Cine: The Shining (El resplandor)


El resplandor 3
El gran director Stanley Kubrick se deslumbro en los años 80´ con su film llamado The Shining o conocido en Latinoamérica como El Resplandor, este cuenta la historia de un escritor llamado Jack Torrance el cual se dirige con su mujer Wendy y su hijo Danny  a un apartado Hotel en donde ha conseguido el puesto de vigilante durante los meses de invierno, Jack es advertido por el encargado del Hotel de que el anterior vigilante había perdido la razón, asesinando a su mujer e hijos antes de suicidarse, esto No impresiona en nada a Jack, que poco a poco irá siendo atrapado por la locura de lugar poniendo en peligro la vida de su mujer e hijo.

Sin lugar a dudas esta es una obra maestra del cine de terror, cita obligada para todo cinéfilo, ya que hace referencia a lo paranormal y al terror psicológico, la mescla perfecta llevada a la pantalla grande, esta historia está basada en la novela homónima de Stephen King. La cual fue adaptada por Kubrick en un guion de más de dos horas de duración, donde trato de perfeccionar cada detalle que para aquellos que leyeron el libro se es muy evidente ciertos cambios en los personajes, al igual que en el desarrollo de la trama, tratando de suprimir algunas escenas que alargaban la película y hacían una difícil comprensión, esto molesto a King llegando a decir que Kubrick no sabía lo que era una película de terror, sin embargo los resultados demuestran lo contrario.

Para el papel principal Kubrick escogió a Jack Nicholson quien ya se había lucido en el cine por sus grandes interpretaciones, adaptando a este en el papel de Jack Torrance, para el roll de Wendy, Stanley decidió que este fuera interpretado por Shelley Curall, una actriz poco conocida, quien realizo la mejor interpretación de su carrera, se cuenta que al terminar el rodaje esta se internó en una clínica psiquiátrica debido a la presión a la que estuvo sometida.

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Este Film originalmente contenía una duración por encima de los 140 minutos, a tan solo una semana de su estreno fueron suprimidos casi 20 minutos del final, a partir de la escena donde aparece una foto de julio de 1921, esta es la escena que hasta el momento se conoce como el final, en estos 20 minutos eliminados se narra la llegada de Wendy y su hijo al hospital y una posible confirmación de que la policía encontró un cadáver, el cual pertenecía a el cocinero del Hotel el Sr Hollorarn, mientras que el de Jack nunca fue localizado, creo que comentar estas palabras podría estar de mas, puesto que esto ya no forma parte del producto, aunque si fuera aun así, esto entraría al grupo de acertijos que ya guarda la película.

Luego de dicha modificación en el final, la última escena enfoca una foto del año 1921 donde reconocemos al instante la presencia de Jack, ahora bien nuestra pregunta es ¿Sera en verdad Jack?, ya que el personaje de la fotografía luce una apariencia algo distinta a la del maestro y escritor, pero muy a pesar de todo son los mismos, después de esto se comentaron y especularon muchas cosas, el mismísimo Kubrick años después, en una entrevista dijo que Jack sería una reencarnación del que fue un personal del Hotel Overlook, las razones del porque este anuncio dicha solución aún se desconocen.

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No se puede negar la gran banda sonora con que cuenta esta película, los efectos de sonido dan un suspenso particular que mesclados con las imágenes se convierten en un gran film, algo que es muy evidente dentro del Hotel es el color Rojo u Ocre, estos como haciendo referencia a un posible asesinato o dando a demostrar las marcas de lo que ocurrió hace años en ese lugar.

La palabra invertida de MURDER (Asesinato) escrita por Danny como (REDRUM) al pronunciarse se escucharía RED ROOM (Cuarto Rojo), al ver el fil nos damos cuenta que las tonalidades de rojo son muy evidentes a excepción de la habitación 237, es tanto así la presencia de dicho color que este hace referencia en casi toda la película, desde una prenda la cual lleva uno de los personajes hasta la mínima cosa que resalte en medio de colores claros.

Sin Lugar a Dudas esta película es una muy buena opción para aquellos amantes del cine de terror (en el cual me incluyo), y en mi opinión personal hay que verla más de una vez para poder comprender toda su historia, ya que hasta la mínima cosa mostrada tiene un significado que da en cierto modo sentido a la trama.

Ya para finalizar debo decir que esta película a pesar de tener bastante tiempo estrenada, hoy en día sigue dando de qué hablar, por sus grandes misterios y suspenso, en fin si no la han visto aun, recomiendo que lo hagan.

— Javier Sánchez

Lo que nos dejó el 2012: lo mejor en cine, series, animé, videojuegos, historietas y música


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Se acabó otro año y arrancó el 2013. Para celebrar la ocasión, compartimos con ustedes los ‘top 5’ personales de la mayoría de los autores de esta página. Cada uno se concentró en un medio en especial, así que el post que sigue es de lo más variado: hay films, comics, música, series, animés, de todo. Espero que sigan con nosotros, Fanboys y Fangirls, y que tengan un excelente 2013. Por lo pronto, les dejamos las listas. ¡Que las disfruten!

CINE

Sangre de mi sangre: Esta épica urbana del director portugués João Canijo retrata a una familia que vive en un barrio marginal en las afueras de Lisboa. Canijo nunca observa a sus personajes con condescendencia o lástima. Prefiere perseguirlos atentamente por las calles de la ciudad, los dormitorios de sus hogares y los vaivenes de sus oscilaciones emocionales. La cámara registra encuentros y desencuentros amorosos, revelaciones asombrosas y las barreras infranqueables entre clases sociales. Se trata de un territorio temático propio de las telenovelas o culebrones, como observó el crítico Quim Casas, pero esta apropiación del territorio telenovelezco no es un simple juego intelectual. Es decir, Canijo no se coloca por encima de su material narrativo, no toma una distancia irónica o superior, sino que abraza la emotividad y expresividad propias del género y le agrega la presencia de una cámara tan sensible como los personajes, una cámara que busca, vuela, encuadra varios cuerpos a la vez y se desplaza libremente por el ambiente del film. Aunque no se trata de la misma propuesta estética, la película de Canijo remite al proyecto del también portugués Pedro Costa. Ambos cineastas parecen explorar, entre tantas otras cosas, las formas en que nuestros alrededores inmediatos, la disposición de nuestros barrios y casas y el trazado sociopolítico de nuestro mapa urbano afectan el flujo diario de nuestros días.

Tabu: Son comunes las películas sobre el cine, pero en este caso no se trata de un mero divertimento nostálgico y cinéfilo. Aunque sea divertido encontrar y descifrar las numerosas citas y referencias (empezando por la del título, guiño al Tabu de Murnau y Flaherty) está claro que la intención no es (o no lo es solamente) apelar al reconocimiento de algunos entendidos, sino generar algo así como un aura, una atmósfera arcaica y onírica, sugerida por los ecos cinematográficos del pasado. La película arranca en la Lisboa actual, donde Pilar, una cuarentona solitaria y religiosa, se preocupa por su octogenaria vecina, la irritable y racista Aurora. Cuando fallece esta última, aparece su antiguo amante, un tal Ventura, quien se dedica a contar su historia de amor con Aurora en una colonia africana a principios de la década del 60. El resto de la cinta transcurre en este paisaje pretérito, donde ya se advierten los primeros indicios de lo que sería la Guerra Colonial Portuguesa. Este desplazamiento en el tiempo, esta vuelta al pasado, es también un paseo por la imaginación y los sueños. La África colonial que advertimos en la pantalla es el mismo mundo irreal y fantasioso que Pilar, al principio de Tabu, disfruta en un cine de Lisboa. Al escuchar las palabras de Ventura, Pilar es transportada a una construcción idealizada e imaginaria del pasado colonialista de su país, armada a partir de fragmentos difusos, pedazos de películas y trozos anecdóticos.

Erase una vez en Anatolia: Un policial en cámara lenta. La película sigue la pesquisa de un grupo de policías, doctores, fiscales, gendarmes y sepultureros, quienes recorren las rutas del solitario paisaje turco en busca de la tumba de un muerto. Son guiados por el presunto asesino, quien se intoxicó la noche del crimen y ahora no puede recordar dónde ocultó el cuerpo. La noche se extiende, la investigación se frustra y los involucrados se entretienen con conversaciones tangenciales. Surgen caminos narrativos insospechados: conocemos las penas de un viudo, los reclamos del mandamás de un pequeño pueblo y los gestos desganados de un doctor. Más que nada, recordamos el zigzagueo de los automóviles por las colinas, sus faros oponiéndose a la oscuridad.

Escuela Normal: El documental de Celina Murga es una pequeña obra. No es una película descollante ni pretende serlo, e inmediatamente luego de verla, puede dar la impresión de ser un film intrascendente. Pero es inmensamente sugerente y sus compactos 88 minutos no tienen desperdicio. Ofrece la posibilidad de ver cómo unos adolescentes empiezan a construir su conciencia política, al participar en las elecciones del centro de estudiantes de la Escuela Normal de Paraná. Murga articula su material documental con tanta destreza que el resultado parece ser un film de ficción. Cada toma es tan exacta y cada diálogo tan preciso, que las escenas parecen predeterminadas por un guión. No es el caso, obviamente, y la directora logra además la proeza de estructurar minuciosamente su documental sin restarle naturalidad al retrato. Es un film político, sin ser militante ni antipolítico. En cambio, observa sutilmente la necesidad esencial del proceso democrático y el despertar de las ideas en los rostros de los jóvenes.

Cosmópolis – La invención de Hugo Cabret: Pequeña trampa: mi lista de cinco películas termina con un puesto compartido. Cosmópolis, aunque no me haya gustado en su momento, se resiste al olvido, y Hugo Cabret me pareció la mejor película-espectáculo del año. La primera es una adaptación de la novela de Don DeLillo y resulta ser un experimento terriblemente incómodo. Por un lado, el director David Cronenberg adaptó el libro original de la manera más burda posible: mantuvo intactos casi todos los diálogos y obvió la mayoría de los pasajes descriptivos. Los personajes de DeLillo tienden a interactuar como si fueran extraterrestres, como si sus palabras desnudaran siempre su fracaso de comunicar lo que pretenden. Es más fácil aceptar esta estética radical sobre una página impresa, pero en una película, el texto original tiene que ser interpretado por actores y lo extraño del lenguaje se torna casi insoportable. La estrategia de Cronenberg es nunca matizar la rareza de los diálogos: los actores parecen narcotizados, estupefactos ante la verborragia del guión. El film, como la novela, persigue a un joven multimillonario durante su viaje en limusina a través de Manhattan. Su destino es la peluquería de su niñez. A partir de este esquema básico, DeLillo y Cronenberg exploran la irrealidad e inmaterialidad del universo del protagonista, un especulador de Wall Street que vive en una nube de números y ecuaciones abstractas. Hugo Cabret, mientras tanto, no tiene nada de incómodo, salvo quizás su metraje. Se trata de otra adaptación literaria, en este caso de un libro de Brian Selznick, el cual, según el mismo autor, resiste cualquier categorización: no es ni un libro, ni un libro ilustrado, ni un cómic, ni una película, sino una combinación de todos estos medios. Aunque el film de Martin Scorsese pertenece claramente a un solo medio, conserva el mismo dinamismo: es un film para niños; es una superproducción en 3D; es una historia mínima sobre un adolescente solitario y huérfano y su relación con Georges Méliès, un cineasta olvidado y empobrecido; es una fantasía pseudo-histórica sobre los inicios del cine; y es una reflexión sobre el futuro y el pasado de un medio, que representa las primeras imágenes del cinematógrafo a través de los más avanzados efectos especiales de la era digital y tridimensional.

— Guido Pellegrini

CINE Y TECNOLOGÍA

En este breve informe, quiero mencionar algunas de las peliculas que en el 2012 se destacaron en la utilización de la técnica y tecnología cinematográfica.

Frankenweenie: Esta película tuvo una increíble utilización del stop motion a través de la genialidad de Tim Burton. Para su realización, los animadores tuvieron que manipular manualmente los objetos y/o personajes y fotografear cada pequeño desplazamiento para generar la sensación de movimiento. Para lograr esto, los animadores detuvieron y posicionaron los personajes y objetos 24 veces por segundo de película. Este film demoró dos años de realizacíon y se necesitaron alrededor de 33 animadores, que en su mayoría trabajaron individualmente. 

El Hobbit:  Esta película nos trajo muchas innovaciones en cuanto a técnicas y tecnologías cinematográficas. Pero lo que merece una mención aparte es su grabación a 48 fotogramas por segundo (fps) en lugar de los clásicos 24 del cine tradicional. Esto se logró gracias a la línea de cámaras Red Epic, que permiten grabar hasta 120 fps. Lo que Peter Jackson  buscó fue un mayor realismo en los movimientos en tres dimensiones, tanto en los actores como en los personajes computarizados.

Batman: El Caballero de la Noche Asciende: Nuevamente, Christopher Nolan volvió a grabar varias escenas de su film en formato Imax.  Esta tecnología usa una película de 70 mm (en vez de los 35 mm del cine tradicional) para lo cual se utilizan cámaras más grandes y complejas. Gracias a esta tecnología, Nolan rodó escenas con mayor nitidez y brillo para proyectar en una gran pantalla con una calidad de sonido superior.

Las Aventuras de Tintin: Para llevar a cabo esta película, el director Steven Spilverg decidió utilizar la técnica de captura de movimiento en 3D para crear personajes animados a través de actores reales. Para lograr esto, filmó a los actores con electrodos conectados a una computadora y, luego, estas imágenes fueron convertidas en una animación. El capitán Haddock fue interpretado por Andy Serkis, uno de los actores más versados en esta técnica y el realizador de Gollum y King Kong. 

Star Wars Episodio 1 – La Amenaza Fantasma 3D: Mas allá de que esta película fue un reestreno de la exibida en 1999, no quiero dejarla afuera, ya que, como las dos partes que la siguieron, fue en su momento un gran aporte al avance de la tecnologia digital aplicada al cine. Para ella, se crearon novedosos efectos visuales, decorados e incluso personajes, y se cambiaron también las técnicas de filmación y los procesos de postproducción.

— Rafael Fiorucci

SERIES

Sherlock: La serie inglesa que adapta a los tiempos modernos las aventuras de Sherlock Holmes sigue desbordando calidad por todos los poros. El tándem Cumberbatch – Freeman merece quedar en los anales de la televisión.

Breaking Bad: En realidad, sólo vimos la primera mitad de la última temporada, la cual cuenta las andanzas de Walter White. Ya con su descenso moral casi consumado, y asumiendo el rol de Heisenberg, Walt se juega el todo por el todo para ser el líder de la metanfetamina.

Spartacus: Vengance: La segunda temporada (o tercera, si se tiene en cuenta la temporada 0) del mítico gladiador que puso en jaque al Imperio Romano. A pesar de arrastrar el lastre de la muerte de su actor protagonista (Andy Whitfield), y su posterior remplazo (por Liam McIntyre), la serie mantuvo el nivel al que nos tenía acostumbrados. El próximo enero saldrá al aire la última temporada.

Game of Thrones: La llamada “Sopranos de la nueva era” la sigue rompiendo. Una gran producción, con buenísimas actuaciones y vestuarios, que últimamente nos brindó representaciones impresionantes de asedios a reinos enteros.

The Walking Dead: Después de la aburridísima segunda temporada, muchos le habían perdido la fe a esta serie. Es por este motivo que la tercera temporada sorprendió a todos, brindando un nivel de calidad que fue creciendo con cada capítulo, especialmente a través de la maduración del protagonista y de la inclusión de uno de los personajes más queridos del comic.

Mención Especial:

Arrow: Sin duda, la sorpresa televisiva del año. Nadie daba dos mangos por esta serie (me incluyo) porque todos esperábamos una bobada como Smallville. Nada resultó estar más lejos de la realidad. La serie le debe mucho al Batman de Nolan y muestra una trama adulta, al punto que el superhéroe en cuestión llegó a matar. Recomendable.

— Jorge Machidio

ANIMÉ 

Sword Art Online: Una nueva serie que recuerda a la saga multimediática .hack. A través de un juego tipo MMORPG (más específicamente, de híper realidad) las mentes de los jugadores son transportadas a un mundo virtual creado para el ocio. Pero hay un problema: para despertar nuevamente en la realidad, los jugadores deberán terminar el juego. Y si mueren en el juego también lo harán en la vida real.

Hunter X Hunter (2011): Si bien es una serie que apareció en el 2011, el año pasado atravesó una de sus etapas más emotivas: el arco argumental de Genei Ryodan. Tengo que admitir que las mejoras en el 2012 no fueron sólo visuales sino también argumentales, ya que los arcos argumentales conectaron de forma satisfactoria.  Anteriormente, dichos arcos me habían parecido bloques inconexos, en parte porque el manga original todavía no había desarrollado ciertas partes de la trama, algo que suele suceder cuando la publicación de un manga es concurrente con la transmisión del animé.

One Piece: Otro animé que está desde hace tiempo. En este caso, creo que los episodios emitidos en el 2012 estuvieron beneficiados por la etapa de la trama que se está contando, aunque los personajes fueron víctimas de varios retoques visuales. De todas formas, Luffy y Cía aparecieron en una nueva película de One Piece, lo que multiplicó su presencia a lo largo del año.

Haiyoru! Nyaruko-san: La historia toma prestados los personajes de los mitos de Cthulu creados por H.P. Lovecraft, siendo Nyaruko un mote cariñoso para Nyarlathotep. El protagonista es un joven común y corriente llamado Mahiro Yasaka, quien es salvado de malvados extraterrestres por Nyaruko… que también es una extraterrestre. Advierto que se trata de una serie más juvenil que las que nombré anteriormente y que es un animé tipo harem.

Accel World: Accel World es el nombre del mundo virtual donde un estudiante –víctima de bullying– se convierte en un héroe. La historia se desarrolla en el año 2046, cuando la tecnología ha logrado que las experiencias heroicas del protagonista sean inseparables de su realidad.

Menciones especiales de dibujos animados:

Avatar, la leyenda de Korra: Capaz una de las mejoras secuelas para una serie que haya visto en mucho tiempo. Con la Leyenda de Aang ya terminada, continúa la historia con una nueva Avatar, pero ésta es la antítesis de su predecesor, tanto en sexo como en poderes. Además, la trama se desarrolla inversamente, ya que, mientras Aang viajaba por el mundo, Korra encuentra toda la acción en una sola ciudad.

Young Justice (2º temp): Una grata sorpresa de parte de DC, si bien no es nuevo y también es conocido que DC le gana en todo lo que es animación  a Marvel, nunca pense que pudieran elevar tanto el nivel como lo hicieron con Young Justice si bien esperaba un Teen Titan con elemento de Justicia ilimitada, no esperaba una serie tan bien pensada para el publico adolecente/adulto..

y lo que se viene en el 2013 (spoilers)

— <a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

VIDEOJUEGOS

The Walking Dead: The Game: Los muchachos de Telltale Games nos demostraron otra vez que saben lo que hacen. Realmente nos ponen en la piel de los protagonistas con este gran juego, dividido en 5 episodios descargables individualmente o disponibles todos juntos en forma de combo.

Borderlands 2: De la mano de 2k Games y Gearbox, tenemos una segunda parte que duplica todo lo que nos ofreció la primera entrega. La mejor manera de hacer una secuela.

The Journey: Un juego cautivante en todo sentido: música y jugabilidad se mezclan para que el jugador no pueda detenerse hasta llegar al final.

Mass Effect 3: Un juegazo que concluye el viaje de Shepard y que cierra la trama con un final que no fue aceptado por todos los jugadores. Hace poco, salió a la venta la trilogía completa de Mass Effect presentada como una sola y larga aventura, para poder empezar de cero y atravesar sin pausas toda la historia desde la primera hasta la última parte.

Diablo 3: La nueva secuela de uno de los grandes RPGs de acción de todos los tiempos, hecha realidad luego de varios años de espera…

— Jorge Dottavio

MÚSICA
(Prioridad en películas musicales u OST)

Rock of Ages: Tras tanto esperar esta película, la elijo antes que cualquier otra porque hacía falta una cinta musical con temas de hard rock de los 80s. Como agregado, la actuación de Tom Cruise como Stacee Jaxx es muy buena…

Batman: El Caballero de la Noche Asciende (OST): Hans lo hizo una vez más. El mismo compositor que trabajó en las otras películas de Batman supo marcar los ritmos de la última cinta y la personalidad de los personajes. Si escuchan el tema de Gatúbela, les parecerá tan sutil como el caminar de un gato. Lo volveremos a escuchar a este compositor en la nueva de Superman…

El Hobbit (OST): Está muy bien lograda y crea el mismo ambiente que su predecesora. La canción de los enanos tiene la misma mística que antes y nos transporta a la Tierra Media. Y si uno ve la película en 3D, a 48 fotogramas por segundo, la música te mete prácticamente en medio de la pelea…

Rata blanca 25 años (concierto): 25 años de historia en el rock local no es poco, además de ser una de las bandas argentinas más reconocidas del mundo, más que nada en Latinoamérica. Festejaron a lo grande en el Lawn Tennis de Palermo.

Edguy (concierto): Uno de sus mejores recitales (en mi opinión). La banda no lo podía creer y cambiaron el setlist por pedido del publico…

— Guillermo Sanchez 

HISTORIETAS & COMIC

Dora Vol 2.:  Recopilación en libro de la segunda parte de la historieta de Ignacio Rodríguez Minaverry, previamente publicada por entregas en la revista Fierro. En “El año próximo en Bobigny”, Dora sigue buscando su identidad en la agitada Francia de los ’60. Narración magistral, bellamente ilustrada.

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The Walking Dead: El comic de Robert Kirkman y Charlie Adlard que dio origen a la serie televisiva y al furor por los zombies en todo el mundo no deja de sorprendernos. Con 105 números a cuestas, la historia va ganando en complejidad y oscuridad, y tiene bien ganado su lugar de nuevo clásico del género. Fundamental.

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Titeuf: ¡Por fin podemos disfrutar en nuestro idioma de esta maravillosa obra de Zep! Titeuf es un chico de 8 años a veces bromista, a veces inquieto, que nos ofrece una divertidísima visión del mundo de los adultos. Gran edición local para uno de los éxitos más grandes de la historieta franco-belga.

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Coca, Ramón y Fernet:La gran sorpresa en el mundo del humor gráfico la dio Juan Bobillo –que ya nos había acostumbrado a la aventura con Anita, la hija del verdugo y sus trabajos para Marvel y Europa- con su primera tira cómica. Publicada en la revista Hecho en Buenos Aires y recopilada en libro por el sello Agua Negra, los delirios cotidianos de esta pareja y su perro/gato (no se sabe bien qué es) ya se han vuelto una saludable costumbre.

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Kick-Ass: No es nuevo, pero tuvo este año su edición local y es gran comic para recomendar. Mark Millar (guión) y John Romita Jr. (dibujos) le dan una vuelta al género superheroico con la historia de Kick-Ass, Hit-Girl y Big Daddy y sus intentos por salvar el día. No importa si no te gustó la peli o si no te interesan los superhéroes: Kick-Ass, como toda buena historia, está más allá de los géneros.

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–Javier Hildebrandt

Cine: Necesitamos hablar de ese HDP



“Necesitamos hablar de ese hijo de p…”

 (a partir de la película “Tenemos que hablar de Kevin”)

 

  

Inserción de último momento

 Por una de esas mezclas entre causas y azares,

al terminar de escribir el borrador de esta nota

me entero de la matanza de Denver en pleno estreno de Batman….

  

Una de Chiche y Mauro (1)

Tenemos que hablar de Kevin en su título original es “Necesitamos hablar de Kevin”. Las resonancias de esa necesidad se pierden en la traducción, pero son las que sostienen el deslizamiento de recuerdos de la mamá de este hijo de puta.

Cuando yo era niño esa expresión se atenuaba sustituyéndola por un “hijo de mala madre”. Pero en este llamar las cosas por su nombre del título (supongamos que esto a veces resulte un poco menos imposible), no hay ninguna apreciación moral en juego sino la puntuación del lugar de Kevin, el hijo de Eva, en este discurso que resulta ser la película que filmó Lynne Ramsay, basándose en una novela que fuera escrita también por una mujer. Ese discurso tejido entre lo que la madre recuerda y lo que de eso le retorna en situaciones como la de la trompada de otra madre: “me lo tengo merecido”.

Un quesito para tentar ratones

La película puede resultar, entre otras cosas, una buena trampa para psico-especialistas. Planteada como una sucesión de recuerdos de Eva alrededor de su relación con su hijo durante los primeros dieciséis años de éste (todo lo previo al momento en que Kevin realizara la peor de sus acciones), enhebra un rosario de episodios contados desde la perspectiva materna.

El recuerdo de Eva respecto del estado de ánimo en el que estaba durante el embarazo. O el del día en que naciera Kevin…

… o el de la impotencia en la que la sumergía aquel llanto incontrolable del recién nacido (al punto de arrastrala a llevar el cochecito con el bebé berreando justo al lado de una perforadora de pavimento para, al menos por un instante, poder proteger ese órgano, que a diferencia de la boca o de los ojos, no cuenta con recursos para cerrarse por sí mismo: su oído)…

…son todos una invitación a que un oyente alimentado por cierto modo de entender el psicoanálisis termine por descerrajar el tan fatigado “Kevin no fue un niño deseado por la madre”. El mismo con el que se concluyen tantas veces las perseverantes anamnesis en las entrevistas con padres, por ejemplo.

Así también el llamado que da título a la película (2), dirigido por Eva a su marido, y la respuesta que de éste obtiene, podrían precipitar a tal “oyente psi” a decir: “la función paterna opera de modo fallido, reduplicando la impotencia materna”. Uf.

Impotencia materna que acaso, como siempre sucede con la impotencia, resulte en definitiva un poder no poder. En este caso: poder no poder matar a ese hijo. De allí lo beneficioso que es para un psicoanálisis tratar la impotencia sin poner el norte en destrabarla, en habilitar lo que se quiere poder y no se logra… sino apuntando a conmover el estatuto de dilema que suele tener ese deseo inconciente. En otros términos: problematizar el dilema disolviendo la falsa opción que se cristaliza en “o lo mato o me sigo esforzando por ser una madre civilizada”.

Juguemos a que sí

Estoy convencido de que un psicoanalista no puede decir nada, que no sea “orinar fuera del tarro”, respecto de casos como los de Eva y Kevin. Sencillamente porque ninguno de ellos le está dirigiendo la palabra… y el psicoanálisis sólo existe allí, gracias a la transferencia. Pero relatos como el protagonizado por la gran  Tilda Swinton (3) resultan un buen disparador para proponer juegos como éste: imaginemos que Eva fuera a ver a un psicoanalista y planteara que se siente culpable de las conductas de su hijo.

Como cuestión básica, al escucharla necesitaremos saber que ninguna acción de los padres es suficiente para explicar el por qué de la conducta de un hijo. Si quieren podríamos decir: “pero influyen”. Está bien, concedamos ese margen. Pero eso y decir nada… es lo mismo. Porque no sabemos en qué influye ni cómo. No sabemos qué de lo dicho/hecho por un padre o pariente es tomado por el niño ni tampoco el cómo.

Una vez corridos del lugar de querer entender con la mamá por qué Kevin “salió como salió”, lo que necesitaremos es aceptar que Eva es culpable. Claro, como enseñaba Freud: una cosa es que sea culpable y otra cosa es que sepa de qué. Es culpable porque ella así se presenta. Puesto bajo signo de interrogación el objeto de su culpa, se posibilita el camino para una consulta psicoanalítica. Eliminado de nuestra escucha el tentador “ella es culpable de lo que hizo Kevin”, necesitaremos alojar su culpa. No rechazarla ni trivializarla. Permitir que se despliegue, que se dialectice.

Es que sólo así podrá perder la culpa su función primordial: la de taponar lo que no cesa de no inscribirse. Es que mucho más desgarrador que decir “yo fui la culpable”: es encontrarse con que “nada de lo que encuentre en la historia mía con Kevin terminará de explicar este horror”.

¿Qué restará?. Un largo camino: el que acaso transforme la culpa en responsabilidad. Responsabilidad no respecto de los actos de su hijo, responsabilidad en relación a su deseo y su goce (los de ella). Responsable de sus ideales, de lo que pretendió y de lo que pudo. Lejos de juzgar el pasado, una apuesta a que aún en la tierra arrasada, Eva tenga la posibilidad de hacer sin que ninguna carta marcada decida por ella su próxima apuesta. Un largo camino. Pero en fin, ¿hay algo más importante en la vida que tomarse ese tiempo?.

Lic Guillermo Cabado,

psicoanalista

(1) Señores que suelen sostener sus programas en la televisión argentina alrededor de historias como la de Kevin. En general con la colaboración de una tropa de “especialistas psi” que despliegan sus mapas sobre “la mente criminal”.

(2) Aunque el efecto que produce en los espectadores, haga que en muchos casos también nosotros necesitemos hablar de Kevin

(3) Sugiero esta nota sobre la excelente Tilda Swinton, Eva,  que entre otras cosas, también en 2011, protagonizó un personaje conocido por todos los que amamos a Pizarnik, la condesa Báthory.