento es básicamente apocalíptico. Como decía la vieja canción: No hay futuro.

En cuanto a los personajes yo me imaginé una dupla de tipos rudos, que sepan de armas incuestionablemente, que se traten en forma cortante e irónica, que no tengan miedo a nada y que se lleven amigablemente mal. Me figuré que una película así necesitaba a su vez mujeres egocéntricas que desestabilicen a los caracteres masculinos, y que a su vez sean antagónicas por el vértice. De Chandler y su obra literaria, siempre destaqué el rol de las mujeres, quienes de una u otra forma alteran los hechos, y llevan a los hombres de las narices. También usé ese concepto en el desarrollo. Asimismo siempre me fascinó Hans Gruber, el temible villano cáustico de “Die hard”  y cuando vi a Javier Zanón en el personaje me dije “Bien ahí!”. El casting creo que es una de las cualidades destacables de esta película independiente, y son los que se cargan las expectativas de una cinta donde se vislumbran los zombies pero los peores son los seres humanos comunes.

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¿Donde se filmo? 

Horda se filmó en lugares muy lindos que Andrés supo sacarles provecho. Muchas cosas son en provincia y otras en capital, pero las mejores locaciones son la fundición (que la cedió un pariente de Hernán) y el laser game (brindado por el esposo de la Sra. Daniela de Rocco) en los cuales se hicieron las mejores escenas de zombies versus humanos. Usé indiscriminadamente el domicilio de mi hermano, donde muere la armadora del reactivo zombie (o quizá no muere, pero creo que en mi mente termina desangrada) la casa vacía de un allegado a Hernán, el estudio de arte de un amigo de Javier Zanón y el departamento de un compañero de trabajo. A cada locación tuve que ir con un flete y cargando y descargando las luces, por lo que terminaba cada rodaje, casi sin signos vitales, porque no podía obligar a nadie a ir conmigo ya que la mayoría laburaba o tenía otras ocupaciones. De todas formas lo haría de nuevo.

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¿Cómo fue el proceso de realización? 

Desde el vamos que encarar una película independiente es una aventura en donde se vive cada día de producción como uno de los capítulos de esos viejos seriales de cine donde terminaba con una terrible incógnita, sin saber cómo zafarían los protagonistas de las trampas y obstáculos de la aventura. Horda hasta el último segundo de postproducción fue un vértigo inimaginable. El equipo primitivo, compuesto de gente muy prolija, contó con Rafael Fiorucci, comandando la producción (y con quien habíamos originado el  tráiler de Uno x Uno) , Lucila Presa como punta de lanza de lo estético y Andrés Cueva detrás del aspecto técnico. Creo que leyeron el guión, perdieron la conciencia y los reanimaron con electroshock, para luego caer en cuenta de lo delirante que era semejante empresa. Aún así de alguna extraña forma confiaron en mí y se prestaron a la tarea. Como todo equipo, hay un desgaste, pero en realidad aquí sucedió que algunos tuvieron que abortar por temas laborales (la película se extendió por muchos meses) y personales. No obstante y cambiando algunos roles, la producción terminó su trabajo orgullosamente. Ahora; eso es en lo humano, pero también está el tema económico. El dinero que se utilizó mayormente se repartió en las luces de alquiler, la cámara, el sonido, viáticos y catering, y todo vino de mi bolsillo y del de Hernán Fernández. Cuando analicé los costos de producción, mientras repasaba el guión con Hernán, le comenté que iba a salirnos bastante caro. Que nos íbamos a quedar sin vacaciones ambos y que nuestras novias nos iban a dejar en la calle. Pero casi al unísono dijimos “Y bueno!”…Le dimos para adelante. Queríamos hacer esta película desesperadamente. Rafael pudo hacer unas planillas precisas y siempre estuvo dando una mano en todo, Lucila vistió a los actores con astucia (el resultado está a la vista) y Andres planteó la fotografía de una manera única y en lo que creo que marca su modo, un estilo internacional que realzó todo el desarrollo visual de la película.

En cuanto a la parte de armamento y acción Emilio Rodriguez fue el responsable del desplazamiento de los comandos, y la capacitación para la correcta  manipulación de armas por parte de los actores que desconocían su uso. Luego Jorge Bizcaglia, entrenó físicamente a Angy Jaume para su performance agrediendo a Dany Blanco propinándole patadas. Y  el armamento fue en gran parte cedido por Gustavo Cosentino, salvo el arma colt de Cris y el magnum del guardaespaldas, ambos traídos por Emilio a los fines de darle un arma característica a cada personaje.

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¿Tuviste que crear algún efecto digitalmente? 

Ya había disfrutado (y no, también) varias experiencias con armamento con balas de salva. Teniendo cero presupuesto, la única opción es generar flares por after, y componer audio acorde. Ahí entró NO EFFECT, con Juan Favier a la cabeza, quien se abocó a la monumental tarea de fusionar el destello y partícula de cada arma en donde corresponde. Teniendo en cuenta la cantidad de disparos, se necesitó de mucha paciencia para que una sola persona (Solamente Juancito!) pusiera uno a uno los detalles por animación. Ojalá fuera cortar y pegar…

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¿Cómo se llevo a cabo la creación de los zombies? 

Por intermedio de Emilio Rodriguez, llegamos a entrevistarnos con Enzo Giordano (Dueño de Ilusiondreams Fx) y con Patricia Porcel, ambos hacedores de make up y efectos especiales, con quienes se esbozaron los rasgos principales de los seres malignos de Horda salvaje. Como soy un hombre básicamente ochentoso, me crié jugando con el Sega y el concepto de los villanos finales por “stage” es un condimento que quise proyectar en los enemigos. Mi deseo era ver varios enemigos característicos; esos que uno se acuerda por su aspecto, de ahí que apareció el payaso, el encapuchado, el seudonazi del final, etc. Ilusiondreams Fx se puso manos a la obra y fue creando zombies sobre la marcha con un presupuesto nulo. La verdad que hicieron uso de todo lo que tenían, y tuvieron que inventar prótesis complejas para darles un estilo propio a cada malvado.

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Sabemos lo difícil que es realizar una película independiente. Contanos un poco que problemas surgieron…

¡Problemas un montón!. No podemos falsear ni disimular el resultado que se ve en la pantalla. La película fue llevada al cine por un grupo mínimo de personas. Quizá algunas cumplieron más de dos roles. Algunos estuvieron parcialmente y otros de principio a fin. Otros ocasionalmente, pero de todos, guardamos en la imagen su impronta. Ese grupo minúsculo, contó con un monto de dinero liliputiense, que extraje de mi sueldo y de lo que pudo poner Hernán. O sea que además de pocos,  esos pocos pusieron mucho de sí para lograr cumplir con los objetivos.  Tardamos como dos años en terminar la película, en darle fin. Horda fue como caerse de una escalera infinita, con escalones flojos y barrotes oxidados en los costados. Las locaciones se conseguían y se caían días antes de filmar, los vestuarios eran insuficientes, el catering era complicado de desarrollar ya que éramos dos o tres en el set cumpliendo múltiples funciones, las actrices tenían otros trabajos de modelaje y hasta llegaron a irse del país abruptamente, de manera que tuvimos que filmar con ellas improvisadamente  las escenas para que pudieran irse, actores para personificar zombies que nunca vinieron, armamento que se deterioró o que hubo que devolver antes de tiempo, condiciones climáticas insoportables, ruidos y molestias que arruinaron complejas tomas, enfermedades, falta de equipo técnico, destrucción espontánea de la pre edición…en fin, las siete plagas.  Con un renovado juego de roles, Enzo Giordano se puso a sudar junto conmigo para terminar la edición de Horda. La pre edición la hizo Ángeles JinJin. La música que se pudo utilizar fue la de las grandes bandas en ascenso “GENETICA” y “FEROCIA” los que pusieron de buena gana los mejores temas de ambas bandas, y que pueden oírse en la película desde principio al fin. El resto es historia…

Cine: Súper 8, Viejos y lindos tiempos.


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Hace dos años, en el día de su estreno, fui a ver la hasta ahora última película de J.J. Abrams. La sensación con la que salí en su momento fue de felicidad por haber visto una enorme película. Hace unos días la volví a ver, con miedo de que en ese momento la euforia me hiciera juzgarla mal. Por suerte la euforia y la razón iban de la mano.
Repasemos la historia. En el verano de 1979 un grupo de pre adolescentes está filmando un corto de zombies en el formato súper 8. En uno de los días de rodaje, filmando en la estación local de tren, presencian el descarrilamiento del mismo. Días después empiezan a suceder hechos extraños en el pueblo. Gente desaparece, animales huyen, todo parece indicar que estos incidentes están relacionados con el descarrilamiento.
Para entender a esta peli primero hay que saber los dos grandes nombres que están detrás de ella. Uno es el ya mencionado Abrams, fan confeso del cine de aventuras de los 80 (no por nada se quedó con la dirección de las dos sagas espaciales por excelencia). El otro es el de Steven Spielberg, realizador de muchos de los grandes clásicos de aventura de los 80. Creo que con esos antecedentes el tono de la película era obvio.
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Y aclaro esto porque estúpidamente, la mayor critica que recibió la peli fue su semejanza a films como Los Goonies, es decir, films de aventuras con chicos de por medio. Cuando esa es la gracia, homenajear a un cine que parece ya casi extinto.
Dejando la estupidez de los críticos “especializados” de lado, hay que decir que la película tiene muchísimos méritos propios además de parecerse a determinado género.
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Uno de ellos es el plantel actoral joven. Siendo Elle Faning (hermana menor de Dakota) la única conocida del grupito, los pendejos la descosen actuando, haciendo sus papeles muy creíbles.
Caso contrario pasa con los adultos, que a pesar de ser todos actores conocidos y con una trayectoria encima, están muy por debajo del grupo de chicos.
Pero a las buenas actuaciones de los pibes, también los acompaña una buena historia de fondo. Como solía pasar con las buenas pelis a la que homenajea Súper 8, no solo se trata de la aventura que viven los chicos. Si no que en ella dan ese difícil paso que es dejar de ser un niño y entrar en la adolescencia. El primer amor, la envidia, los celos, el dejar atrás o superar determinados reveces que da la vida en post de crecer es algo que se ve desde el primer minuto de metraje.
A esto hay que sumarle el buen hacer de Abrams detrás de cámara. El creador de la sobrevalorada Lost vuelve a mostrar porque para muchos debe dedicarse a pleno al cine. El ya nombrado descarrilamiento del tren, así como otras situaciones donde los personajes corren y escapan están filmados con un buen pulso donde todo se ve. Y obviamente están los famosos rayos de luz que inundan la pantalla por todos los costados, algo típico en el cine del nerd cuatro ojos.
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Súper 8 es un gran homenaje a un cine que disfruto toda una generación (a la que pertenezco), y que hace pensar que es una clase de cine que por desgracia ya no se hace.
Pero también es la confirmación de que JJ Abrams está para grandes cosas en el cine de aventuras y del pochoclo de buena calidad, algo que pocos (incluso los “realizadores profundos”) pueden presumir.
Un saludo creciendo.
Nota: 9
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Cine & Tec: Chroma Key


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Esta técnica utilizada en cine y televisión consiste en armar un fondo con un color plano y con un software especializado seleccionar esa zona y sustituirlo por una imagen o vídeo  Los colores que se usan generalmente son el verde y el azul ya que son los colores más lejanos al tono de la piel.

Sus orígenes los podemos encontrar en 1913 con la técnica de williams shots  que permitía situar a los actores en fondos rodados en otros lugares, fotografiando a los actores contra un fondo blanco o negro para obtener del negativo las máscaras. Estas máscaras se introducían en la imagen de fondo rodando con una cámara bi-pack, esto es, rueda con dos emulsiones a la vez, y luego sobre la reserva hecha en el fondo se volvía a meter a los actores. Est técnica la podemos apreciar  en películas como King-Kong y Ben-Hur. Aunque en 1925 aparece el que será el origen del chroma que nosotros utilizamos ahora, el proceso se denomino Dunning-Pomeroy y consistía en que rodaba a los actores sobre un fondo azul que era sustituido por la imagen ya rodada anteriormente. La imagen final se componía en una cámara bi-pack con dos emulsiones, la trasera era una película B/N pancromática sin exponer y delante de esta el positivo coloreado de naranja en los negros y los grises con la imagen del fondo. El actor se situaba delante de un fondo iluminado de azul y el primer término, con el actor, se iluminaba con luz filtrada de naranja.

Para llevar a cabo esto los actores y fondos debían ser filmados por separado y los distintos rollos de película integrados en un único celuloide empleando para ello una costosa impresora óptica. La llegada de los ordenadores y la filmación digital pemitió que todo el proceso se realice de modo más directo y mucho más perfecto.

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Para que la implementación del croma funcione bien los colores del personaje y el fondo deben ser muy distintos, también se debe prestar atención a que ninguna de las prendas del personaje presente el color del fondo pues sería eliminado de la imagen. En vestuario y peluquería se deben evitar los bordes poco definidos, ya que será más difícil ajustar el croma también hay que tener en cuenta la locación ya que si ruedo en un bosque, no utilizare fondos de croma verde por que todo lo que tengo en los primeros términos incluye de una forma u otra tonos verdes y esto podría contaminar también a los árboles, arbustos helechos, etc, creando agujeros en las máscaras, que habría luego que ir limpiando. Si tengo por ejemplo actores vestidos con camisas hawaianas que tienen mucho azul, no usare un croma azul, sino verde; si el actor, por ejemplo tiene los ojos azules, tampoco es aconsejable usar croma azul entre otras cosas a tener en cuenta.

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En cuanto a la iluminación del chroma esta debe ser uniforme o homogénea y no le deben afectar ni sombras ni luces pertenecientes al personaje, ni tampoco  los actores deben recibir contraluz azul o verde del fondo ya que en el montaje final se verán rodeados por un pequeño halo de este color (esto se puede apreciar en algunas producciones de bajo presupuesto). Para esto la distancia entre el croma y el personaje debe ser suficiente para que el color del croma no bañe al personaje.

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En el siguiente ejemplo veremos la utilización del chroma key  en la escena del consejo Jedi en Star Wars;

Como fuente primaria una filmación en la que los actores ruedan en un decorado cuyas ventanas están cubiertas por un fondo azul

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bEn la composición final el sistema de grabación detectará la presencia del azul en los huecos de las ventanas y en esa zona desconectará la fuente primaria (filmación con actores) y colocará la secundaria (fondo generado por ordenador). Como resultado de esta acción se obtendrá una combinación de ambas fuentes de modo que donde había decorado y actores permanecerán estos y donde teníamos fondo azul ahora tendremos el  fondo generado por ordenador

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La filmación con fondo de color surgió como sustituto de la proyección escenográfica y al igual que esta facilita fondos para la acción cuando estos son imposibles de obtener por otros medios ya sea porque no existen y son difíciles de recrear (fondos fantásticos), bien porque sale muy caro trasladar a todo el equipo técnico (sustituto de exteriores) o porque resultan arriesgados para los actores como puede ser un combate en las alturas  (escenas de riesgo).

Otro de los usos que pueden llegar a usarse es el de ocultar a los operadores de marionetas y animatrones. En estos casos los técnicos se visten con el mismo color empleado para el Croma Key y luego son borrados junto al fondo.

En el caso de los fondos blancos y negros que podemos ver no se definen como técnica chroma key, sino como Luma Key, proceso que usa los valores absolutos de luminosidad de una imagen para eliminar los que se pasen o se queden por debajo de un valor dado.

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Por ultimo, como  ejemplo de Chroma en su máxima expresión les dejo esta escena de Destino Final 5

Cine: Oblivion x 2


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“Prohibido olvidar”

Todos sabemos que todos los géneros tienen sus subgéneros. En la ciencia ficción por ejemplo tenemos la clásica, donde se plantean problemas existenciales, y la moderna, con mucha carga de acción. Raras son las pelis de Sci Fi que mezclan estas dos vertientes; y luego de ver Oblivion se entiende el porque.
En un futuro, la humanidad fue invadida por los “carroñeros”, una especie extraterrestre. Luego de que estos últimos hicieran explotar la Luna y que nosotros lanzáramos misiles nucleares, el planeta quedo inhabitable. Años después, y con los humanos viviendo en Titán, luna de Júpiter, son enviados equipos técnicos a la Tierra para drenar agua del mar y crear energía. Pero algo va a cambiar en la vida de los actuales técnicos, Jack y Vicka.
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Como dije inicialmente, rara vez una película de Ciencia Ficción mezcla sus dos grandes vertientes, y quienes vean esta peli entenderán el motivo. Algunos se preguntaran ¿Por qué hago tanto hincapié en esto? Es fácil, mientras la rama clásica del género se tira por plantear problemas existenciales en el protagonista, la moderna llena el film de acción, rayos laser y explosiones. Y como que resulta poco coherente que si el protagonista se pregunta su lugar en el universo, lo haga mientras dispara una ametralladora de protones.
Y este es el mayor problema de Oblivion, el primer tramo nos muestra la situación actual de la Tierra y el conflicto interno de Jack, pero todo lo que construye se va a pique cuando empiezan los tiros. No por nada la primera media hora inicial hace agua por todos lados una vez digerida la peli.
Ojo, con esto no quiero decir que la peli sea mala, de hecho la mejor descripción que le cabe es el de ser entretenida. Pero viendo el potencial que se tenía, quedarse con un entretenida suena a poco pudiendo haber sido un peliculón.
Mención aparte merece el apartado visual. Y es de lo más IMPRESIONANTE que vi en mucho tiempo. Desde el primer fotograma hasta el último, las tomas aéreas de la tierra desolada son brutales, en especial la escena de la piscina en el cielo. Algunos (ejm Cameron) deberían aprender a hacer algo con tanta potencia visual sin tener que vender humo en 3D.
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En este caso Tom Cruise (de reciente paso por nuestras tierras) solo pone la geta como actor. Bien por él y el director Joseph Kosinski en lograr un trabajo bastante medido. Más que nada porque el papel se prestaba para el histrionismo insoportable que tiene Cruise cuando no se lo controla.
Y hablando del director (es el mismo de la mediocre Tron Legacy), un diez por como aprovecho el presupuesto a la hora de lo visual, pero un tirón de orejas por el mal uso de la música. Si, la banda sonora está muy bien, pero no hay necesidad de ponerla con el volumen al máximo para emocionar cuando las imágenes por si solas ya lo hacen.
Vuelvo a decir que Oblivion es una buena película de ciencia ficción, y seguramente hasta ver Elysium se quede con el puesto de “la mejor sci fi del año”. Pero por querer abarcar mucho y cubrir muchos rangos de público, termino apretando poco y dejando con un sabor amargo al ver el potencial desperdiciado.
Ah, me olvidaba, Olga Kurylenko esta mega buena, pero para hablar mejor habría que hacer un tema exclusivo para ella.
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Un saludo intentando recordar.
Nota: 7 y medio
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romerospoiler warningADVERTENCIA APARTIR DE ACÁ HAY PELIGRO DE SPOILER SEGUIR LEYENDO SEGÚN SU PROPIO CRITERIO.

“la ensalada de fruta que me encanto”

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Él porque del segundo título tiene un “porque” que espero demostrar en la siguiente parte nota, sin embargo, tengo que admitir que va haber muchos spoiler porque si no se entenderá hacia donde me dirijo.
Para empezar esta película me encontró llevándola a ver en el último día del BAFICI sin embargo no me arrepiento de ir a Verla   y degustarla antes de ver Iron  Man 3, pero yendo a lo que nos compete la verdad es una película que no tiene desperdicio para el fan de la ciencia ficción, porque los guiños que se encuentran en la movie son muchísimo, para empezar podemos encontrar elemento de películas comí Star trek, Moon, Día de la independencia, Odisea en el espacio, Mad Max y hasta creo haber vislumbrado algo muy común en el anime que son fanService de Top Gun y Misión imposible, es decir, fan Service para los que siguen a tomar Cruise. Sin embargo debí realmente encontrar el truco para conservarme como el actor.
La versatilidad de la película es muy buena, a partir de llamarme la atención cierto número y que sumado a que vi “Moon“, La isla, Gattaca entre otros ya me di cuenta de por dónde iba el argumento pensé que iba a decepcionar a pesar de recomendada por muchos amigos sin embargo me demostró que. A veces los guiones no lo son todo, es una parte importante de eso no hay duda pero eso no quita que te no tenga buen sabor. Lo mismo me pasó con Avatar película que me gustó en lo visual de una manera especial pero me decepcionó de igual medida el argumento y el guion, fue como comer comida francesa, exquisita pero no me lleno por lo que al final terminó yendo al McDonald a terminar de llenarme.
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Y la razón del título es porque el responsable de la película logró hacer una muy buena película repleta de guiños. No sé qué me dirán de esta comparación pero sentí que estaba viendo un Eragon pero en film (Me refiero a las críticas que recibió Paolini sobre su primer libro), aceptó que como dice un colega, hoy en día hay tantas películas que uno ni puede ser original, pero la verdad está película me gustó no tanto como Wall-E pero la ubicó por esa zona en genero.
Cómicamente Jack se define como limpiador y los guiños de Star trek y Prometeus se ven ya en lo limpio que es la base del protagonista y como es que llega objeto, lo de odisea en el espacio es por una nave y cierto personaje que aparece en la movie. Los llamados carroñeros hacen recordar a los depredadores y su tecnología stealth y hay un momento que parece una escena salida de MadMax y sin contar que los droides son versiones anteriores de los centinelas de Matrix. De día de la independencia se puede ver la situación e incluso leí una frase hecha en un momento y circunstancia muy parecidas, sin contar el momento de Armagedón.
La relación  de los personajes es muy especial principalmente porque a pesar de vivir juntos son polos opuestos muy distantes entre sí y si bien todo parece tolerancia pura, todo se cae apenas aparece la tercera en discordia que encima tiene papeles de peso para hacer mierda esa relación de cristal.
Por lo que en principio me gustó mucho como presentaron la evolución del personaje Cruise, y este le saca todo el jugo con todo su aire de Misión Imposible y Top Gun.
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La verdad es una película que copia otras movies e incluso funsiona argumentos pero que a pesar de eso no se boicotea a si misma por que tiene dinamismo y versatilidad. Como fan de la Sci-Fi me siento halagado que saliera una movie pochoclera muy buena y no es necesariamente profunda pero que tenga tantos guiños y simplemente te invita a ir a disfrutarla de la mejor manera.
Y encima haciendo que mi dios negro favorito hiciera lo mejor que sabe hacer, actuar. Junto a Sean Connery este maestro no sabe hacer personajes secundarios torpes,sino que  son todos dignos de tener su propia película. Pero que más puedo decir, creo que quedó más que claro que está ensalada rusa me encantó no hacía el fanatismo pero si  logro que el Fanboy en mí  analizara los guiños y los disfrute. Hasta la próxima.

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Cine: Life of Pi


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Hoy voy hablar de una de las películas que gano muy merecidamente varios oscar en la ultima entrega de los mismos, en Mejor efectos visuales, Mejor fotografía, Mejor banda sonora y Mejor directo. Y creo acertado decir que fue una revancha para el director Ang Lee tras algunos traspiés anteriores en lo que respecta a la audiencia norteamericana. Por lo demás esta película se creo un sello propio porque la verdad es una película súper exquisita, es una lástima que no al den en 48 fotogramas ( como el Hobbit), porque  creo que valdría cada centavo que se paga para ir a verla…

Todavia estoy buscando el libro para tener una idea mas global y conocer en mas profundidad a los personajes, ya que es una de las grandes ventajas que veo en el formato de los libros, y de paso podre saber que tan bien adaptada fue. Ya desde el vamos, es una película sobre la supervivencia al estilo Yo soy leyenda o Naufrago donde el protagonista se encuentra consigo mismo y donde  la película entra en la  temática existencial, por lo que creo que es más espiritual que religiosa aunque toca un montón de temas religiosos y hasta hacer ironías sobre ellos sin caer nunca en el escepticismo, ya que en realidad habla de la Fe en general, es una película que vale la pena ver en familia porque si bien tiene alguna que otra escena fuerte el mensaje es un interesante… No lo piensó decir acá porque sería dar spoiler, pero creo que es muy puntual y claro y en la parte del principio y en la parte del final hay cierta línea del dialogo que va tanto para el personaje al que es dirigida la respuesta como para el espectador detrás de la pantalla. Esta película tiene mucho para leer ya que es bastante discursiva y Creo que hay muchas película hablan sobre los temas tratados en está en particular sobre el encuentro consigo mismo en las situaciones mas  inusuales y la prueba a la fe en su miramento mas extremo, pero no hay muchas que sean tan claras, las películas antes mencionadas  tratan sobre la misma área pero tienen una visión muy occidental, sin embargo, Life of PI  peca de ser demasiado oriental, por un lado tenemos a el protagonista principal que es de origen Hindú y por otro lado al directos Ang lee que es Chino y la filosofía oriental se siente por  que se puede apreciar en distintos libros y películas, ademas que  la forma de actuar de las civilizaciones orientales difiere bastante, esto se da ya  que la manera de pensar entre la cultura occidental y Oriental son muy diferentes y por ende sus enfoques abordan la misma problemática de distinta manera, mientras NaufragoYo soy leyenda tratan sobre la desesperación y supervivencia, aquí nos muestra la manera más extrema de encontrarse con uno mismo durante ese mismo proceso por lo que acentua que  son maneras muy diferentes de hablar un mismo tema.

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En lo que respecta al aspecto visual la verdad es que sorprende, la escena de la piscina es genial, incluso uno puede pensar que el tio de Pi esta volando mientras nada, presten atención a esa escena y verán que lo que digo es cierto, aunque hay momentos en que se puede apreciar el CGI como en las viejas épocas hay otras que me hacen acordar a “más allá de los sueños” por su colorido y exquisitez visual, casi todas las escenas suceden en altamar por lo que aprovechan al máximo el hecho de que los peces (que son valga la redundancia los animales que poseen todos los colores del mundo) y no saliéndome del tráiler, en la isla que aparece en esta se pueden ver ambas calidades, por un lado te sentís decepcionado por lo de las suricatas y por otro te maravillas por los colores de esa isla, así como esa escena de la ballena que creo que ha sido la favorita de todos en el tráiler. Algo muy positivo del tráiler fue la selección de la canción de Coldplay, Paradise que la verdad coexistía con cada escena mostrada.

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Incluso tengo que decir que el tráiler no es contraproducente como pasa generalmente cuando muestran escenas que a la larga arruinan la película cuando vas al cine, si bien en el trailer de la película se revela escena muy hermosas eso no afecta lo que vas a ver en la película porque  el dialogo que se plantea entre el espectador y la película es diferente, más profundo e íntimo. Todavía no leí el libro cosa que voy hacer a la mayor brevedad posible pero les puedo garantizar que es una película para que todos vean y reflexionen y puede que a más de un ateo no le guste o si, uno nunca sabe,capaz sea una de las mejores películas que  vi  y considero que  para ustedes será un placer verla y la recomiendo  aún siendo ateo porque lo que importan no son tanto la preguntas  y los porque si no el cómo se llega a las respuesta, y creo que es una de las cosas que plantea esta película sobre la fe que no considero tan descabellado, de todas formas queda en cada uno tomar e interpretar esta película como mejor lo sienta.

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Cine & Tec: Bullet time, o tiempo bala


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El bullet time es un efecto que se caracteriza por su extrema transformación del tiempo y el espacio. Visualiza eventos que normalmente son imperceptibles por la velocidad con la que ocurren, cambiando el ángulo de la cámara mientras los movimientos se ralentizan.

Inicialmente, el efecto era creado a partir de una serie de cámaras fotográficas fijas, colocadas cada una apuntando al sujeto desde posiciones diferentes y con escaso espacio entre ellas. A través de las mismas, se realizaban múltiples fotografías y, posteriormente, la imagen se montaba como una sucesión de fotogramas, intercalando las imágenes sacadas por las sucesivas cámaras. De esta manera, se daba la sensación de que la cámara se movía alrededor del sujeto. Como se sacaban muchas fotografías por segundo, al ser reproducidas posteriormente a 24 fotogramas por segundo se producía el efecto de cámara lenta.

Posteriormente, la técnica fue mejorada con cámaras de vídeo de alta definición y con la postproducción digital. Hoy en dia, esta técnica resulta mucho más sencilla, ya que se utilizan imágenes completamente generadas por ordenador, como en los videojuegos o en las películas de animación en tres dimensiones.

En algunas películas filmadas en vivo, se utiliza una técnica mixta que mezcla las imágenes reales tomadas mediante el sistema descrito al principio con imágenes generadas por ordenador, las cuales sustituyen algunos o todos los elementos grabados para conseguir efectos más espectaculares.

Una de las primeras aplicaciones de bullet time en el cine fue en Kill and Kill Again en 1981:

En 1985, el director Zbigniew Rybcznski utilizó esta técnica en el videoclip Midnight Mover, del grupo alemán Accept, para el cual se situaron 16 cámaras en un círculo, 12º entre cada una, todas enfocadas hacia el centro. Además, se sincronizó su funcionamiento, de manera que todas rodaran al mismo tiempo. La edición fue laboriosa: se tomó un frame de cada cámara y se rotaron los fotogramas a una velocidad muy rápida. Sin embargo, cuando los editores de la MTV vieron el vídeo, consideraron que el resultado final era demasiado rápido. Finalmente, se accedió a difundir el video, pero se rodaron unos planos más suaves para insertar y se dejó el bullet time para un par de escenas solamente.

 El director Michel Gondry utilizó esta técnica ya con la implementación de tecnología digital. En 1995 realizo el videoclip “Like a Rolling Stone” de los Rolling Stones, así como también una publicidad para Smirnoff en 1997:

Sin embargo, esta técnica fue popularizada considerablemente en 1999 por la película The Matrix, de los hermanos Wachowski, al punto que Warner Brothers la registró como marca.

— Rafael Fiorucci

Lo que nos dejó el 2012: lo mejor en cine, series, animé, videojuegos, historietas y música


dos

Se acabó otro año y arrancó el 2013. Para celebrar la ocasión, compartimos con ustedes los ‘top 5’ personales de la mayoría de los autores de esta página. Cada uno se concentró en un medio en especial, así que el post que sigue es de lo más variado: hay films, comics, música, series, animés, de todo. Espero que sigan con nosotros, Fanboys y Fangirls, y que tengan un excelente 2013. Por lo pronto, les dejamos las listas. ¡Que las disfruten!

CINE

Sangre de mi sangre: Esta épica urbana del director portugués João Canijo retrata a una familia que vive en un barrio marginal en las afueras de Lisboa. Canijo nunca observa a sus personajes con condescendencia o lástima. Prefiere perseguirlos atentamente por las calles de la ciudad, los dormitorios de sus hogares y los vaivenes de sus oscilaciones emocionales. La cámara registra encuentros y desencuentros amorosos, revelaciones asombrosas y las barreras infranqueables entre clases sociales. Se trata de un territorio temático propio de las telenovelas o culebrones, como observó el crítico Quim Casas, pero esta apropiación del territorio telenovelezco no es un simple juego intelectual. Es decir, Canijo no se coloca por encima de su material narrativo, no toma una distancia irónica o superior, sino que abraza la emotividad y expresividad propias del género y le agrega la presencia de una cámara tan sensible como los personajes, una cámara que busca, vuela, encuadra varios cuerpos a la vez y se desplaza libremente por el ambiente del film. Aunque no se trata de la misma propuesta estética, la película de Canijo remite al proyecto del también portugués Pedro Costa. Ambos cineastas parecen explorar, entre tantas otras cosas, las formas en que nuestros alrededores inmediatos, la disposición de nuestros barrios y casas y el trazado sociopolítico de nuestro mapa urbano afectan el flujo diario de nuestros días.

Tabu: Son comunes las películas sobre el cine, pero en este caso no se trata de un mero divertimento nostálgico y cinéfilo. Aunque sea divertido encontrar y descifrar las numerosas citas y referencias (empezando por la del título, guiño al Tabu de Murnau y Flaherty) está claro que la intención no es (o no lo es solamente) apelar al reconocimiento de algunos entendidos, sino generar algo así como un aura, una atmósfera arcaica y onírica, sugerida por los ecos cinematográficos del pasado. La película arranca en la Lisboa actual, donde Pilar, una cuarentona solitaria y religiosa, se preocupa por su octogenaria vecina, la irritable y racista Aurora. Cuando fallece esta última, aparece su antiguo amante, un tal Ventura, quien se dedica a contar su historia de amor con Aurora en una colonia africana a principios de la década del 60. El resto de la cinta transcurre en este paisaje pretérito, donde ya se advierten los primeros indicios de lo que sería la Guerra Colonial Portuguesa. Este desplazamiento en el tiempo, esta vuelta al pasado, es también un paseo por la imaginación y los sueños. La África colonial que advertimos en la pantalla es el mismo mundo irreal y fantasioso que Pilar, al principio de Tabu, disfruta en un cine de Lisboa. Al escuchar las palabras de Ventura, Pilar es transportada a una construcción idealizada e imaginaria del pasado colonialista de su país, armada a partir de fragmentos difusos, pedazos de películas y trozos anecdóticos.

Erase una vez en Anatolia: Un policial en cámara lenta. La película sigue la pesquisa de un grupo de policías, doctores, fiscales, gendarmes y sepultureros, quienes recorren las rutas del solitario paisaje turco en busca de la tumba de un muerto. Son guiados por el presunto asesino, quien se intoxicó la noche del crimen y ahora no puede recordar dónde ocultó el cuerpo. La noche se extiende, la investigación se frustra y los involucrados se entretienen con conversaciones tangenciales. Surgen caminos narrativos insospechados: conocemos las penas de un viudo, los reclamos del mandamás de un pequeño pueblo y los gestos desganados de un doctor. Más que nada, recordamos el zigzagueo de los automóviles por las colinas, sus faros oponiéndose a la oscuridad.

Escuela Normal: El documental de Celina Murga es una pequeña obra. No es una película descollante ni pretende serlo, e inmediatamente luego de verla, puede dar la impresión de ser un film intrascendente. Pero es inmensamente sugerente y sus compactos 88 minutos no tienen desperdicio. Ofrece la posibilidad de ver cómo unos adolescentes empiezan a construir su conciencia política, al participar en las elecciones del centro de estudiantes de la Escuela Normal de Paraná. Murga articula su material documental con tanta destreza que el resultado parece ser un film de ficción. Cada toma es tan exacta y cada diálogo tan preciso, que las escenas parecen predeterminadas por un guión. No es el caso, obviamente, y la directora logra además la proeza de estructurar minuciosamente su documental sin restarle naturalidad al retrato. Es un film político, sin ser militante ni antipolítico. En cambio, observa sutilmente la necesidad esencial del proceso democrático y el despertar de las ideas en los rostros de los jóvenes.

Cosmópolis – La invención de Hugo Cabret: Pequeña trampa: mi lista de cinco películas termina con un puesto compartido. Cosmópolis, aunque no me haya gustado en su momento, se resiste al olvido, y Hugo Cabret me pareció la mejor película-espectáculo del año. La primera es una adaptación de la novela de Don DeLillo y resulta ser un experimento terriblemente incómodo. Por un lado, el director David Cronenberg adaptó el libro original de la manera más burda posible: mantuvo intactos casi todos los diálogos y obvió la mayoría de los pasajes descriptivos. Los personajes de DeLillo tienden a interactuar como si fueran extraterrestres, como si sus palabras desnudaran siempre su fracaso de comunicar lo que pretenden. Es más fácil aceptar esta estética radical sobre una página impresa, pero en una película, el texto original tiene que ser interpretado por actores y lo extraño del lenguaje se torna casi insoportable. La estrategia de Cronenberg es nunca matizar la rareza de los diálogos: los actores parecen narcotizados, estupefactos ante la verborragia del guión. El film, como la novela, persigue a un joven multimillonario durante su viaje en limusina a través de Manhattan. Su destino es la peluquería de su niñez. A partir de este esquema básico, DeLillo y Cronenberg exploran la irrealidad e inmaterialidad del universo del protagonista, un especulador de Wall Street que vive en una nube de números y ecuaciones abstractas. Hugo Cabret, mientras tanto, no tiene nada de incómodo, salvo quizás su metraje. Se trata de otra adaptación literaria, en este caso de un libro de Brian Selznick, el cual, según el mismo autor, resiste cualquier categorización: no es ni un libro, ni un libro ilustrado, ni un cómic, ni una película, sino una combinación de todos estos medios. Aunque el film de Martin Scorsese pertenece claramente a un solo medio, conserva el mismo dinamismo: es un film para niños; es una superproducción en 3D; es una historia mínima sobre un adolescente solitario y huérfano y su relación con Georges Méliès, un cineasta olvidado y empobrecido; es una fantasía pseudo-histórica sobre los inicios del cine; y es una reflexión sobre el futuro y el pasado de un medio, que representa las primeras imágenes del cinematógrafo a través de los más avanzados efectos especiales de la era digital y tridimensional.

— Guido Pellegrini

CINE Y TECNOLOGÍA

En este breve informe, quiero mencionar algunas de las peliculas que en el 2012 se destacaron en la utilización de la técnica y tecnología cinematográfica.

Frankenweenie: Esta película tuvo una increíble utilización del stop motion a través de la genialidad de Tim Burton. Para su realización, los animadores tuvieron que manipular manualmente los objetos y/o personajes y fotografear cada pequeño desplazamiento para generar la sensación de movimiento. Para lograr esto, los animadores detuvieron y posicionaron los personajes y objetos 24 veces por segundo de película. Este film demoró dos años de realizacíon y se necesitaron alrededor de 33 animadores, que en su mayoría trabajaron individualmente. 

El Hobbit:  Esta película nos trajo muchas innovaciones en cuanto a técnicas y tecnologías cinematográficas. Pero lo que merece una mención aparte es su grabación a 48 fotogramas por segundo (fps) en lugar de los clásicos 24 del cine tradicional. Esto se logró gracias a la línea de cámaras Red Epic, que permiten grabar hasta 120 fps. Lo que Peter Jackson  buscó fue un mayor realismo en los movimientos en tres dimensiones, tanto en los actores como en los personajes computarizados.

Batman: El Caballero de la Noche Asciende: Nuevamente, Christopher Nolan volvió a grabar varias escenas de su film en formato Imax.  Esta tecnología usa una película de 70 mm (en vez de los 35 mm del cine tradicional) para lo cual se utilizan cámaras más grandes y complejas. Gracias a esta tecnología, Nolan rodó escenas con mayor nitidez y brillo para proyectar en una gran pantalla con una calidad de sonido superior.

Las Aventuras de Tintin: Para llevar a cabo esta película, el director Steven Spilverg decidió utilizar la técnica de captura de movimiento en 3D para crear personajes animados a través de actores reales. Para lograr esto, filmó a los actores con electrodos conectados a una computadora y, luego, estas imágenes fueron convertidas en una animación. El capitán Haddock fue interpretado por Andy Serkis, uno de los actores más versados en esta técnica y el realizador de Gollum y King Kong. 

Star Wars Episodio 1 – La Amenaza Fantasma 3D: Mas allá de que esta película fue un reestreno de la exibida en 1999, no quiero dejarla afuera, ya que, como las dos partes que la siguieron, fue en su momento un gran aporte al avance de la tecnologia digital aplicada al cine. Para ella, se crearon novedosos efectos visuales, decorados e incluso personajes, y se cambiaron también las técnicas de filmación y los procesos de postproducción.

— Rafael Fiorucci

SERIES

Sherlock: La serie inglesa que adapta a los tiempos modernos las aventuras de Sherlock Holmes sigue desbordando calidad por todos los poros. El tándem Cumberbatch – Freeman merece quedar en los anales de la televisión.

Breaking Bad: En realidad, sólo vimos la primera mitad de la última temporada, la cual cuenta las andanzas de Walter White. Ya con su descenso moral casi consumado, y asumiendo el rol de Heisenberg, Walt se juega el todo por el todo para ser el líder de la metanfetamina.

Spartacus: Vengance: La segunda temporada (o tercera, si se tiene en cuenta la temporada 0) del mítico gladiador que puso en jaque al Imperio Romano. A pesar de arrastrar el lastre de la muerte de su actor protagonista (Andy Whitfield), y su posterior remplazo (por Liam McIntyre), la serie mantuvo el nivel al que nos tenía acostumbrados. El próximo enero saldrá al aire la última temporada.

Game of Thrones: La llamada “Sopranos de la nueva era” la sigue rompiendo. Una gran producción, con buenísimas actuaciones y vestuarios, que últimamente nos brindó representaciones impresionantes de asedios a reinos enteros.

The Walking Dead: Después de la aburridísima segunda temporada, muchos le habían perdido la fe a esta serie. Es por este motivo que la tercera temporada sorprendió a todos, brindando un nivel de calidad que fue creciendo con cada capítulo, especialmente a través de la maduración del protagonista y de la inclusión de uno de los personajes más queridos del comic.

Mención Especial:

Arrow: Sin duda, la sorpresa televisiva del año. Nadie daba dos mangos por esta serie (me incluyo) porque todos esperábamos una bobada como Smallville. Nada resultó estar más lejos de la realidad. La serie le debe mucho al Batman de Nolan y muestra una trama adulta, al punto que el superhéroe en cuestión llegó a matar. Recomendable.

— Jorge Machidio

ANIMÉ 

Sword Art Online: Una nueva serie que recuerda a la saga multimediática .hack. A través de un juego tipo MMORPG (más específicamente, de híper realidad) las mentes de los jugadores son transportadas a un mundo virtual creado para el ocio. Pero hay un problema: para despertar nuevamente en la realidad, los jugadores deberán terminar el juego. Y si mueren en el juego también lo harán en la vida real.

Hunter X Hunter (2011): Si bien es una serie que apareció en el 2011, el año pasado atravesó una de sus etapas más emotivas: el arco argumental de Genei Ryodan. Tengo que admitir que las mejoras en el 2012 no fueron sólo visuales sino también argumentales, ya que los arcos argumentales conectaron de forma satisfactoria.  Anteriormente, dichos arcos me habían parecido bloques inconexos, en parte porque el manga original todavía no había desarrollado ciertas partes de la trama, algo que suele suceder cuando la publicación de un manga es concurrente con la transmisión del animé.

One Piece: Otro animé que está desde hace tiempo. En este caso, creo que los episodios emitidos en el 2012 estuvieron beneficiados por la etapa de la trama que se está contando, aunque los personajes fueron víctimas de varios retoques visuales. De todas formas, Luffy y Cía aparecieron en una nueva película de One Piece, lo que multiplicó su presencia a lo largo del año.

Haiyoru! Nyaruko-san: La historia toma prestados los personajes de los mitos de Cthulu creados por H.P. Lovecraft, siendo Nyaruko un mote cariñoso para Nyarlathotep. El protagonista es un joven común y corriente llamado Mahiro Yasaka, quien es salvado de malvados extraterrestres por Nyaruko… que también es una extraterrestre. Advierto que se trata de una serie más juvenil que las que nombré anteriormente y que es un animé tipo harem.

Accel World: Accel World es el nombre del mundo virtual donde un estudiante –víctima de bullying– se convierte en un héroe. La historia se desarrolla en el año 2046, cuando la tecnología ha logrado que las experiencias heroicas del protagonista sean inseparables de su realidad.

Menciones especiales de dibujos animados:

Avatar, la leyenda de Korra: Capaz una de las mejoras secuelas para una serie que haya visto en mucho tiempo. Con la Leyenda de Aang ya terminada, continúa la historia con una nueva Avatar, pero ésta es la antítesis de su predecesor, tanto en sexo como en poderes. Además, la trama se desarrolla inversamente, ya que, mientras Aang viajaba por el mundo, Korra encuentra toda la acción en una sola ciudad.

Young Justice (2º temp): Una grata sorpresa de parte de DC, si bien no es nuevo y también es conocido que DC le gana en todo lo que es animación  a Marvel, nunca pense que pudieran elevar tanto el nivel como lo hicieron con Young Justice si bien esperaba un Teen Titan con elemento de Justicia ilimitada, no esperaba una serie tan bien pensada para el publico adolecente/adulto..

y lo que se viene en el 2013 (spoilers)

— <a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

VIDEOJUEGOS

The Walking Dead: The Game: Los muchachos de Telltale Games nos demostraron otra vez que saben lo que hacen. Realmente nos ponen en la piel de los protagonistas con este gran juego, dividido en 5 episodios descargables individualmente o disponibles todos juntos en forma de combo.

Borderlands 2: De la mano de 2k Games y Gearbox, tenemos una segunda parte que duplica todo lo que nos ofreció la primera entrega. La mejor manera de hacer una secuela.

The Journey: Un juego cautivante en todo sentido: música y jugabilidad se mezclan para que el jugador no pueda detenerse hasta llegar al final.

Mass Effect 3: Un juegazo que concluye el viaje de Shepard y que cierra la trama con un final que no fue aceptado por todos los jugadores. Hace poco, salió a la venta la trilogía completa de Mass Effect presentada como una sola y larga aventura, para poder empezar de cero y atravesar sin pausas toda la historia desde la primera hasta la última parte.

Diablo 3: La nueva secuela de uno de los grandes RPGs de acción de todos los tiempos, hecha realidad luego de varios años de espera…

— Jorge Dottavio

MÚSICA
(Prioridad en películas musicales u OST)

Rock of Ages: Tras tanto esperar esta película, la elijo antes que cualquier otra porque hacía falta una cinta musical con temas de hard rock de los 80s. Como agregado, la actuación de Tom Cruise como Stacee Jaxx es muy buena…

Batman: El Caballero de la Noche Asciende (OST): Hans lo hizo una vez más. El mismo compositor que trabajó en las otras películas de Batman supo marcar los ritmos de la última cinta y la personalidad de los personajes. Si escuchan el tema de Gatúbela, les parecerá tan sutil como el caminar de un gato. Lo volveremos a escuchar a este compositor en la nueva de Superman…

El Hobbit (OST): Está muy bien lograda y crea el mismo ambiente que su predecesora. La canción de los enanos tiene la misma mística que antes y nos transporta a la Tierra Media. Y si uno ve la película en 3D, a 48 fotogramas por segundo, la música te mete prácticamente en medio de la pelea…

Rata blanca 25 años (concierto): 25 años de historia en el rock local no es poco, además de ser una de las bandas argentinas más reconocidas del mundo, más que nada en Latinoamérica. Festejaron a lo grande en el Lawn Tennis de Palermo.

Edguy (concierto): Uno de sus mejores recitales (en mi opinión). La banda no lo podía creer y cambiaron el setlist por pedido del publico…

— Guillermo Sanchez 

HISTORIETAS & COMIC

Dora Vol 2.:  Recopilación en libro de la segunda parte de la historieta de Ignacio Rodríguez Minaverry, previamente publicada por entregas en la revista Fierro. En “El año próximo en Bobigny”, Dora sigue buscando su identidad en la agitada Francia de los ’60. Narración magistral, bellamente ilustrada.

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The Walking Dead: El comic de Robert Kirkman y Charlie Adlard que dio origen a la serie televisiva y al furor por los zombies en todo el mundo no deja de sorprendernos. Con 105 números a cuestas, la historia va ganando en complejidad y oscuridad, y tiene bien ganado su lugar de nuevo clásico del género. Fundamental.

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Titeuf: ¡Por fin podemos disfrutar en nuestro idioma de esta maravillosa obra de Zep! Titeuf es un chico de 8 años a veces bromista, a veces inquieto, que nos ofrece una divertidísima visión del mundo de los adultos. Gran edición local para uno de los éxitos más grandes de la historieta franco-belga.

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Coca, Ramón y Fernet:La gran sorpresa en el mundo del humor gráfico la dio Juan Bobillo –que ya nos había acostumbrado a la aventura con Anita, la hija del verdugo y sus trabajos para Marvel y Europa- con su primera tira cómica. Publicada en la revista Hecho en Buenos Aires y recopilada en libro por el sello Agua Negra, los delirios cotidianos de esta pareja y su perro/gato (no se sabe bien qué es) ya se han vuelto una saludable costumbre.

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Kick-Ass: No es nuevo, pero tuvo este año su edición local y es gran comic para recomendar. Mark Millar (guión) y John Romita Jr. (dibujos) le dan una vuelta al género superheroico con la historia de Kick-Ass, Hit-Girl y Big Daddy y sus intentos por salvar el día. No importa si no te gustó la peli o si no te interesan los superhéroes: Kick-Ass, como toda buena historia, está más allá de los géneros.

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–Javier Hildebrandt

Cine & Tec: La captura de movimiento


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Antes de hablar de la captura de movimiento como la conocemos hoy, tenemos que mencionar sus orígenes. En 1912 se inventó el Rotoscopio, un aparato que permitía filmar escenas reales y luego proyectarlas sobre un soporte semitransparente para calcar los personajes de la escena cuadro por cuadro y crear la animación. Así, se transmitía al dibujo la naturalidad y secuencialidad de movimientos, expresiones, luces, sombras y proporciones propias de una filmación, con un movimiento prácticamente igual al del mundo real.

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La película Blancanieves y los siete enanitos (1937) fue el primer largometraje animado de Walt Disney que se realizó con esta técnica. También, para la primera trilogía de Star Wars, se usaron técnicas rotoscópicas para dibujar el haz de láser de los sables de luz sobre las escenas ya filmadas con los actores, quienes portaron palos durante el rodaje de las luchas. Otro claro ejemplo de esta técnica lo podemos encontrar en el video Take On Me, del grupo noruego A-ha.


La rotoscopia se sigue utilizando hoy en día gracias a la rotoscopia 3D, que permite copiar las expresiones de los rostros humanos para luego traspasarlos a los de personajes tridimensionales. Esta tecnología se empleó para el personaje de Gollum en El señor de los anillos, cuyas expresiones faciales no se lograron con capturas de movimiento sino mediante animación. Para esto se utilizaron las tomas en las que había participado el actor Andy Serkis, ya que eran mejores que las tomas sin el actor, para luego borrarlo digitalmente y superponer a Gollum sobre los movimientos de Serkis, fotograma por fotograma.

En cuanto a la técnica de captura de movimiento, sirve para almacenar movimientos digitalmente. Su objetivo es grabar o registrar una acción o movimiento para posteriormente reproducirlo o modificarlo a través de la tecnología digital. La captura de movimiento puede ser tanto corporal como facial, ya que el concepto que se aplica es siempre el mismo: una cámara interpreta la información que trazan los sensores y traduce los datos a un formato digital. Los sensores, unas bolitas reflectoras conocidas como marcadores, se colocan estratégicamente en el cuerpo del actor, y las cámaras están ubicadas de forma tal que los marcadores pueden detectarse sin importar la posición del actor.

Aunque actualmente muchas películas implementan esta técnica, El Expreso Polar (2004) fue el primer film que se realizó completamente con captura de movimiento, mientras que Jar Jar Binks, de Star Wars Episodio 1 (1999), fue el primer personaje creado a partir de esta técnica. En Avatar (2009), se introdujeron varias innovaciones para su rodaje, ya que se inventó un sistema de captura facial en el cual los actores llevaban cascos con cámaras de vídeo de alta definición que apuntaban directamente a sus rostros.

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http://www.citytv.com.co/videos/38244/motion-capture-la-tecnica-empleada-para-la-realizacion-de-avatar

Cine & Tec: El Cine Digital


La tecnología digital se utiliza para grabar, distribuir y proyectar películas. La captura digital se puede producir en cinta de video, discos duros, memoria flash u otros medios que pueden grabar datos digitales.

En el cine digital, las resoluciones son representados por el número de píxeles horizontales, normalmente 2K (2048 × 1080 o 2,2 megapixeles) o 4K (4096 × 2160 o 8,8 megapíxeles) y para proyectar cine digital hay dos tecnologías que cumplen con las especificaciones, una es la tecnología DLP Cinema desarrollada por Texas Instruments y la otra SXRD de Sony.

Los inicios del cine digital: los podemos encontrar en los ’80 con varios proyectos cinematográficos experimentales. La primera película que utilizó secuencias generadas por computadora fue Tron, producida por Disney en 1982 en la cual se utilizaron casi treinta minutos de animación generada por computadora, en combinación con los personajes de la película. Pero no fue hasta los ’90 donde la industria cinematográfica tomó en cuenta esta tecnología con grandes producciones, como las nuevas películas de Star Wars o Matrix, hasta la películas hechas íntegramente en computadora, de la mano de Pixar (Toy Story 1995).

Steven Spielberg, fue uno de los primeros directores que utilizó estos recursos en grandes superproducciones, mas en concreto, en su film Jurassic Park (1993), donde se utilizaron  imágenes creadas por ordenador; y la compañía de efectos especiales de George Lucas, “Industrial Light and Magic”, introdujo la tecnología digital en todos sus ámbitos de trabajo, así, gran parte de las imágenes de Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma (1999) fueron producidas por ordenador e integradas con otras filmadas en negativo de 35 mm.

En mayo de 2001 Erase una vez en Mexico de Robert Rodríguez  se convirtió en la primera película conocida que se rodará en alta definición de video digital a 24 cuadros por segundo con una resolución de 1920×1080, usando una cámara Sony CineAlta HDW-F900, pero en mayo de 2002 Star Wars Episodio II: El Ataque de los clones filmada con la misma cámara se convertiría en la primera película comercial que se creara a través de un proceso completamente digital, desde la filmación hasta la proyección.

Con el impulso del cine digital se creó en marzo del 2002 la Digital Cinema Initiative (DCI) un proyecto conjunto de muchos estudios de cine (Disney, Fox, MGM, Paramount, Sony Pictures Entertainment, Universal y Warner Bros) para desarrollar una especificación del sistema de cine digital.

Algunas diferencias entre cine digital y cine tradicional: El cine digital se graba utilizando una representación digital del brillo y el color en cada píxel de la imagen, en lugar de quedar fijada por emulsión química en el filme de celuloide tradicional. Utilizando los bits y los octetos bytes (cadenas de 1s y de 0s) para registrar, transmitir y reproducir imágenes y sonido, en vez de usar los átomos de los productos químicos de las películas.

Cuando se filma en formato de película celuloide, la respuesta a la luz es determinada por la  película que se elija, en contraste, cuando se graba digitalmente, la  respuesta a la luz se determina por el sensor CMOS o CCD de la cámara.

Las cámaras de cine tradicional no presentan dificultad para filmar en situaciones de alto contraste lumínico, como la luz del sol directa. Mientras que el cine digital ofrece un mejor rendimiento que la película en condiciones de poca luz, lo que permite menos luz y en algunos casos iluminación natural, práctico para rodar en interiores.  Algunos directores han optado por elegir la mejor opción para cada caso, usando el vídeo digital para las grabaciones nocturnas y en interiores, y la tradicional película cinematográfica para exteriores de día.

Las ventajas del cine digital frente al celuloide: La tecnología digital presenta una serie de ventajas en su procesamiento aunque principalmente la reducción de costos es su principal ventaja en relación con el cine de celuloide.

La visualización en el set es una ventaja ya que podemos ver las imágenes que se grabaron de inmediato, lo cual es imposible con la película fílmica ya que no se puede ver hasta que la película se procesa.

En el proceso de copiado para distribuir a las salas, las copias en fílmico pierden generaciones en cada copia ya que le introducen algo de degradación. En cambio las copias digitales son como copias de archivos de ordenador, no tienen pérdidas de generación. También al contrario que los rollos de película de 35 mm la calidad de la primera presentación en el cine es exactamente la misma que la centésima vez que es proyectada, no hay ralladuras ni deterioro de color o calidad de sonido.

Las películas fílmicas tienen que ser montadas y después manipuladas con cuidado para que no se deterioren demasiado, en digital su transporte y previsión de copias es infinitamente más sencillo, la película puede ser transportada con facilidad de unos cines a otros, ya que cada película se ingesta en el ordenador de cada proyector y con un simple play la película arranca.

Proyector Sony 4K

Proyector Sony 4K

Para el cine independiente, la invención a mediados de los ’90, de las cámaras digitales MiniDv de definición estándar,  junto a los softwares para edición en ordenadores personales, permitió a un gran número de personas empezar a hacer películas que antes no pudieron por los altos costos de rodaje, generalmente para proyectar circuitos más independientes y festivales de cine.

En cuanto al cine comercial, también presenta una gran diferencia de costos en el material para las cámaras en alta definición, a diferencia de la película de 35mm. Un ejemplo de esto lo menciona Rick McCallum, productor de Star Wars Episodio II: El Ataque de los clones  quien  comentó que la producción pasó $ 16.000 para 220 horas de cinta digital, donde una cantidad similar de película hubiera costado $ 1,8 millones.

Pero no solo en el rodaje se ahorra, en la post-producción el video digital permite una infinidad de posibilidades, impensables o extremadamente costosas usando técnicas fotoquímicas como el film óptico tradicional. También al distribuir y exhibir una película, la distribuidora en fílmico tiene que llevar su película a los laboratorios donde la copian con un costo bastante elevado, y, en el caso de que quisiera varios sistemas de sonido (Dolby Digital, DTS o SDDS), la copia se eleva muchísimo.

La tecnología de las cámaras: Sony se lanzó a comercializar el concepto de cine digital ya a finales de los 80, usando cámaras HDTV analógicas basadas en tubos, pero no fue hasta 1998 que la industria tomo en cuenta este medio cuando se comercializaron cámaras CCD de 1920×1080 pixeles que incluían grabadoras Hd Digital Betacam. También la posibilidad de grabar a 24P (progresivo) cuadros por segundo similar a los 24 fotogramas por segundo del cine, permitió un aspecto muy similar al que se obtiene con celuloide tradicional.

Hoy las cámaras logran resoluciones de 2K (2048 × 1080 pixeles) 4K (4096 × 2160pixeles) 5K ( 5120×2700)  y ya se comienzan a desarrollar cámaras a 8k (7.680 × 4.320 píxeles) como la Sony F65. Por esta razón el futuro de las cámaras parece digital. Debido a esto, en los últimos años las principales marcas de cine tradicional anunciaron que solo fabricarían cámaras para cine digital.

Los sensores de las cámaras: Las cámaras digitales cuentan por lo general con dos tecnologías de sensores. se trata de los CCD (Charge Coupled Device) o CMOS(Complementary Metal Oxide Semiconductor).

Su función es la de acumular una carga eléctrica en cada una de las celdas de esta matriz. Estas celdas son los llamados píxeles. La carga eléctrica almacenada en cada píxel, dependerá en todo momento de la cantidad de luz que incida sobre el mismo. Cuanta más luz incida sobre el píxel, mayor será la carga que este adquiera.

Aunque en su esencia, los CCD y CMOS funcionan de una manera muy similar, hay algunas diferencias entre ambas tecnologías: El CCD es una tecnología mejor desarrollada, por lo que ofrece mejor color, es más real en sus tonalidades y es totalmente confiable. El CMOS es una tecnología más nueva por lo que es menos confiable, es más económica, tiene menos nivel de ruido y ofrece mejor rango dinámico. La tecnología actual ha hecho que el sensor CMOS (en teoría, inferior al CCD) se acerque a una calidad muy semejante al CCD por lo que, para el ojo humano, las diferencias son casi imperceptibles.

Las cámaras pueden tener tres sensores de distintos tamaños, ya sea de 1/3 para cámaras semi profesionales y de “2/3 profesionales, menor a estos tamaños podemos considerarlas hogareñas. Su funcionamiento está dado por un prisma que descompone la luz en los tres colores primarios R,G,B, y cada sensor se encarga de capturar uno de estos colores

Estos diseños ofrecen beneficios en términos de separación de colores y persiana, pero son incompatibles con las lentes de cinematografía tradicionales y son incapaces de alcanzar 35 mm de profundidad de campo a menos que se utilize con adaptadores de profundidad de campo, que se traducen en una pérdida de luz. Nuevas líneas de gama alta, tales como las lentes DigiPrimes Zeiss se han desarrollado con estas cámaras en mente.

Los fabricantes de cámaras de cine digital han optado por utilizar un solo chip, que por lo general es un CMOS con filtro Bayer. La idea de utilizar un solo chip es para poder hacerlo compatible con los lentes de cine, reducir el tamaño de la información y aumentar el rango dinámico. Hay dos tamaños utilizados para los CMOS, de 16 y 35 mm. En realidad el sensor de 16mm mide lo que mide el cuadro en una película de 16 mm, es decir casi 12 mm y el sensor de 35 mm mide lo que mide el cuadro de 35mm, es decir 24mm.

Sensor CMOS

La configuración de 1CMOS funciona de una forma diferente a la de 3CCD. Para poder captar los colores, existe un filtro Bayer adelante del sensor. Este filtro esta dividido para que uno de cada 4 pixeles capte la luz roja(R), uno capte la luz azul(b) y dos capten la luz verde(g). Estos 4 pixeles de colores R,G,G,B son combinados para crear un solo pixel multicolor. Es decir que si una cámara como la RED ONE tiene un sensor con 12 millones de pixeles, 3 millones captaran la luz roja, 3 millones captaran la luz azul y 6 millones captaran la luz verde, para crear en total 3 millones de pixeles multicolores RGB. Es decir que de los 12 millones de píxeles que promete la RED ONE solo 3 millones son reales y los demás son “inventados”.

El desarrollo Digital en Star Wars: La producción de Episodio I: La Amenaza Fantasma fue un golpe de innovación en la tecnología digital ya que a partir de esta película se empezó a desarrollar en profundidad esta tecnología en la que tanto había trabajado George Lucas y su empresa.

En el Episodio I, el supervisor de efectos visuales, John Knoll opero un nuevo software de CGI  que permitió la creación de novedosos efectos visuales, decorados, e incluso personajes como es el caso del Jar Jar Binks. También varios de los personajes que aparecen en la pantalla son CGI (por ejemplo todos los pilotos de la carrera de vainas).

Sin embargo uno de los grandes desafíos del proceso no era solo la filmación, que empezaba a ser posible con nuevas cámaras de alta resolución, sino también el proceso de proyección. De nada valía producir una película totalmente digital, si luego había que pasarla a celuloide para visionarla, pero la siguiente película de Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones, se convertirá en el primer film comercial que se creara a través de un proceso completamente digital, desde la filmación hasta la proyección.

El proceso de filmación de Episodio II  se realizó con una nueva cámara digital desarrollada por Panavision y Sony a petición del propio George Lucas, la Panavision HD-900F High Definition Camera System, conocida también como Sony CineAlta.

Las posibilidades de visualizar en el set lo que se estaba filmando, junto a los escenarios generados digitalmente, así como algunos de los efectos, logro que George Lucas pudiera disfrutar de lo que había sido uno de sus objetivos durante varios años, poder visualizar en el propio momento de la filmación, la composición que tenía en su mente, y así poder corregirla en el momento. Esa inmediatez fue una ruptura total con los métodos tradicionales de filmación, ya que estos requerían la espera del revelado del celuloide, además de hacer imposible cualquier añadido digital hasta el momento de postproducción.

Esta entrega de Star Wars fue un gran avance en el CGI y los efectos visuales. Todos los efectos visuales fueron generados digitalmente, e incluso planetas y razas enteras (como Geonosis y sus habitantes) fueron creados por ordenador. En esta entrega incluso el Maestro Yoda fue creado de principio a fin por medio de las más novedosas técnicas de generación digital.


El Episodio III: La Venganza de los Sith, se grabó con una nueva cámara la HDC-F950 de la serie CineAlta de Sony. La preproducción fue con animaciones en lugar de los clásicos story board y una producción con una filmación en digital mucho más depurada y ágil.

Los espero en la próxima nota sobre cine y tecnología.

Cine & Tec: El Stop Motion


Con el estreno de Frankenweenie, realizada con la técnica de stop motion, el director Tim Burton vuelve a utilizar esta técnica en una de sus películas. En este informe comentaré de que se trata esta técnica y como se utilizó en esta cinta.

Los orígenes: El stop motion,  es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Sus inicios en el cine los podemos encontrar a través del español Segundo de Chomón, quien recurrió a esta técnica en películas como La Casa Encantada (1906) y El Hotel Eléctrico (1908).

En el año 1912 el cineasta ruso Ladislaw Starewicz,  tuvo la original idea al realizar la película La Venganza del Camarógrafo, usando insectos reales para narrar la historia de una familia de escarabajos.

Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O Brien, quien animó a King Kong en 1933. Discípulo de él, Ray Harryhausen, no se cansaría de usar la lección de su ‘maestro’ para innumerables criaturas en películas como La isla misteriosa, 1961 o Jasón y los Argonautas, 1963.

En 1979 la compañía Industrial Light & Magic aplicó una variante al stop motion inventando el go motion para la película Star Wars Episodio V: El imperio Contraataca. El go-motion consiste en que al modelo u objeto al que se estaba animando se le aplicaba un movimiento mientras se lo estaba fotografiando. De este modo se obtenía en el fotograma una distorsión por movimiento (motion blur)

Un uso destacado del stop motion que les valió un par de Oscars lo podemos encontrar en los trabajos de Aardman Animations: Wallace and Gromit y Chicken Run.

La técnica del stop motion: En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Así pues, el stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, tanto rígido como maleable. Como los juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina, manipulando el muñeco con las propias manos, así como trabajando con otros materiales (plastilina,arcilla, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros…) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.

Podríamos distinguir dos grandes variantes de animación en stop motion: la denominada claymation que es realizada con plastilina o cualquier otro material maleable y la realizada con objetos rígidos.

La animación realizada con material maleable (claymation): Existen dos variantes al usar este material uno es que las figuras se vayan transformando durante el proceso de animación (estilo libre) y la otra es que los personajes mantengan una figura consistente durante el transcurso de la animación esto lo podemos ver en los trabajos de la productora Aardman Animations. En este caso se fabrica un esqueleto articulado que se forra con la plastilina o arcilla permitiendo mover la figura, manteniendo la estructura desde principio a fin.

La animación realizada con objetos rígidos: Al trabajar con este material también podemos encontrar dos variantes. Una es cuando se utilizan personajes con rostros rígidos (parecidos a las marionetas) y articulaciones construidas generalmente con una armadura articulada interna como en el caso de El extraño mundo de Jack, 1993. La otra forma es cuando se utilizan objetos no articulados, generando movimientos mas toscos.

La técnica pixilación: Es una variante en la técnica del stop motion en la que los objetos animados son personas y objetos comunes (no modelos ni maquetas), Estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía, Norman Mclaren fue pionero de esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours. Esta ténica también es ampliamente utilizada en videoclips.

Una variación más del stop motion consiste en realizar animaciones con material gráfico estático, como fotos o recortes de prensa (en su totalidad o en partes). Un ejemplo de esta técnica sería el corto ganador de un Oscar en 1973 Frank Film’s, de Frank Morris

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Tim Burton y el stop motion: Burton utilizó dicha técnica en su primer cortometraje para la compañía Walt Disney titulado Vincent (1982). Su siguiente proyecto Frankenweenie, lo hizo pensando en un largometraje con la misma técnica, pero debido a restricciones en el presupuesto, realizó un cortometraje de acción real, que se estrenó en 1984. Cabe destacar también que a principios de los noventa Tim Burton participó como productor de El extraño mundo de Jack, película basada en sus creaciones artísticas y dirigida por Henry Selick. Su tercera película con esta técnica fue  El cadáver de la novia 2005.

La realización de Frankenweenie: Para este film los animadores debieron detenerse y posicionar los personajes y cada objeto 24 veces para obtener un segundo de filmación . En promedio, un animador podía crear solamente cinco segundos de animación por semana. Terminar el filme les tomó dos años y requirió de las habilidades de 33 animadores, que en su mayoría trabajaron individualmente. Por otro lado, se contó con mas de 200 personajes. Hubo 18 ejemplares de Víctor y 15 de Sparky.

A continuación un extracto de declaraciones de Tim Burton:

“Lo que lo hace diferente de una película de acción real es que todo ocurre muy, muy lentamente. En la acción real uno debe tomar decisiones rápidas todo el tiempo; en stop-motion puede tomar un par de días, o hasta un par de semanas realizar una toma, dependiendo de su complejidad.

Podemos decir que una semana típica de un animador de stop motion empezaba con la asignación de una toma, cada uno de ellos era responsable de todos los personajes de esa toma. Una vez que revisaba la tarea, debía hacer un ensayo o repaso con el director de animación. Ese proceso ayudaba a decidir el movimiento de la cámara, la iluminación y dónde se colocarían los accesorios de la escena. Al día siguiente, el animador tenía tiempo para realizar un ensayo más adecuado, donde podría cerciorarse de los detalles de la actuación y el tiempo.

Gran parte de la investigación y preparación de la película fue para la animación de los dos perros, Sparky y Perséfone. El director de animación, Trey Thomas, junto con su equipo realizaron investigaciones acerca de cómo se mueven los perros, una tarea que incluyó una visita a la exposición Windsor Dog Show, donde pudieron grabar a los perros en acción. Además tuvieron la visita de un bull terrier al estudio y pudieron representar con él algunas escenas de la acción de Sparky, grabándola desde diferentes ángulos.

El animador también pasaba cierto tiempo tensando esa marioneta, lo que implica apretar los tornillos en las extremidades y las articulaciones, con el fin de encontrar lo que funcionaba mejor . Todas las marionetas tenían diferentes niveles de articulación, algunos animadores deseaban una absoluta precisión, por ello empleaban ajustes más apretados; otros preferían un toque suave y para ello buscaban un tensado más flojo. Víctor era el muñeco humano más complejo y el mecanismo de su cabeza contenía no sólo las palas de los labios y la frente, sino también un complicado sistema de llaves allen que permitía que el animador moviera sus mejillas y su mandíbula muy de a poco. Esto le concedió las más sutiles y variadas posibilidades de actuación a este personaje. Otros muñecos, como Elsa Van Helsing y su tío, el Sr. Burgemeister, tenían mucho menos tiempo en la pantalla y no era necesario exhibir la gama de emociones que Víctor requería, por lo tanto los animadores pudieron representar lo que precisaban de ellos sólo utilizando palancas para los labios y las cejas. Sparky también era un muñeco increíblemente complicado. Poseía más de 300 articulaciones en su cuerpo y, debido a la delgadez de sus patas, a menudo necesitaba ser apoyado con un equipo especial para que los animadores pudieran moverlo de manera realista.

Las voces se agregaron al movimiento mediante el uso de herramientas de planeación llamadas hojas de rodaje o dope sheets. que contenían cada fotograma con su diálogo correspondiente. Así, por ejemplo, cuando el personaje decía: “Por favor, siéntate”, el animador notaba que, tan pronto como el personaje finalizaba esta línea, hacía un gesto hacia una silla y luego el otro personaje tomaba asiento. Las hojas de rodaje ayudan a los animadores a organizar sus pensamientos, especialmente cuando hay múltiples personajes en una misma toma y la acción de cada uno de ellos debe ser rastreada, incluso si el personaje sólo parpadea.

El director de animación, Trey Thomas estuvo activamente involucrado. Cada día visitaba el set y ayudaba a los animadores cuando aparecía un desafío. El reto fue lograr que los muñecos se emocionaran y actuaran de manera creíble”.