Festivales: BAFICI 16 – Todos los ganadores


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Se termina otra edición mas del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) con una buena recepción de público, una programación variada y abultada y una lista de premios que les dejamos a continuación. Felicitaciones a todos los ganadores!

Competencia Internacional:

Mejor película: Fifi Howls from Happiness (Estados Unidos/Francia), de Mitra Farahani.

Premio Especial del Jurado: Mauro, de Hernán Rosselli.

Mejores Directores: Diego y Daniel Vega Vidal por El Mudo (Perú/México/Francia)

Mejor actriz: Sophie Desmarais por Sarah préfère la course.

Mejor actor: Fernando Bacilio por El Mudo.

Menciones especiales para: El futuro (España) y Mary is Happy, Mary is Happy (Tailandia)
Competencia Argentina:

Mejor Película de la Competencia Argentina: El escarabajo de oro de Alejo Moguillansky y Fía-Stina Sandlund.

Mejor director: Gustavo Fontán por El rostro.

Mención Especial: Carta a un padre de Edgardo Cozarinsky.
Vanguardia y Género:

Gran Premio: Manakamana (Estados Unidos/Nepal), de Stephanie Spray y Pacho Vélez.

Mejor Largometraje: It For Others (Reino Unido) , de Duncan Campbell.

Mención Especial: Living Stars (Argentina), de Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Mejor Cortometraje: Redemption, del portugués Miguel Gomes.

Mención Cortometraje: Alan Vega, Just a Million Dreams, de Marie Losier.
Competencia DDHH: El cuarto desnudo (México), de Nuria Ibañez.

Mención Especial: ReMine, el último movimiento obrero, de Marcos Martínez Merino.
Cortometrajes:

Primer Premio: Lo que dicen del monte, de Octavio Tavares y Francisca Oyaneder.

Segundo Premio: La Reina, de Manuel Abramovich.

Menciones Especiales: Rockero Reyes, de Romina CohnNo sé María, de Paula Grinzpan.
Premio del Público: Mientras estoy cantando de Julián Montero Ciancio.

Premio FIPRESCI: Mauro de Hernán Rosselli.

Premio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos (ACCA): Carta a un padre de Edgardo Cozarinsky.

Premio ADF: Para el Director de Fotografía Fernando Lockett por su trabajo en Algunas chicas de Santiago Palavecino.

Premio FEISAL: Ciencias naturales de Matías Lucchesi. Mención especial para Castanha (Brasil), de Davi Pretto.

Premio Signis: Sarah préfère la course (Canadá), de Chloé Robichaud. Mención especial para La Salada de Juan Martín Hsu.

¡Nos vemos en el BAFICI 17!

 

La segunda muerte: Entrevista a Santiago Fernández Calvete


La segunda muerte

 

Entrevistamos a Santiago Fernández Calvete, director de La segunda muerte, un buen exponente del género fantástico argentino.

La película esta protagonizada por Agustina Lecouna, Guillermo Arengo, Tomás Lizzio, Germán de Silva, Mauricio Dayub y gran elenco.

FBC: ¿Como te inicias en el mundo del cine?

S.F.C.: Desde chico me gustaba dibujar, hacer historietas y escribir cuentos. También filmé algunos minutos con una Súper 8 de mi abuelo. Pero una vez participé de un comercial, como actor, digamos, cuando tenía 10 años. Era un comercial de un vino, uno en el que al final aparecía la cajita en una cascada. El comercial se filmó en Buenos Aires, y me acuerdo que me invitaron a ver cómo filmaban la cascada. Me dio curiosidad saber dónde había una cascada en Buenos Aires. Finalmente descubrí que era una cascada de dos por dos en la entrada de un restaurante. Me pareció fascinante descubrir cómo el cine engaña al ojo, cómo miente dulcemente. Y cuando tuve 20 empecé a estudiar orientado al guión.

FBC: ¿Nos podrías contar como se gestó el proyecto de La segunda muerte, tu opera prima?

S.F.C.: Era una idea que había estado dando vueltas en mi cabeza durante mucho tiempo. Como desde los 15 o 16 años, que en una reunión con amigos pensé que una de las cosas que más terror podrían causar es una aparición mariana. Tiempo después se hizo un concurso de mediometrajes de terror, y con mi hermano bocetamos una historia que finalmente no prosperó. Pero me quedé con las ganas de escribir un largo con la idea y así fue. El primer borrador fue del 2007 y la película se terminó filmando a fines del 2010.

FBC: ¿Que referencias tuviste a la hora de abordar el género y que opinas del momento que esta atravesando?

S.F.C.: Yo soy un amante del cine, veo terror, policial, comedia, veo todo lo que puedo. Creo que sería imposible saber cuáles fueron mis influencias. Sí sé que en La segunda muerte algunos ven elementos del cine asiático de terror, otros ven algo de Twin Peaks, y otros algo del cine negro. Yo traté de ser fiel a la película que me había imaginado, que tenía elementos de muchas fuentes diversas, de todo lo que había visto a lo largo de mi vida. Cuando estuve por filmar me di una sobredosis de cine de terror y fantástico. Tal vez por temática la que más he visto fue El exorcismo de Emily Rose, que plantea un debate entre ciencia y religión.

FBC: El terror y la religión es casi un subgénero. ¿Cómo entendés esta relación tan prolífica en el mundo del cine?

S.F.C.: La religión es uno de los temas más comunes a toda la humanidad. Son pocas las personas que no se han vinculado nunca con una religión. La religión es fascinante, sea por fe o como objeto de estudio y el cine no podía permanecer ajeno a eso.

FBC: Hay dos aspectos técnicos que llaman la atención en la película, el sonido y el color. En cuanto a los efectos de sonido, están bien usados, ajustados a determinados momentos, y no se abusa de este recurso como viene pasando en muchas películas de terror en los últimos años. Con respecto al color, hay dos registros distintos y el monocromático es el que predomina en la mayor parte de la película. ¿Nos podés contar como se trabajaron o que tuviste en cuenta en relación a ellos?

S.F.C.: El color tiene dos tratamientos, uno desaturado que es para el presente y uno saturado para el pasado (sean los flashbacks narrativos o las visiones del vidente) La idea era respetar el conepto de un presente apagado y un pasado mucho más furioso y que aún está vivo.
Con el sonido se hizo un trabajo muy metódico. El sonido directo fue tomado por la misma persona que hizo la mezcla y la música. Nos inspiramos en la banda de sonido del videojuego Silent Hill, nos gustaba de ese juego la atmósfera perturbadora, de peligro inminente, de desconcierto. En La segunda muerte hay ruidos que no sabés si son de la música o de la escena.
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FBC: El género fantástico esta pasando por un buen momento en Argentina, pero no tiene mucha tradición.

S.F.C.: Me parece que todo el cine de género esta comenzando a levantarse, tanto el fantástico, como el terror o la ciencia ficción, pero también el policial, el thriller. La tradición del policial existió siempre, en el caso del terror y el fantástico tal vez más en la literatura y el comic. Yo creo que es solo una cuestión de presupuestos. Hacer estas películas es caro, no la hacés en el living de tu casa con dos amigos. Para que se vea bien tenés que invertir dinero, porque si no lo hacés así, quedas como un cine de clase B. Creo que, además, hoy se perdió la vergüenza de decir que uno hace este tipo de cine y eso deja en evidencia que toda la industria entiende la importancia de hacer este tipo de películas. De hecho, el INCAA ha creado Blood Window que es una forma de ayudar a hacer, promover y vender cine de género argentino en el mundo.

FBC: Siempre hay anécdotas en los rodajes. ¿Te acordás de alguna para contarnos?

S.F.C.: Sí, me acuerdo que en la noche que filmábamos la lluvia sobre la iglesia y el cochecito de bebé humeando se empezaron a escuchar ruidos en la casa de al lado de la iglesia. Era una casa que estaba a disposición nuestra y no había nadie. Pero se escuchaba un lamento y ruidos muy raros. Parte del equipo, digamos femenino, estaba aterrado y nervioso. Todo terminó en un perro pulguiento que se había quedado atrapado. Otra cosa divertida fue el paso del tiempo. Una vez terminada la película, quisimos doblar algunos diálogos. Tomás, el actor que hace del niño clarividente, había crecido tanto que no podía doblarse a sí mismo, su voz había cambiado. Otro caso fue cuando tuvimos que grabar llantos de bebé. En la película parece que se escucha uno solo, pero son dos bebés. El que se ve en la película y el que tuve yo tiempo después y que ni imaginaba iba a tener.

FBC: La película participó en varios festivales internacionales. ¿Cómo fue el recibimiento del público y de la crítica?

S.F.C.: El público siempre respondió bien. La gente va y disfruta la película. En Corea (estuvo en el Festival PIFAN en Corea del Sur) luego de una función, un hombre se puso de pie y aplaudió exaltado. Yo no entendía qué pasaba, pero gritaba que amaba el cine argentino y que estaba encantado con la película. La segunda muerte se disfrutó en todos los lugares a donde fue. Las críticas siempre fueron buenas en el exterior.

FBC: Uno de los puntos críticos del cine argentino son las ventanas de exhibición que tienen las producciones nacionales. ¿Que recorrido esta teniendo la película en las salas?

S.F.C.: La película salió con 10 copias, lo que es un lanzamiento chico. Además, salió con poca inversión en publicidad. No es culpa de nadie en particular, claro está, es que el cine argentino generalmente sale así. A pesar de eso, hicimos un buen número, más de lo esperado dadas las circunstancias. Lo que demuestra que el público argentino está ávido de este tipo de películas.

FBC: ¿Tenés algún proyecto a futuro que nos quieras adelantar?

S.F.C.: Este año estaré filmando un thriller junto a Magma Cine, la misma productora de La segunda muerte, que pertenece a Juan Pablo Gugliotta y Nathalia Videla Peña. Es una historia de traición pero también una historia que habla de la falta de intimidad a la que estamos expuestos mediante el uso irresponsable de la tecnología. Por ahora se llama Testigo íntimo y se filmará a mediados de año.

 

Festivales: BAFICI 16


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Año tras año el BAFICI se consolida como uno de los Festivales de cine más destacados del mundo, con un importante reconocimiento y un lugar de privilegio en la agenda cinematográfica internacional.

Es reconocido como vehículo fundamental de promoción para la producción independiente, que aquí puede mostrar los filmes más innovadores, arriesgados y comprometidos. El Festival integra, a través de su amplia programación, diversas expresiones culturales y reúne a directores consagrados y nuevos talentos en un ámbito dinámico.

Con un amplio rango de películas que incluye premieres mundiales, argentinas y latinoamericanas, además de merecidas retrospectivas, es el evento más grande y prestigioso para el cine independiente en América Latina.

Los números finales de la edición 2013 revelan el crecimiento de convocatoria y la confirmación del Festival como un verdadero acontecimiento de la nutrida agenda cultural de la Ciudad. Más de 370 mil personas participaron de la 15º edición del BAFICI, una cifra que confirma el poder de atracción de una muestra que reúne todo tipo de cine arriesgado y original, que no figura habitualmente en el circuito comercial de una ciudad reconocida como profundamente cinéfila.

El crecimiento del Festival se tradujo también en su presencia a lo largo y ancho de Buenos Aires. Todos los vecinos pueden disfrutar de un cine de calidad en los diferentes barrios de la Ciudad. Buenos Aires respira cine y el público porteño, célebre por su cinefilia y fidelidad, acompaña cada edición en creciente número.

Trailers: Relatos Salvajes, lo nuevo de Damián Szifron


Se trata de una de las películas argentinas más esperadas del año, un compendio de “relatos salvajes”, como anuncia el título, protagonizado por un elenco extraordinario, que incluye a Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg y Darío Grandinetti. El director y guionista es Damián Szifron, creador de la genial serie Los simuladores y del film Tiempo de valientes.

Como se aprecia en el nuevo trailer -el segundo que lanza la distribuidora Warner Brothers- Relatos Salvajes es una estructura coral, en la que distintos personajes, sin proponérselo, se encuentran en situaciones violentas. No queda claro, según lo que revela el avance, si las tramas se entrecruzarán o si conformarán una serie de historias inconexas. De todos modos, se podría comparar la apuesta de Szifron con la del director chino Jia Zhangke, quien el año pasado estrenó A Touch of Sin, otro conjunto de “relatos salvajes”, en los que personas comunes desencadenan actos criminales o suicidas.

La corporación: Entrevista a Fabián Forte


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A continuación, la entrevista que le hicimos a Fabián Forte, director de La corporación, con motivo del estreno en cines.

FBC) ¿Como surgió la idea de La corporación?

F.F.) Surge como análisis del mundo en el que estamos viviendo. El dinero como control absoluto de todo. Los medios de comunicación para forjar ideas y “modas” a la gente. Como se manipulan las costumbres, los ideales, lo que debe ser y lo que no, como se debe vivir y que es lo que hace a la felicidad.  Las relaciones humanas cada vez más distantes e individualizadas.  A su vez el mundo de Felipe Mentor (su vida privada) es un set similar al de un rodaje, obviamente influenciado por el oficio del que vivo que es el cine.

FBC) ¿Cómo fue el proceso de producción de la película y, en particular, como fue la elección del elenco?

F.F.) El proceso de producción nace cuando el proyecto es tomado por la productora Cinemagroup. Ellos presentan el proyecto al INCAA y se logra el apoyo del mismo. Contamos con 4 semanas de preproducción y 5 semanas de rodaje, entre los meses de enero y febrero del 2012.  El elenco fue un casting mental que fui haciendo con los años. El guión lo escribí hace mucho tiempo y la historia estaba en mi mente. Trabajé en muchas películas como asistente de dirección y conocí actores y actrices, muchos de renombre.   Fui pensando en cada uno como posibles opciones de personajes y hablando con ellos cuando ya el proyecto había salido.  En el caso de Osmar, lo ví en teatro y me pareció ideal para el protagonista, Felipe Mentor.   Tuve la suerte de contar con un elenco de lujo, actores que elevaron la calidad de los personajes.

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FBC) Esta es tu película más grande en cuanto a producción. ¿Que te significó esta cuestión a la hora de dirigir? ¿Qué cambió en relación con tus otras películas?

F.F.) Las otras películas que realicé  (Mala Carne (2002), Celo (2006), Malditos sean! (2010)) las hice de manera independiente, por lo cual el dinero era mío o de los actores que eran co-productores de la película (Celo). Con Malditos sean! la inversión la hicimos con Demian Rugna, (guionista y co director).  En el caso de LA CORPORACIÓN, conté con el apoyo monetario del INCAA.  Y era considerablemente mayor, obviamente-  No fue ninguna presión para mi, incluso elegí solo dirigir la película y no producir para no estar pensando en factores monetarios. Quería concentrarme solo en como contar la historia.  Con respecto a la diferencia entre hacer cine indie y hacer cine “comercial” (si el INCAA apoya tu película debes terminarla en tiempo y forma y estrenarla) es que produciendo independientemente tenés libertad absoluta en sus resultados y en lo que querés contar y como, por ponerte solo un ejemplo.   También podes elegir a un actor amigo, tu vecino, para que la protagonice. Al hacer una película comercial debes pensar en un elenco conocido, como también rodearte de un buen equipo en quien confiar y trabaje profesionalmente para que tu película este bien organizada.  Tu película es un producto que luego se comercializará, y tiene una planificación distinta. A su vez, a veces tener más dinero puede traducirse en un resultado mediocre, si no es bien distribuido en las cosas necesarias para la película. En este caso, la producción y el rodaje fue un lujo.

FBC) La película esta muy cuidada en todos los aspectos, se podría decir que tiene un aire “elegante” y, por otro lado, el guión se nota que esta muy trabajado cuidando cada detalle. En definitiva… se parece mas a una película europea que a una latinoamericana. ¿Coincidís en este punto?

F.F.) Creo que la película se ve muy bien. El mundo de Felipe Mentor debía lucir publicitario, elegante, bello. Lucir perfecto, irreal. También debía tener frialdad, como su carácter.  El arte y la fotografía como el vestuario van de la mano y creo que el resultado logrado es muy certero.  Con respecto al guión, traté de ser cuidadoso y no tener escenas de más. No quería derrochar tiempo y dinero en escenas que luego quedarían borradas en edición. Es un guión muy pensado y trabajado, con una estructura muy sólida.

Puede lucir como una película europea. Con esto me refiero a cómo se ve, no a su temática, que la considero universal.  No se encierra en nuestras costumbres, va más allá- Apunta a temas más abarcativos, que bien pueden ser comprendidos por alguien que viva en el otro extremo del mundo.

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FBC) ¿Cuáles son tus influencias o referentes del mundo del cine en general, y mas puntualmente, cuales fueron a la hora de hacer esta película?

F.F.) Creo que siempre me influye la literatura fantástica que leo y leí desde chico. Obviamente el cine también influye. Considero que la cabeza es una licuadora de ideas, muchas concientes y otras inconcientes.

FBC) Una de las cosas más interesantes es la mezcla de géneros que se da entre el drama, la comedia, la ciencia ficción…

F.F.) Si, es difícil definir a la película en un género. Me gusta eso. Le da fuerza y vitalidad también. Es una rara avis dentro de nuestro cine nacional. En lo personal, me gusta ver un cine en donde quiebre géneros, y juegue con la comedia o el suspenso. Lo he visto mucho en el cine oriental. Le da libertad a la historia y a la narración.

FBC) Presentaste la película en el festival internacional de cine de Mar del Plata con gran recibimiento del público. ¿Cómo fue esa experiencia y como sigue su camino de exhibición?

F.F.) Mar del Plata fue una gran experiencia. Fueron tres funciones a sala llena, con un recibimiento hermoso del público. También mucho nervio y orgullo pues pertenecía a la competencia nacional. En cada lugar donde presente LA CORPORACION tuvo buena recepción. Fantaspoa en Brasil, Festival de la Habana, Argencine en Madrid, Festival de Bolívar, Festival Imágenes sociales en La Rioja. Creo que la película deja huellas en las personas que la ven, como también ayuda a cuestionarnos y plantearnos sobre que es importante en nuestras vidas.  El cine tiene ese poder, que es encontrarnos con nosotros mismos.

Justicia Propia: Entrevista a Juan Manuel Olmedo


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Justicia Propia es uno de los exponentes del nuevo cine de género argentino. Una película muy entretenida con todos los ingredientes del mejor cine de acción. A continuación, la entrevista que le hicimos a Juan Manuel Olmedo, productor y protagonista del film.

F.C.: ¿Nos podrías contar como llegás a realizar Justicia Propia, tu opera prima? ¿Ya habías trabajado en el área audiovisual?

J.M.O.: En el año 2003, 04, mas o menos, cuando se iniciaba todo esto de las nuevas tecnologías y el cine digital como una oportunidad para los realizadores de poder hacer una película de una manera mas sencilla que con fílmico, armo un proyecto para presentar al municipio de Tres de Febrero llamado “CINE DE ACCION EN TRES DE FEBRERO” el cual fue declarado de interés cultural, entonces, me pongo en contacto con Sergio Mastroberti (el director del film) y decidimos hacer una película para ese proyecto. Así nace Justicia Propia, que por distintos motivos en ese momento no pudimos concretar y yo seguí mi trabajo como actor, stunt, coordinador de acción para tv y teatro, y Sergio con lo audiovisual por su lado. En 2012 nos volvimos a juntar para filmar unos cortos de acción y quedaron muy bien, a raíz de eso volvieron las ganas de retomar la película, nos juntamos en junio, y ya en agosto estábamos rodando. Yo ya venia trabajando en el área audiovisual hace muchos años pero en tv, no había hecho nada en cine. Estoy en el medio hace un poco más de 16 años.

F.C.: ¿Cual es el origen de la película? ¿Como se gesto el proyecto?

J.M.O.: El origen de la película nace de una charla con Sergio, donde estábamos buscando una historia que sustente la acción, nosotros somos de Villa Bosch (Prov. de Bs. As) y muchos años atrás en el barrio hubo un caso de narcotráfico muy resonante a nivel nacional, tomamos ese caso y le añadimos una historia de ficción, así nació Justicia Propia, luego yo trabajando con el guionista le fuimos dando forma a la estructura y a la cantidad de escenas de acción que yo quería en la película. El proyecto se gesto un poco como te contaba antes, bajo un proyecto de cine de acción declarado de interés cultural.

F.C.: La película es un policial de acción muy intenso. ¿Cuales fueron tus referentes para hacerla?

J.M.O.: En cuanto artes marciales mi referente es Jean Claude Van Damme. Para mí, él y Bruce Lee son los número uno indiscutibles de ese género, en cuanto a acción en sí, Sylvester Stallone. La película tiene algunos guiños a Cobra, Nico, el final en la fabrica como en Hard Target, una escena del hueco de un ascensor finalizada al mejor estilo Bruce Willis, y mas que nada en general al cine de acción de los 80, pero actualizado.

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F.C.: Eso que decís esta muy claro cuando ves la película, creo que hay referencias todo el tiempo. Incluso una de ellas es a Terminator 2, en la escena de persecución con vehículos, cuando cruzan el puente y explota todo. Nos podrías contar sobre la producción… ¿Cuanto tiempo les llevó hacerla? ¿Qué tipo de complicaciones tuvieron? Etc.

J.M.O.: La producción la hice en su totalidad yo con mucha ayuda en logística de la Municipalidad de Tres de Febrero. Nos llevó unas 50 jornadas, unas 30 completas y el resto medias jornadas mas o menos, hubo complicaciones típicas de cuando tenes un presupuesto acotado, pero todo salió adelante sin mayores complicaciones, lo que se puede suponer complicado en cuanto a la producción y realización de las escenas de acción, no lo fue, teniendo el apoyo municipal, pudiendo usar locaciones, cortar calles, tener policía, eso simplificó mucho toda la producción.

F.C.: ¿Recibieron algún tipo de ayuda económica para la realización?

J.M.O.: No, no hubo ninguna ayuda económica, ni municipal ni del INCAA, fue totalmente independiente.

F.C.: ¿Que pensás del cine de género argentino, mas concretamente del género acción y del momento que esta atravesando actualmente?

J.M.O.: El cine de género argentino esta creciendo mucho, mas que nada en terror que ya viene con varias películas exhibidas, vienen haciendo un gran trabajo. Un trabajo que me gusta mucho y estoy siguiendo es Daemonium. Con respecto específicamente a la acción, sacando lo que hacemos nosotros no se viene haciendo mucho. Todavía viene pasando que tímidamente ponen algo de acción como la frutillita de la torta en la película, pero nada jugado como en el caso de Justicia Propia que contiene todo lo que tiene que tener una película de acción, persecuciones de autos, peleas, tiroteos, explosiones, persecuciones a pie y todo bien desarrollado. Un tiro y dos trompadas, para mi no es acción. Aparte de peleas como la del bar, con los motoqueros o alguna de la fabrica en la película, tenemos una gran pelea final típica del género de unos 5min de duración con un gran desarrollo coreográfico. Todo eso en las películas nacionales no se vé. Estuve viendo las últimas 3 películas nacionales con acción, una todavía no se estrenó (no importa el nombre) y entre las tres no suman toda la acción que tiene Justicia Propia. En los 90 fue Comodines el gran referente de acción en la Argentina, pero cuando parecía que crecía dejaron de hacerlo. En los 2000 el gran referente del cine de acción somos nosotros, con gran proyección a futuro.

F.C.: La película tuvo algunas proyecciones y participó en festivales. ¿Que recepción tuvo de parte del público?

J.M.O.: La película fue mas que bien recibida, con proyecciones que terminaron con muchos aplausos, sorprendiendo mucho al publico con las escenas de acción y el ritmo vertiginoso que tiene. Dura 86min y pasan volando y la gente sale agradecida, En el festival de Mar del plata, la vió mucha prensa, poniéndola al nivel de las últimas películas de Van Damme o Mel Gibson, después de la proyección en Mar del Plata la gente se quedó a conversar con nosotros, queriendo saber como se armaban las peleas, las escenas de acción y demás y también muy sorprendidos por el trabajo de Gabriel Almirón y Bicho Gómez, dos cómicos que hicieron dos papeles distintos a los que vienen acostumbrados. Desde ya para nosotros haber sido seleccionados entre 2500 películas, para uno de los festivales clase A mas importantes del mundo es un logro inmenso!

F.C.: Uno de los puntos complicados en la industria es la exhibición. ¿Como pensaron la distribución y exhibición del film?

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J.M.O.: Con respecto a la distribución y exhibición, como vos decís es complicado, pero estamos trabajando en una primera etapa para dar a conocer la película a la industria (festivales, distribuidoras, mercado) como el caso de Mar del Plata y Ventana Sur, para después pasar a una segunda etapa y asociarnos con una distribuidora grande que le de llegada al film. No estamos apurados, vamos paso a paso, sabiendo que vamos a llegar al cine comercial y queriendo hacerlo de la mejor manera.

F.C.: ¿Tenés algún proyecto audiovisual a futuro?

J.M.O.: Si, ya estamos trabajando en la pre-producción de Justicia Propia 2, continuación de la primera. La historia esta pensada como una trilogía, así que nos quedan un par de años de Justicia Propia. Igual seguramente haremos otras producciones que tengo en carpeta, en el medio del proceso.

F.C.: Desde Fanboy Cave te deseamos éxitos con la película y con todos tus proyectos.

La chica mas rara del mundo (Entrevista a Mariano Cattaneo)


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Entrevistamos a Mariano Cattaneo, uno de los directores argentinos más creativos del nuevo cine de género del país.

Cattaneo, entre otras cosas, se encerró en una fábrica abandonada para darle vida a los Demonios de INCIDENTE, luego viajó en el tiempo con la exitosa serie web MARTIN MOSCA, y ahora se mete dentro del mundo imaginario de la mente para que conozcamos la vida de Melién, la protagonista de LA CHICA MAS RARA DEL MUNDO, su último cortometraje.

F.C.: ¿Cual es el origen de LA CHICA MAS RARA DEL MUNDO?

M.C.: El corto antes de ser corto, es un cuento, antes de ser cuento fue un poco de mi infancia… digamos que nace de la idea de crear, habla sobre la imaginación y los fantasmas que tenemos dentro… hay un poco de pasado y un poco de presente. Por eso, creo que es una historia que cada persona puede relacionarla con algo suyo.

F.C.: ¿Como fue el proceso de adaptación del cuento al cortometraje? ¿Tuviste que hacer muchos cambios?

M.C.: Es imposible no pasar por la picadora al llevar algo literario (pensado para un libro) a lo audiovisual… el primer conflicto básicamente fue el presupuesto, en el libro hay fantasmas, monstruos de líneas, esqueletos y demás cosas que en este momento no podría costearlo de forma independiente… entonces hice una adaptación libre, conté una parte del libro que perfectamente mantenía el espíritu y la premisa “que en la imaginación se liberan nuestros fantasmas”. Pero traté de meter todo lo que sí se podía ajustar al corto, incluso exploté mucho más el entorno de Melién (la protagonista). Jugando con el Arte y la Luz dándole vida a las palabras del libro, todo gracias a un trabajo en equipo tremendo, como digo siempre, un cortometraje nunca es algo individual, siempre es un esfuerzo creativo de todos los que participan.

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F.C.: Hay una conexión con el universo de Tim Burton. ¿Fue una de tus influencias o referentes para este trabajo? ¿Hubo alguna otra?

M.C.: Claramente, pero yo me iría mucho más atrás, de donde el también tiene sus bases, el corto y el libro también nacen de mi amor por el expresionismo Alemán de los años 20/30, y los cuentos de Edgar Allan Poe. Burton es el tipo que más supo exponer esos aspectos en la pantalla grande de manera increíble, así que es obvio que algo de él hay acá, también de películas como Coraline. Todo lo que uno hace lo hace porque tiene en su mente algo que vio, le gustó y asimiló, nada sale del vacío, para crear, hay que ver, leer y absorber todo lo que te gusta.

F.C.: ¿Nos podrías contar como fue el proceso de producción y cuanto tiempo te llevo hacerlo?

M.C.: El proceso de producción fue un trabajo en equipo, el primer paso para darle vida a “La Chica..” fue unirme con mi productora NoDejesDeMirar a Museum Of Silence, para poder darle la vida necesaria, de ahí desarrollamos el vestuario, la paleta de colores, el estilo y todo lo relacionado con el arte. Trabajamos unos meses antes del rodaje para crear un mundo propio para el corto, si lo ves, te vas a dar cuenta de que no tiene una época definida, ni personajes reales, todo es un universo imaginario, desde Melién hasta la maestra de plástica, todo se desarrolló de manera detallada, para crear un universo propio. Después vino lo clásico, casting, filmación y la gran post-producción que se llevó unos 4 meses, ya que el corto además de un desarrollo visual específico también tenía una parte animada.

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F.C.: ¿Tuviste alguna complicación o dificultad en la producción?

M.C.: Siempre hay muchas complicaciones cuando se trabaja de forma Independiente, pero a veces eso se transforma en algo bueno, porque te permite la flexibilidad de tratar de resolverlo de alguna manera creativa. El corto existe y ya tiene vida… la gente no va a cuestionar si te costó mucho o poco ni los problemas que tuviste que cargar, la gente se va a sentar y ver que le muestra la pantalla… al fin de todo, es lo único que importa, jajaja.

F.C.: El corto se exhibió en el BARS, posiblemente el festival de cine fantástico más importante de Latinoamérica. ¿Cual fue la respuesta del público y la repercusión? ¿Van a exhibirlo en otros festivales?

M.C.: El Bars es un lugar especial, concentra a gente que consume el género con pasión, ahí van a amar tu material u odiarlo… es así, es gente que está pendiente de todo esto constantemente. La proyección fue muy buena, y hubo mucha gente que se acercó para felicitarnos, me gustó escuchar a varias personas que se sentían identificadas con la historia, eso… simplemente vale el esfuerzo. También tuvimos la grata noticia de que el jurado nos premió con la categoría “Mejor Director” si bien parece un rubro individual, es siempre un logro de equipo. Ahora estamos viajando con “la Chica…” para el 28 Festival de Mar Del Plata y luego… a donde nos lleven los festivales.

F.C.: La narración la hizo Ricardo Darín, uno de los actores más importantes del cine iberoamericano. ¿Como fue el trabajo con él?

M.C.: Fue una colaboración increíble, no hubo más que una presentación de un trailer y una foto novela para que se uniera a darnos una mano… Yo quería que el corto tenga un narrador, para que mantenga ese espíritu de cuento, lo había probado en varios cortos míos anteriormente (La Carta 282, Templario, The Raven) y me había encantado. El trabajo con Ricardo fue genial, en ningún momento marcó una distancia de “actor importante”, trabajamos desde la base de lo que se pretendía y lo hicimos a como pedía el cuento.

F.C.: ¿Alguna anécdota del rodaje para contarnos?

M.C.: Siempre hay cosas que resultan geniales para uno, pero tal vez en la narración pierdan ese efecto… tal vez lo anecdótico a remarcar, es que el cuento yo lo escribí basándome en mi escuela primaria, el colegio Don Bosco, que tenía ese aspecto de castillo antiguo, con rincones oscuros, pasillos y escaleras laberínticas… y logré realizar el corto en ese mismo colegio. Para mi fue increíble, el aula de Melién era la misma aula donde estaba yo 22 años atrás, eso le sumo una cuota personal a mis recuerdos, un pequeño homenaje a la memoria!… en fin… eso.

F.C.: ¿Por último, tenés algún proyecto en desarrollo? ¿Tal vez la continuación de LA CHICA MAS RARA DEL MUNDO?

M.C.: Sería genial una continuación… ¿porque no la película?…mmm… queda latente por ahí la idea, es una historia grande que perfectamente podría llegar a largometraje… entre esto y otra cosa más estoy trabajando ahora. Gracias por pasar por acá y dejarme contar algunas cosas del mundo de “La Chica Más Rara Del Mundo”

Buenos Aires Rojo Sangre: La modelo y actriz Carolina Laursen nos comenta como fue su participación en Horda Salvaje


Carolina comenzó su carrera a los diecisiete años. Participó como modelo de innumerables desfiles y campañas publicitarias y hoy cuenta con más de setenta comerciales para Latinoamérica y el mundo. En el 2008 participo de la obra de teatro “Luz de Gas” en el Actors Studio y en el 2009 participo de la película “Olvídame” de Aldo Paparella, además de varias participaciones durante su carrera en series televisivas de Argentina y México como “ByB” “Alma Pirata”, “Chiquititas”, “Sin Código”, “Los Roldán”, “Amas de casa desesperadas” y “Amor Mío México”, entre otras.

¿Por qué te interesó en particular participar en Horda salvaje? 

A German Favier lo conocí a través de un fotógrafo amigo con el que había realizado varias campañas de ropa (fotos) y me propuso hacer una fotonovela comic “la sinarquía”. Es en ese proyecto que lo conozco a German que estaba ya en los preparativos de Horda Salvaje.

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¿En relación a los proyectos que pueden pasar por la vida artística de una modelo consagrada, que nivel de interés puede despertar encabezar el reparto de una película independiente?

Cuando me propusieron eso mi carrera se estaba volando hacia la actuación. Ya en el 2009 había hecho un ano Luz de Gas con Dora Baret y Jorge Sassi en el Actors Studio de Carlos Gandolfo. Había participado en Bella y Bestia de Telefe y seguia creciendo en la carrera como conductora. Ese año también había tenido mi programa en Utilisima que se llamaba “mama Sexy”

¿Qué desafío resultó mayor en Horda Salvaje: soportar las condiciones de rodaje, horarios extraños, locaciones en exteriores, inconvenientes de traslado, entre otros?

A todo eso ya estaba bastante acostumbrada porque es bastante similar al mundo de la publicidad, en el que trabajo desde los 17 años. Lo que me resulto un desafió fue participar en un género que desconocía. Interactuar con zombies y aprender a usar armas, me daba un poco de impresión la verdad. Pero eso también me sirvió para componer el personaje.

¿Cómo fue la relación con el equipo y director teniendo en cuenta que vos sos una profesional y el equipo se compuso de amateurs?

Yo siempre fui y soy muy relajada, no me importa si hay que repetir una escena por errores técnicos mientras sienta que del otro lado hay pasión y voluntad porque salga bien. Hay gente profesional que no ama su trabajo en este medio porque ya hace muchos años que lo ejerce o porque no está haciendo lo que le gusta y el trabajo en esos momentos no es satisfactorio para ninguna de las dos partes. En Horda había mucha pasión de parte de German y todo el equipo.

 

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¿Qué proyectos estás manejando para el 2014?

De hecho cuando termine de filmar Horda Salvaje me vine a vivir a Miami por el trabajo de mi esposo David Chocarro que firmo exclusividad con la cadena Telemundo. E incluso hubo un par de escenas de la peli que tuvieron que resolver sin mí! Acá estoy haciendo mucho teatro, también en Madrid estuve a comienzos de año con una obra escrita y actuada por mí. A fines de este ano, en diciembre actuó en el Musical “AB Dancing Team” en el teatro Black Box de Miami de Adriana Barraza ( Primera actriz mexicana nominada al Oscar) y en Febrero se presentara una obra escrita por mí en La Carpinteria Teatro con producción de Mariana Mazover.

También para fines del 2013 o principios del 2014 estreno en Miami un documental de ficción sobre vampiros emocionales escrito por mí, en el que fui asistente de dirección y couch de actuación que se llama “Life Suckers” Ademas en febrero tambien dirijo un monologo interpretado por Johana Bonanno para el festival del monologo de la compañía Havanafama Miami.

 

Buenos Aires Rojo Sangre: Los miedos, el apocalipsis según Alejandro Doria


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Una de las rarezas del festival Buenos Aires Rojo Sangre, esta película de Alejandro Doria, estrenada en 1980, fue proyectada en 35 mm y forma parte de la sección Filmoteca Presenta. En clave alegórica, cuenta sobre una plaga que arrasa con la población de una ciudad. Por la radio, un comunicado gubernamental prescribe los pasos que deberían tomar los sobrevivientes, aunque rápidamente se destapa el verdadero plan de las autoridades: asesinar a cualquiera que siga con vida, quizás para prevenir la diseminación de la peste. Algunos afortunados evitan la muerte y, juntos, se encaminan hacia el sur. ¿Poseen anticuerpos? ¿La plaga los afecta más lentamente que al resto? ¿Cómo evoluciona la enfermedad? ¿Las víctimas caen instantánea o progresivamente? No importa. Si bien los protagonistas arrancan desde distintos lugares, sus caminos eventualmente se cruzan. En pocas horas, entre ellos afloran conflictos y sospechas, como un eco de la máxima sartreana, “el infierno son los otros” (planteada en la corta obra teatral del pensador francés, A puerta cerrada). El personaje de Miguel Ángel Solá se perfila como líder del grupo, mientras el resto encarna diversos roles: Soledad Silveyra es una embarazada ansiosa y desconfiada; Tita Merello, una anciana nostálgica, artrítica y senil; Sandra Mihanovich, una monja enigmática y supersticiosa; y María Leal, una prostituta agresiva e impulsiva. Un loco y un jugador de futbol completan el elenco.

En los primeros minutos del film, los protagonistas se conocen en happenings apocalípticos, encuentros fortuitos y esquizofrénicos. Sobre un fondo de cadáveres en calles vacías, Solá persigue a Mihanovich, Leal escapa del jugador de fútbol y Silveyra es acorralada por Merello y el loco. Luego, el recelo inicial desemboca en una necesaria convivencia, aunque este giro es algo brusco y poco convincente. Los miedos no busca una coherencia dramática sino una lógica onírica. Es una pesadilla, un territorio mental. Merello, Leal y Silveyra ofrecen notables despliegues actorales, revolcándose en el piso, tirándose de los pelos, gritando, pataleando y llorando sobre la arena de un desierto interminable. A veces, recuerdan a los personajes del director polaco Andrzej Zulawski, como los de Diabel o En el globo plateado, que sufren ataques epilépticos o emprenden bailes despiadados. No son tan relevantes sus pensamientos, ni sus pasados o futuros, tanto como sus presentes de movimiento agonizante, capturados por la cámara.

Las fallas técnicas, los problemas de ritmo y la pasión setentista por los zooms empañan un poco la propuesta. Por otro lado, Alejandro Doria no abandona totalmente ciertos modelos narrativos propios del género: las tensiones entre los sobrevivientes, las motivaciones psicológicas, etcétera (pienso en películas como 8 a la deriva, de Alfred Hitchcock, o La cosa, de John Carpenter). Lo cual es un problema, porque, como cine convencional, Los miedos es un fracaso: contiene innumerables baches argumentativos, los protagonistas adoptan actitudes incomprensibles y la resolución es insalvablemente cursi. La película brilla por sus elementos más experimentales y abstractos: las sesiones de llantos y alaridos, la brutalidad del paisaje, la fisicalidad de las actuaciones, el fin del mundo inscripto en los cuerpos de los actores. La ciudad habrá sido abandonada, pero el peor destino es el de sus habitantes, muertos o convertidos en dementes. Hay que tener en cuenta, además, que esta cinta sobre cuerpos transformados, poblaciones desaparecidas y autoridades asesinas se estrenó en plena dictadura militar.

– Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine

¿Cómo se realizo Horda Salvaje? Entrevista al director German Favier


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¿Como surgió la idea de hacer esta película?

“Horda Salvaje” no fue concebida naturalmente y mucho menos lo fue por un medio creativo impulsor. Yo estaba post editando “Las Piezas del Mal”, cuando Hernán Fernández, quien coprotagoniza la película, una noche se vino con el auto (El mismo auto de la película) y me planteó lo de hacer una película de zombies. Quería una película bien clásica de muertos vivos, tipo las de Romero. Pensemos que este diseño sucedió antes de la gran cantidad de películas y series de zombies que están brotando. Yo lo primero que le dije es: “odio los zombies”. Detesto a los zombies. Pero no así las películas de zombies. Entonces, cuando me brindó su colaboración en la preproducción y me pidió que abordáramos esa temática, empecé a pensar seriamente cómo proyectar algo que me agrade. Y se me ocurrió mezclar los elementos de las series que más me gustan: “CI5 The professionals” y “24” con la temática de los muertos vivos. A algunos quizá les guste porque la parte policial está bastante presente, la jerga, los comportamientos, y los zombies son puestos a prueba no tan obviamente y no comen carne humana. A otros puede disgustarle precisamente eso: los zombies al fin y al cabo no son los típicos muertos vivos de las películas de culto. Tienen aspecto de delincuentes y andan armados.

¿Coméntanos un poco sobre la historia y los personajes? 

La historia de fondo de Horda salvaje es siniestra: Un poderoso, junto con aliados políticos, desea subvertir a los ciudadanos marginales utilizando un reactivo líquido inyectable, altamente adictivo, que a la larga  no sólo los destruye sino que de alguna manera los vuelve zombies. De modo que esos seres temibles, de orígenes delictivos, armados y difíciles de matar, se vuelven contra la gente. Cuatro elementos para nada destacables de la sociedad, se unen para hallar la causa del brote zombie: un corrupto policía encubierto, un pirata del asfalto, una prostituta y una licenciosa secretaria judicial. En el inicio de la película, el trato que reciben los protagonistas masculinos en manos de seudomilitares es brutal: los castigan y torturan para sacarles información del reactivo zombie, con oscuras intenciones. Nada es agradable ni augura un final felíz. Desde las emisiones televisivas, donde hay dolor y gritos hasta las emisiones radiales en inglés, donde advierten de los peligros nucleares, cada elemento es básicamente apocalíptico. Como decía la vieja canción: No hay futuro.

En cuanto a los personajes yo me imaginé una dupla de tipos rudos, que sepan de armas incuestionablemente, que se traten en forma cortante e irónica, que no tengan miedo a nada y que se lleven amigablemente mal. Me figuré que una película así necesitaba a su vez mujeres egocéntricas que desestabilicen a los caracteres masculinos, y que a su vez sean antagónicas por el vértice. De Chandler y su obra literaria, siempre destaqué el rol de las mujeres, quienes de una u otra forma alteran los hechos, y llevan a los hombres de las narices. También usé ese concepto en el desarrollo. Asimismo siempre me fascinó Hans Gruber, el temible villano cáustico de “Die hard”  y cuando vi a Javier Zanón en el personaje me dije “Bien ahí!”. El casting creo que es una de las cualidades destacables de esta película independiente, y son los que se cargan las expectativas de una cinta donde se vislumbran los zombies pero los peores son los seres humanos comunes.

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¿Donde se filmo? 

Horda se filmó en lugares muy lindos que Andrés supo sacarles provecho. Muchas cosas son en provincia y otras en capital, pero las mejores locaciones son la fundición (que la cedió un pariente de Hernán) y el laser game (brindado por el esposo de la Sra. Daniela de Rocco) en los cuales se hicieron las mejores escenas de zombies versus humanos. Usé indiscriminadamente el domicilio de mi hermano, donde muere la armadora del reactivo zombie (o quizá no muere, pero creo que en mi mente termina desangrada) la casa vacía de un allegado a Hernán, el estudio de arte de un amigo de Javier Zanón y el departamento de un compañero de trabajo. A cada locación tuve que ir con un flete y cargando y descargando las luces, por lo que terminaba cada rodaje, casi sin signos vitales, porque no podía obligar a nadie a ir conmigo ya que la mayoría laburaba o tenía otras ocupaciones. De todas formas lo haría de nuevo.

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¿Cómo fue el proceso de realización? 

Desde el vamos que encarar una película independiente es una aventura en donde se vive cada día de producción como uno de los capítulos de esos viejos seriales de cine donde terminaba con una terrible incógnita, sin saber cómo zafarían los protagonistas de las trampas y obstáculos de la aventura. Horda hasta el último segundo de postproducción fue un vértigo inimaginable. El equipo primitivo, compuesto de gente muy prolija, contó con Rafael Fiorucci, comandando la producción (y con quien habíamos originado el  tráiler de Uno x Uno) , Lucila Presa como punta de lanza de lo estético y Andrés Cueva detrás del aspecto técnico. Creo que leyeron el guión, perdieron la conciencia y los reanimaron con electroshock, para luego caer en cuenta de lo delirante que era semejante empresa. Aún así de alguna extraña forma confiaron en mí y se prestaron a la tarea. Como todo equipo, hay un desgaste, pero en realidad aquí sucedió que algunos tuvieron que abortar por temas laborales (la película se extendió por muchos meses) y personales. No obstante y cambiando algunos roles, la producción terminó su trabajo orgullosamente. Ahora; eso es en lo humano, pero también está el tema económico. El dinero que se utilizó mayormente se repartió en las luces de alquiler, la cámara, el sonido, viáticos y catering, y todo vino de mi bolsillo y del de Hernán Fernández. Cuando analicé los costos de producción, mientras repasaba el guión con Hernán, le comenté que iba a salirnos bastante caro. Que nos íbamos a quedar sin vacaciones ambos y que nuestras novias nos iban a dejar en la calle. Pero casi al unísono dijimos “Y bueno!”…Le dimos para adelante. Queríamos hacer esta película desesperadamente. Rafael pudo hacer unas planillas precisas y siempre estuvo dando una mano en todo, Lucila vistió a los actores con astucia (el resultado está a la vista) y Andres planteó la fotografía de una manera única y en lo que creo que marca su modo, un estilo internacional que realzó todo el desarrollo visual de la película.

En cuanto a la parte de armamento y acción Emilio Rodriguez fue el responsable del desplazamiento de los comandos, y la capacitación para la correcta  manipulación de armas por parte de los actores que desconocían su uso. Luego Jorge Bizcaglia, entrenó físicamente a Angy Jaume para su performance agrediendo a Dany Blanco propinándole patadas. Y  el armamento fue en gran parte cedido por Gustavo Cosentino, salvo el arma colt de Cris y el magnum del guardaespaldas, ambos traídos por Emilio a los fines de darle un arma característica a cada personaje.

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¿Tuviste que crear algún efecto digitalmente? 

Ya había disfrutado (y no, también) varias experiencias con armamento con balas de salva. Teniendo cero presupuesto, la única opción es generar flares por after, y componer audio acorde. Ahí entró NO EFFECT, con Juan Favier a la cabeza, quien se abocó a la monumental tarea de fusionar el destello y partícula de cada arma en donde corresponde. Teniendo en cuenta la cantidad de disparos, se necesitó de mucha paciencia para que una sola persona (Solamente Juancito!) pusiera uno a uno los detalles por animación. Ojalá fuera cortar y pegar…

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¿Cómo se llevo a cabo la creación de los zombies? 

Por intermedio de Emilio Rodriguez, llegamos a entrevistarnos con Enzo Giordano (Dueño de Ilusiondreams Fx) y con Patricia Porcel, ambos hacedores de make up y efectos especiales, con quienes se esbozaron los rasgos principales de los seres malignos de Horda salvaje. Como soy un hombre básicamente ochentoso, me crié jugando con el Sega y el concepto de los villanos finales por “stage” es un condimento que quise proyectar en los enemigos. Mi deseo era ver varios enemigos característicos; esos que uno se acuerda por su aspecto, de ahí que apareció el payaso, el encapuchado, el seudonazi del final, etc. Ilusiondreams Fx se puso manos a la obra y fue creando zombies sobre la marcha con un presupuesto nulo. La verdad que hicieron uso de todo lo que tenían, y tuvieron que inventar prótesis complejas para darles un estilo propio a cada malvado.

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Sabemos lo difícil que es realizar una película independiente. Contanos un poco que problemas surgieron…

¡Problemas un montón!. No podemos falsear ni disimular el resultado que se ve en la pantalla. La película fue llevada al cine por un grupo mínimo de personas. Quizá algunas cumplieron más de dos roles. Algunos estuvieron parcialmente y otros de principio a fin. Otros ocasionalmente, pero de todos, guardamos en la imagen su impronta. Ese grupo minúsculo, contó con un monto de dinero liliputiense, que extraje de mi sueldo y de lo que pudo poner Hernán. O sea que además de pocos,  esos pocos pusieron mucho de sí para lograr cumplir con los objetivos.  Tardamos como dos años en terminar la película, en darle fin. Horda fue como caerse de una escalera infinita, con escalones flojos y barrotes oxidados en los costados. Las locaciones se conseguían y se caían días antes de filmar, los vestuarios eran insuficientes, el catering era complicado de desarrollar ya que éramos dos o tres en el set cumpliendo múltiples funciones, las actrices tenían otros trabajos de modelaje y hasta llegaron a irse del país abruptamente, de manera que tuvimos que filmar con ellas improvisadamente  las escenas para que pudieran irse, actores para personificar zombies que nunca vinieron, armamento que se deterioró o que hubo que devolver antes de tiempo, condiciones climáticas insoportables, ruidos y molestias que arruinaron complejas tomas, enfermedades, falta de equipo técnico, destrucción espontánea de la pre edición…en fin, las siete plagas.  Con un renovado juego de roles, Enzo Giordano se puso a sudar junto conmigo para terminar la edición de Horda. La pre edición la hizo Ángeles JinJin. La música que se pudo utilizar fue la de las grandes bandas en ascenso “GENETICA” y “FEROCIA” los que pusieron de buena gana los mejores temas de ambas bandas, y que pueden oírse en la película desde principio al fin. El resto es historia…