¿Cómo se realizó Última Sangre? Entrevista al director German Favier


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Última sangre es una película sintética, con un lazo fuerte a las viejas películas de cine de género. No es gore, pero muere gente, y sin ser un slasher, tiene un villano típico de las producciones ochentosas de terror. A continuación, entrevistamos a German Favier, director del film. 

¿Cómo surgió la idea de hacer esta película?

Después de terminar Horda Salvaje, se empezó en colaboración otra película, que está en post edición, al día de la fecha. Hubo un bache en la última parte de la producción, y mientras deliberábamos sobre el tiempo muerto, se nos ocurrió llenar el espacio filmando algo más pequeño, con menos actores y en locaciones accesibles. Una noche de ver viejas películas de la Hammer y algunas producciones de Hooper te llevan a decidir estas cosas con imprudencia.  Pensábamos que iba a ser un día de picnic. Que en cuatro o cinco jornaditas lo sacábamos. Hasta el día de hoy bromeamos sobre lo ilusos que fuimos. No somos Tobe Hooper. Es más, hasta creo que Tobe Hooper se hubiera vuelto loco.

Contanos sobre el monstruo que utilizaste

Es una momia nazi. Las momias son los primos bobos de los zombies. Estábamos  con ganas de hacer algo con el uniforme de los mejores villanos de la historia: los nazis. Entonces se hechó mano a un guión antiguo que tenía yo por ahí –más precisamente tipeado en  una Olivetti– donde estaba el Hans Graff Haffner de esta historia y su uniforme macabro. Es invariable y orgánico en mí: termino de ver alguna película italiana de nazi-explotation y escribo algo. Por eso tengo muchos guiones nefastos encajonados. Después de Ultima Sangre, decidí que los próximos villanos serán mujeres, como verán próximamente en Evil Noir.

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El guión es más bien acotado ¿Se pudo desarrollar la historia en su totalidad?

Yo creo que uno nunca puede darle la profundidad a una historia si no tiene una duración de más de una hora y cuarenta. Pero hay que acostumbrarse a sintetizar y plantear muy claramente un comienzo con los datos necesarios para que se llegue a la mitad con suavidad y no apresurar el clímax innecesariamente. En Última Sangre se le dio un tratamiento casi natural a la prosa cinematográfica, porque el cuento está narrado por un personaje, y es un viaje a algo que ha sucedido. Es como escuchar la vivencia de un amigo: va contando los hechos sobresalientes y no profundiza más que lo necesario. Y en definitiva, la película es estrictamente eso: un tipo cuenta lo terrible que le pasó a él y a su mujer cuando se vieron envueltos en la escritura de un libro sobre un oficial nazi.

¿Cómo fue el proceso de realización? 

La parte creativa fue inmensa. Hay mucho trabajo prostético, porque Enzo se toma las cosas en serio, como yo, y siempre decimos que aunque no haya un plano directo y detallado de una prótesis, ésta debe estar correcta, para evitar que se escape algún detalle y se advierta. La máscara del “momio”, como le decimos cariñosamente, consta de varias partes, cada una de las cuales fue modelada con el propósito de adecuarlas a la cara de Gustavo. En lo más mínimo, se nota la dedicación de Enzo y el compromiso con los efectos especiales. (No por nada lo llaman de todos lados). También está el traje de Hans, que fue confeccionado junto a la pistola Luger por Gustavo, que se dedicó a pleno a customizar elementos de otra índole y adaptarlos con un resultado sorprendente (algo dificilísimo de hacer sin una base de conocimientos de mecánica). La cripta de Hans, un lugar prestado por Arturo (originalmente era un sótano) fue hábilmente decorado y confeccionado por Enzo y Gustavo, con antigüedades del local que está encima. Los afiches y material de promoción fueron obtenidos tras la lente de nuestro querido fotógrafo Sergio Fernández, que con sobriedad y un impecable sentido del humor  siempre está presente.  Yo me fui a Once, y compré retazos gigantescos de tela negra de diferentes géneros para el drapeado de las chicas Vril, y les conseguí algunos accesorios como cinturones y otras cosas alusivas. También hice los storyboards y algunas otras cositas, como el dibujo del nazi que hace mi personaje.

Se utilizó humo, fuego para alumbrar algunas partes y luz puntual en otros casos. Enzo, que fue el director de fotografía, hizo magia para lograr lo mejor dentro de la escasez de material lumínico y de las dimensiones de los improvisados sets donde filmamos. Después, muchas cosas se corrigieron en post, se agregaron efectos digitales que aportó Juan Favier –que vivificaron el aspecto de la resurrección y los disparos del oficial alemán–  y  más tarde se buscó el efecto vintage en el terminado. Hay cuchillos ornamentales –uno creación de Gustavo y otro que es mi amuleto– candelabros de múltiples velas, etcétera.

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¿Cómo fue el trabajo de los actores?

Me encanta escribir guiones para que los actores que lo lean interpreten de movida lo que está escrito. Quizá algo del mecanismo de la historia pueda quedarles en tinieblas, pero cuando hago la descripción y las acotaciones, son súper claras, y eso les gusta y me sirve. En Última Sangre se sumó esa dedicación especial a la calidad de los intérpretes. Elizabeth Rainieri , Elisa Nasi y Vale Ingrassia, que encarnaron a las mujeres Vril, lo hicieron con un profesionalismo remarcable. Rodolfo Grieco, que viene de la rama del teatro, nos sorprendió con lo que logró trasmitir. Hubo tres casos aparte, que fueron los de Enzo Giordano, Mariano Urquiza y Marta Tuffo, que no son específicamente actores  y que sin embargo lo hicieron muy bien, con mucha onda. Gustavo, dentro del uniforme y la máscara, creo que la pasó de maravilla (aunque no le gusta estar disfrazado) y, en otro contexto, tengo a María Marta Elías y a la señora Daniela Rodríguez de Rocco, quienes realizaron los papeles femeninos con mayor exposición, y que verdaderamente se ciñeron al personaje.

¿Qué inconvenientes surgieron en el rodaje?

Por un lado, las cosas malas son las clásicas de los rodajes, como el tiempo reducido del que dispusimos en las locaciones como para desarrollar la cantidad adecuada de planos. Aún así, se optó por filmar lo que a nuestro criterio era lo esencial. Otro ejemplo es la cantidad de inconveniencias que se sucedieron una tras otra: demoras injustificadas, roturas de elementos, cortes de luz, etcétera. A pesar de estos contratiempos, las cosas buenas vinieron de la mano de darle vida a un monstruo, que es lo más satisfactorio de hacer esta clase de cine: Crear un villano y verlo deambular por ahí. Contar con gente que se pone la camiseta es fundamental para que todo llegue a buen puerto, y en este caso hubo gente así. En líneas generales, estamos contentos de poder tener esta película independiente en un DVD, poder verla junto a nuestros amigos y, por qué no, poder exhibirla en un festival como el BARS, que es uno de los mejores difusores de esta clase de cine.

Festivales: BAFICI 16 – Todos los ganadores


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Se termina otra edición mas del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) con una buena recepción de público, una programación variada y abultada y una lista de premios que les dejamos a continuación. Felicitaciones a todos los ganadores!

Competencia Internacional:

Mejor película: Fifi Howls from Happiness (Estados Unidos/Francia), de Mitra Farahani.

Premio Especial del Jurado: Mauro, de Hernán Rosselli.

Mejores Directores: Diego y Daniel Vega Vidal por El Mudo (Perú/México/Francia)

Mejor actriz: Sophie Desmarais por Sarah préfère la course.

Mejor actor: Fernando Bacilio por El Mudo.

Menciones especiales para: El futuro (España) y Mary is Happy, Mary is Happy (Tailandia)
Competencia Argentina:

Mejor Película de la Competencia Argentina: El escarabajo de oro de Alejo Moguillansky y Fía-Stina Sandlund.

Mejor director: Gustavo Fontán por El rostro.

Mención Especial: Carta a un padre de Edgardo Cozarinsky.
Vanguardia y Género:

Gran Premio: Manakamana (Estados Unidos/Nepal), de Stephanie Spray y Pacho Vélez.

Mejor Largometraje: It For Others (Reino Unido) , de Duncan Campbell.

Mención Especial: Living Stars (Argentina), de Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Mejor Cortometraje: Redemption, del portugués Miguel Gomes.

Mención Cortometraje: Alan Vega, Just a Million Dreams, de Marie Losier.
Competencia DDHH: El cuarto desnudo (México), de Nuria Ibañez.

Mención Especial: ReMine, el último movimiento obrero, de Marcos Martínez Merino.
Cortometrajes:

Primer Premio: Lo que dicen del monte, de Octavio Tavares y Francisca Oyaneder.

Segundo Premio: La Reina, de Manuel Abramovich.

Menciones Especiales: Rockero Reyes, de Romina CohnNo sé María, de Paula Grinzpan.
Premio del Público: Mientras estoy cantando de Julián Montero Ciancio.

Premio FIPRESCI: Mauro de Hernán Rosselli.

Premio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos (ACCA): Carta a un padre de Edgardo Cozarinsky.

Premio ADF: Para el Director de Fotografía Fernando Lockett por su trabajo en Algunas chicas de Santiago Palavecino.

Premio FEISAL: Ciencias naturales de Matías Lucchesi. Mención especial para Castanha (Brasil), de Davi Pretto.

Premio Signis: Sarah préfère la course (Canadá), de Chloé Robichaud. Mención especial para La Salada de Juan Martín Hsu.

¡Nos vemos en el BAFICI 17!

 

La segunda muerte: Entrevista a Santiago Fernández Calvete


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Entrevistamos a Santiago Fernández Calvete, director de La segunda muerte, un buen exponente del género fantástico argentino.

La película esta protagonizada por Agustina Lecouna, Guillermo Arengo, Tomás Lizzio, Germán de Silva, Mauricio Dayub y gran elenco.

FBC: ¿Como te inicias en el mundo del cine?

S.F.C.: Desde chico me gustaba dibujar, hacer historietas y escribir cuentos. También filmé algunos minutos con una Súper 8 de mi abuelo. Pero una vez participé de un comercial, como actor, digamos, cuando tenía 10 años. Era un comercial de un vino, uno en el que al final aparecía la cajita en una cascada. El comercial se filmó en Buenos Aires, y me acuerdo que me invitaron a ver cómo filmaban la cascada. Me dio curiosidad saber dónde había una cascada en Buenos Aires. Finalmente descubrí que era una cascada de dos por dos en la entrada de un restaurante. Me pareció fascinante descubrir cómo el cine engaña al ojo, cómo miente dulcemente. Y cuando tuve 20 empecé a estudiar orientado al guión.

FBC: ¿Nos podrías contar como se gestó el proyecto de La segunda muerte, tu opera prima?

S.F.C.: Era una idea que había estado dando vueltas en mi cabeza durante mucho tiempo. Como desde los 15 o 16 años, que en una reunión con amigos pensé que una de las cosas que más terror podrían causar es una aparición mariana. Tiempo después se hizo un concurso de mediometrajes de terror, y con mi hermano bocetamos una historia que finalmente no prosperó. Pero me quedé con las ganas de escribir un largo con la idea y así fue. El primer borrador fue del 2007 y la película se terminó filmando a fines del 2010.

FBC: ¿Que referencias tuviste a la hora de abordar el género y que opinas del momento que esta atravesando?

S.F.C.: Yo soy un amante del cine, veo terror, policial, comedia, veo todo lo que puedo. Creo que sería imposible saber cuáles fueron mis influencias. Sí sé que en La segunda muerte algunos ven elementos del cine asiático de terror, otros ven algo de Twin Peaks, y otros algo del cine negro. Yo traté de ser fiel a la película que me había imaginado, que tenía elementos de muchas fuentes diversas, de todo lo que había visto a lo largo de mi vida. Cuando estuve por filmar me di una sobredosis de cine de terror y fantástico. Tal vez por temática la que más he visto fue El exorcismo de Emily Rose, que plantea un debate entre ciencia y religión.

FBC: El terror y la religión es casi un subgénero. ¿Cómo entendés esta relación tan prolífica en el mundo del cine?

S.F.C.: La religión es uno de los temas más comunes a toda la humanidad. Son pocas las personas que no se han vinculado nunca con una religión. La religión es fascinante, sea por fe o como objeto de estudio y el cine no podía permanecer ajeno a eso.

FBC: Hay dos aspectos técnicos que llaman la atención en la película, el sonido y el color. En cuanto a los efectos de sonido, están bien usados, ajustados a determinados momentos, y no se abusa de este recurso como viene pasando en muchas películas de terror en los últimos años. Con respecto al color, hay dos registros distintos y el monocromático es el que predomina en la mayor parte de la película. ¿Nos podés contar como se trabajaron o que tuviste en cuenta en relación a ellos?

S.F.C.: El color tiene dos tratamientos, uno desaturado que es para el presente y uno saturado para el pasado (sean los flashbacks narrativos o las visiones del vidente) La idea era respetar el conepto de un presente apagado y un pasado mucho más furioso y que aún está vivo.
Con el sonido se hizo un trabajo muy metódico. El sonido directo fue tomado por la misma persona que hizo la mezcla y la música. Nos inspiramos en la banda de sonido del videojuego Silent Hill, nos gustaba de ese juego la atmósfera perturbadora, de peligro inminente, de desconcierto. En La segunda muerte hay ruidos que no sabés si son de la música o de la escena.
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FBC: El género fantástico esta pasando por un buen momento en Argentina, pero no tiene mucha tradición.

S.F.C.: Me parece que todo el cine de género esta comenzando a levantarse, tanto el fantástico, como el terror o la ciencia ficción, pero también el policial, el thriller. La tradición del policial existió siempre, en el caso del terror y el fantástico tal vez más en la literatura y el comic. Yo creo que es solo una cuestión de presupuestos. Hacer estas películas es caro, no la hacés en el living de tu casa con dos amigos. Para que se vea bien tenés que invertir dinero, porque si no lo hacés así, quedas como un cine de clase B. Creo que, además, hoy se perdió la vergüenza de decir que uno hace este tipo de cine y eso deja en evidencia que toda la industria entiende la importancia de hacer este tipo de películas. De hecho, el INCAA ha creado Blood Window que es una forma de ayudar a hacer, promover y vender cine de género argentino en el mundo.

FBC: Siempre hay anécdotas en los rodajes. ¿Te acordás de alguna para contarnos?

S.F.C.: Sí, me acuerdo que en la noche que filmábamos la lluvia sobre la iglesia y el cochecito de bebé humeando se empezaron a escuchar ruidos en la casa de al lado de la iglesia. Era una casa que estaba a disposición nuestra y no había nadie. Pero se escuchaba un lamento y ruidos muy raros. Parte del equipo, digamos femenino, estaba aterrado y nervioso. Todo terminó en un perro pulguiento que se había quedado atrapado. Otra cosa divertida fue el paso del tiempo. Una vez terminada la película, quisimos doblar algunos diálogos. Tomás, el actor que hace del niño clarividente, había crecido tanto que no podía doblarse a sí mismo, su voz había cambiado. Otro caso fue cuando tuvimos que grabar llantos de bebé. En la película parece que se escucha uno solo, pero son dos bebés. El que se ve en la película y el que tuve yo tiempo después y que ni imaginaba iba a tener.

FBC: La película participó en varios festivales internacionales. ¿Cómo fue el recibimiento del público y de la crítica?

S.F.C.: El público siempre respondió bien. La gente va y disfruta la película. En Corea (estuvo en el Festival PIFAN en Corea del Sur) luego de una función, un hombre se puso de pie y aplaudió exaltado. Yo no entendía qué pasaba, pero gritaba que amaba el cine argentino y que estaba encantado con la película. La segunda muerte se disfrutó en todos los lugares a donde fue. Las críticas siempre fueron buenas en el exterior.

FBC: Uno de los puntos críticos del cine argentino son las ventanas de exhibición que tienen las producciones nacionales. ¿Que recorrido esta teniendo la película en las salas?

S.F.C.: La película salió con 10 copias, lo que es un lanzamiento chico. Además, salió con poca inversión en publicidad. No es culpa de nadie en particular, claro está, es que el cine argentino generalmente sale así. A pesar de eso, hicimos un buen número, más de lo esperado dadas las circunstancias. Lo que demuestra que el público argentino está ávido de este tipo de películas.

FBC: ¿Tenés algún proyecto a futuro que nos quieras adelantar?

S.F.C.: Este año estaré filmando un thriller junto a Magma Cine, la misma productora de La segunda muerte, que pertenece a Juan Pablo Gugliotta y Nathalia Videla Peña. Es una historia de traición pero también una historia que habla de la falta de intimidad a la que estamos expuestos mediante el uso irresponsable de la tecnología. Por ahora se llama Testigo íntimo y se filmará a mediados de año.

 

Trailers: Relatos Salvajes, lo nuevo de Damián Szifron


Se trata de una de las películas argentinas más esperadas del año, un compendio de “relatos salvajes”, como anuncia el título, protagonizado por un elenco extraordinario, que incluye a Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg y Darío Grandinetti. El director y guionista es Damián Szifron, creador de la genial serie Los simuladores y del film Tiempo de valientes.

Como se aprecia en el nuevo trailer -el segundo que lanza la distribuidora Warner Brothers- Relatos Salvajes es una estructura coral, en la que distintos personajes, sin proponérselo, se encuentran en situaciones violentas. No queda claro, según lo que revela el avance, si las tramas se entrecruzarán o si conformarán una serie de historias inconexas. De todos modos, se podría comparar la apuesta de Szifron con la del director chino Jia Zhangke, quien el año pasado estrenó A Touch of Sin, otro conjunto de “relatos salvajes”, en los que personas comunes desencadenan actos criminales o suicidas.

La corporación: Entrevista a Fabián Forte


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A continuación, la entrevista que le hicimos a Fabián Forte, director de La corporación, con motivo del estreno en cines.

FBC) ¿Como surgió la idea de La corporación?

F.F.) Surge como análisis del mundo en el que estamos viviendo. El dinero como control absoluto de todo. Los medios de comunicación para forjar ideas y “modas” a la gente. Como se manipulan las costumbres, los ideales, lo que debe ser y lo que no, como se debe vivir y que es lo que hace a la felicidad.  Las relaciones humanas cada vez más distantes e individualizadas.  A su vez el mundo de Felipe Mentor (su vida privada) es un set similar al de un rodaje, obviamente influenciado por el oficio del que vivo que es el cine.

FBC) ¿Cómo fue el proceso de producción de la película y, en particular, como fue la elección del elenco?

F.F.) El proceso de producción nace cuando el proyecto es tomado por la productora Cinemagroup. Ellos presentan el proyecto al INCAA y se logra el apoyo del mismo. Contamos con 4 semanas de preproducción y 5 semanas de rodaje, entre los meses de enero y febrero del 2012.  El elenco fue un casting mental que fui haciendo con los años. El guión lo escribí hace mucho tiempo y la historia estaba en mi mente. Trabajé en muchas películas como asistente de dirección y conocí actores y actrices, muchos de renombre.   Fui pensando en cada uno como posibles opciones de personajes y hablando con ellos cuando ya el proyecto había salido.  En el caso de Osmar, lo ví en teatro y me pareció ideal para el protagonista, Felipe Mentor.   Tuve la suerte de contar con un elenco de lujo, actores que elevaron la calidad de los personajes.

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FBC) Esta es tu película más grande en cuanto a producción. ¿Que te significó esta cuestión a la hora de dirigir? ¿Qué cambió en relación con tus otras películas?

F.F.) Las otras películas que realicé  (Mala Carne (2002), Celo (2006), Malditos sean! (2010)) las hice de manera independiente, por lo cual el dinero era mío o de los actores que eran co-productores de la película (Celo). Con Malditos sean! la inversión la hicimos con Demian Rugna, (guionista y co director).  En el caso de LA CORPORACIÓN, conté con el apoyo monetario del INCAA.  Y era considerablemente mayor, obviamente-  No fue ninguna presión para mi, incluso elegí solo dirigir la película y no producir para no estar pensando en factores monetarios. Quería concentrarme solo en como contar la historia.  Con respecto a la diferencia entre hacer cine indie y hacer cine “comercial” (si el INCAA apoya tu película debes terminarla en tiempo y forma y estrenarla) es que produciendo independientemente tenés libertad absoluta en sus resultados y en lo que querés contar y como, por ponerte solo un ejemplo.   También podes elegir a un actor amigo, tu vecino, para que la protagonice. Al hacer una película comercial debes pensar en un elenco conocido, como también rodearte de un buen equipo en quien confiar y trabaje profesionalmente para que tu película este bien organizada.  Tu película es un producto que luego se comercializará, y tiene una planificación distinta. A su vez, a veces tener más dinero puede traducirse en un resultado mediocre, si no es bien distribuido en las cosas necesarias para la película. En este caso, la producción y el rodaje fue un lujo.

FBC) La película esta muy cuidada en todos los aspectos, se podría decir que tiene un aire “elegante” y, por otro lado, el guión se nota que esta muy trabajado cuidando cada detalle. En definitiva… se parece mas a una película europea que a una latinoamericana. ¿Coincidís en este punto?

F.F.) Creo que la película se ve muy bien. El mundo de Felipe Mentor debía lucir publicitario, elegante, bello. Lucir perfecto, irreal. También debía tener frialdad, como su carácter.  El arte y la fotografía como el vestuario van de la mano y creo que el resultado logrado es muy certero.  Con respecto al guión, traté de ser cuidadoso y no tener escenas de más. No quería derrochar tiempo y dinero en escenas que luego quedarían borradas en edición. Es un guión muy pensado y trabajado, con una estructura muy sólida.

Puede lucir como una película europea. Con esto me refiero a cómo se ve, no a su temática, que la considero universal.  No se encierra en nuestras costumbres, va más allá- Apunta a temas más abarcativos, que bien pueden ser comprendidos por alguien que viva en el otro extremo del mundo.

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FBC) ¿Cuáles son tus influencias o referentes del mundo del cine en general, y mas puntualmente, cuales fueron a la hora de hacer esta película?

F.F.) Creo que siempre me influye la literatura fantástica que leo y leí desde chico. Obviamente el cine también influye. Considero que la cabeza es una licuadora de ideas, muchas concientes y otras inconcientes.

FBC) Una de las cosas más interesantes es la mezcla de géneros que se da entre el drama, la comedia, la ciencia ficción…

F.F.) Si, es difícil definir a la película en un género. Me gusta eso. Le da fuerza y vitalidad también. Es una rara avis dentro de nuestro cine nacional. En lo personal, me gusta ver un cine en donde quiebre géneros, y juegue con la comedia o el suspenso. Lo he visto mucho en el cine oriental. Le da libertad a la historia y a la narración.

FBC) Presentaste la película en el festival internacional de cine de Mar del Plata con gran recibimiento del público. ¿Cómo fue esa experiencia y como sigue su camino de exhibición?

F.F.) Mar del Plata fue una gran experiencia. Fueron tres funciones a sala llena, con un recibimiento hermoso del público. También mucho nervio y orgullo pues pertenecía a la competencia nacional. En cada lugar donde presente LA CORPORACION tuvo buena recepción. Fantaspoa en Brasil, Festival de la Habana, Argencine en Madrid, Festival de Bolívar, Festival Imágenes sociales en La Rioja. Creo que la película deja huellas en las personas que la ven, como también ayuda a cuestionarnos y plantearnos sobre que es importante en nuestras vidas.  El cine tiene ese poder, que es encontrarnos con nosotros mismos.

Justicia Propia: Entrevista a Juan Manuel Olmedo


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Justicia Propia es uno de los exponentes del nuevo cine de género argentino. Una película muy entretenida con todos los ingredientes del mejor cine de acción. A continuación, la entrevista que le hicimos a Juan Manuel Olmedo, productor y protagonista del film.

F.C.: ¿Nos podrías contar como llegás a realizar Justicia Propia, tu opera prima? ¿Ya habías trabajado en el área audiovisual?

J.M.O.: En el año 2003, 04, mas o menos, cuando se iniciaba todo esto de las nuevas tecnologías y el cine digital como una oportunidad para los realizadores de poder hacer una película de una manera mas sencilla que con fílmico, armo un proyecto para presentar al municipio de Tres de Febrero llamado “CINE DE ACCION EN TRES DE FEBRERO” el cual fue declarado de interés cultural, entonces, me pongo en contacto con Sergio Mastroberti (el director del film) y decidimos hacer una película para ese proyecto. Así nace Justicia Propia, que por distintos motivos en ese momento no pudimos concretar y yo seguí mi trabajo como actor, stunt, coordinador de acción para tv y teatro, y Sergio con lo audiovisual por su lado. En 2012 nos volvimos a juntar para filmar unos cortos de acción y quedaron muy bien, a raíz de eso volvieron las ganas de retomar la película, nos juntamos en junio, y ya en agosto estábamos rodando. Yo ya venia trabajando en el área audiovisual hace muchos años pero en tv, no había hecho nada en cine. Estoy en el medio hace un poco más de 16 años.

F.C.: ¿Cual es el origen de la película? ¿Como se gesto el proyecto?

J.M.O.: El origen de la película nace de una charla con Sergio, donde estábamos buscando una historia que sustente la acción, nosotros somos de Villa Bosch (Prov. de Bs. As) y muchos años atrás en el barrio hubo un caso de narcotráfico muy resonante a nivel nacional, tomamos ese caso y le añadimos una historia de ficción, así nació Justicia Propia, luego yo trabajando con el guionista le fuimos dando forma a la estructura y a la cantidad de escenas de acción que yo quería en la película. El proyecto se gesto un poco como te contaba antes, bajo un proyecto de cine de acción declarado de interés cultural.

F.C.: La película es un policial de acción muy intenso. ¿Cuales fueron tus referentes para hacerla?

J.M.O.: En cuanto artes marciales mi referente es Jean Claude Van Damme. Para mí, él y Bruce Lee son los número uno indiscutibles de ese género, en cuanto a acción en sí, Sylvester Stallone. La película tiene algunos guiños a Cobra, Nico, el final en la fabrica como en Hard Target, una escena del hueco de un ascensor finalizada al mejor estilo Bruce Willis, y mas que nada en general al cine de acción de los 80, pero actualizado.

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F.C.: Eso que decís esta muy claro cuando ves la película, creo que hay referencias todo el tiempo. Incluso una de ellas es a Terminator 2, en la escena de persecución con vehículos, cuando cruzan el puente y explota todo. Nos podrías contar sobre la producción… ¿Cuanto tiempo les llevó hacerla? ¿Qué tipo de complicaciones tuvieron? Etc.

J.M.O.: La producción la hice en su totalidad yo con mucha ayuda en logística de la Municipalidad de Tres de Febrero. Nos llevó unas 50 jornadas, unas 30 completas y el resto medias jornadas mas o menos, hubo complicaciones típicas de cuando tenes un presupuesto acotado, pero todo salió adelante sin mayores complicaciones, lo que se puede suponer complicado en cuanto a la producción y realización de las escenas de acción, no lo fue, teniendo el apoyo municipal, pudiendo usar locaciones, cortar calles, tener policía, eso simplificó mucho toda la producción.

F.C.: ¿Recibieron algún tipo de ayuda económica para la realización?

J.M.O.: No, no hubo ninguna ayuda económica, ni municipal ni del INCAA, fue totalmente independiente.

F.C.: ¿Que pensás del cine de género argentino, mas concretamente del género acción y del momento que esta atravesando actualmente?

J.M.O.: El cine de género argentino esta creciendo mucho, mas que nada en terror que ya viene con varias películas exhibidas, vienen haciendo un gran trabajo. Un trabajo que me gusta mucho y estoy siguiendo es Daemonium. Con respecto específicamente a la acción, sacando lo que hacemos nosotros no se viene haciendo mucho. Todavía viene pasando que tímidamente ponen algo de acción como la frutillita de la torta en la película, pero nada jugado como en el caso de Justicia Propia que contiene todo lo que tiene que tener una película de acción, persecuciones de autos, peleas, tiroteos, explosiones, persecuciones a pie y todo bien desarrollado. Un tiro y dos trompadas, para mi no es acción. Aparte de peleas como la del bar, con los motoqueros o alguna de la fabrica en la película, tenemos una gran pelea final típica del género de unos 5min de duración con un gran desarrollo coreográfico. Todo eso en las películas nacionales no se vé. Estuve viendo las últimas 3 películas nacionales con acción, una todavía no se estrenó (no importa el nombre) y entre las tres no suman toda la acción que tiene Justicia Propia. En los 90 fue Comodines el gran referente de acción en la Argentina, pero cuando parecía que crecía dejaron de hacerlo. En los 2000 el gran referente del cine de acción somos nosotros, con gran proyección a futuro.

F.C.: La película tuvo algunas proyecciones y participó en festivales. ¿Que recepción tuvo de parte del público?

J.M.O.: La película fue mas que bien recibida, con proyecciones que terminaron con muchos aplausos, sorprendiendo mucho al publico con las escenas de acción y el ritmo vertiginoso que tiene. Dura 86min y pasan volando y la gente sale agradecida, En el festival de Mar del plata, la vió mucha prensa, poniéndola al nivel de las últimas películas de Van Damme o Mel Gibson, después de la proyección en Mar del Plata la gente se quedó a conversar con nosotros, queriendo saber como se armaban las peleas, las escenas de acción y demás y también muy sorprendidos por el trabajo de Gabriel Almirón y Bicho Gómez, dos cómicos que hicieron dos papeles distintos a los que vienen acostumbrados. Desde ya para nosotros haber sido seleccionados entre 2500 películas, para uno de los festivales clase A mas importantes del mundo es un logro inmenso!

F.C.: Uno de los puntos complicados en la industria es la exhibición. ¿Como pensaron la distribución y exhibición del film?

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J.M.O.: Con respecto a la distribución y exhibición, como vos decís es complicado, pero estamos trabajando en una primera etapa para dar a conocer la película a la industria (festivales, distribuidoras, mercado) como el caso de Mar del Plata y Ventana Sur, para después pasar a una segunda etapa y asociarnos con una distribuidora grande que le de llegada al film. No estamos apurados, vamos paso a paso, sabiendo que vamos a llegar al cine comercial y queriendo hacerlo de la mejor manera.

F.C.: ¿Tenés algún proyecto audiovisual a futuro?

J.M.O.: Si, ya estamos trabajando en la pre-producción de Justicia Propia 2, continuación de la primera. La historia esta pensada como una trilogía, así que nos quedan un par de años de Justicia Propia. Igual seguramente haremos otras producciones que tengo en carpeta, en el medio del proceso.

F.C.: Desde Fanboy Cave te deseamos éxitos con la película y con todos tus proyectos.

La chica mas rara del mundo (Entrevista a Mariano Cattaneo)


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Entrevistamos a Mariano Cattaneo, uno de los directores argentinos más creativos del nuevo cine de género del país.

Cattaneo, entre otras cosas, se encerró en una fábrica abandonada para darle vida a los Demonios de INCIDENTE, luego viajó en el tiempo con la exitosa serie web MARTIN MOSCA, y ahora se mete dentro del mundo imaginario de la mente para que conozcamos la vida de Melién, la protagonista de LA CHICA MAS RARA DEL MUNDO, su último cortometraje.

F.C.: ¿Cual es el origen de LA CHICA MAS RARA DEL MUNDO?

M.C.: El corto antes de ser corto, es un cuento, antes de ser cuento fue un poco de mi infancia… digamos que nace de la idea de crear, habla sobre la imaginación y los fantasmas que tenemos dentro… hay un poco de pasado y un poco de presente. Por eso, creo que es una historia que cada persona puede relacionarla con algo suyo.

F.C.: ¿Como fue el proceso de adaptación del cuento al cortometraje? ¿Tuviste que hacer muchos cambios?

M.C.: Es imposible no pasar por la picadora al llevar algo literario (pensado para un libro) a lo audiovisual… el primer conflicto básicamente fue el presupuesto, en el libro hay fantasmas, monstruos de líneas, esqueletos y demás cosas que en este momento no podría costearlo de forma independiente… entonces hice una adaptación libre, conté una parte del libro que perfectamente mantenía el espíritu y la premisa “que en la imaginación se liberan nuestros fantasmas”. Pero traté de meter todo lo que sí se podía ajustar al corto, incluso exploté mucho más el entorno de Melién (la protagonista). Jugando con el Arte y la Luz dándole vida a las palabras del libro, todo gracias a un trabajo en equipo tremendo, como digo siempre, un cortometraje nunca es algo individual, siempre es un esfuerzo creativo de todos los que participan.

La niña del guardapolvo blanco

F.C.: Hay una conexión con el universo de Tim Burton. ¿Fue una de tus influencias o referentes para este trabajo? ¿Hubo alguna otra?

M.C.: Claramente, pero yo me iría mucho más atrás, de donde el también tiene sus bases, el corto y el libro también nacen de mi amor por el expresionismo Alemán de los años 20/30, y los cuentos de Edgar Allan Poe. Burton es el tipo que más supo exponer esos aspectos en la pantalla grande de manera increíble, así que es obvio que algo de él hay acá, también de películas como Coraline. Todo lo que uno hace lo hace porque tiene en su mente algo que vio, le gustó y asimiló, nada sale del vacío, para crear, hay que ver, leer y absorber todo lo que te gusta.

F.C.: ¿Nos podrías contar como fue el proceso de producción y cuanto tiempo te llevo hacerlo?

M.C.: El proceso de producción fue un trabajo en equipo, el primer paso para darle vida a “La Chica..” fue unirme con mi productora NoDejesDeMirar a Museum Of Silence, para poder darle la vida necesaria, de ahí desarrollamos el vestuario, la paleta de colores, el estilo y todo lo relacionado con el arte. Trabajamos unos meses antes del rodaje para crear un mundo propio para el corto, si lo ves, te vas a dar cuenta de que no tiene una época definida, ni personajes reales, todo es un universo imaginario, desde Melién hasta la maestra de plástica, todo se desarrolló de manera detallada, para crear un universo propio. Después vino lo clásico, casting, filmación y la gran post-producción que se llevó unos 4 meses, ya que el corto además de un desarrollo visual específico también tenía una parte animada.

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F.C.: ¿Tuviste alguna complicación o dificultad en la producción?

M.C.: Siempre hay muchas complicaciones cuando se trabaja de forma Independiente, pero a veces eso se transforma en algo bueno, porque te permite la flexibilidad de tratar de resolverlo de alguna manera creativa. El corto existe y ya tiene vida… la gente no va a cuestionar si te costó mucho o poco ni los problemas que tuviste que cargar, la gente se va a sentar y ver que le muestra la pantalla… al fin de todo, es lo único que importa, jajaja.

F.C.: El corto se exhibió en el BARS, posiblemente el festival de cine fantástico más importante de Latinoamérica. ¿Cual fue la respuesta del público y la repercusión? ¿Van a exhibirlo en otros festivales?

M.C.: El Bars es un lugar especial, concentra a gente que consume el género con pasión, ahí van a amar tu material u odiarlo… es así, es gente que está pendiente de todo esto constantemente. La proyección fue muy buena, y hubo mucha gente que se acercó para felicitarnos, me gustó escuchar a varias personas que se sentían identificadas con la historia, eso… simplemente vale el esfuerzo. También tuvimos la grata noticia de que el jurado nos premió con la categoría “Mejor Director” si bien parece un rubro individual, es siempre un logro de equipo. Ahora estamos viajando con “la Chica…” para el 28 Festival de Mar Del Plata y luego… a donde nos lleven los festivales.

F.C.: La narración la hizo Ricardo Darín, uno de los actores más importantes del cine iberoamericano. ¿Como fue el trabajo con él?

M.C.: Fue una colaboración increíble, no hubo más que una presentación de un trailer y una foto novela para que se uniera a darnos una mano… Yo quería que el corto tenga un narrador, para que mantenga ese espíritu de cuento, lo había probado en varios cortos míos anteriormente (La Carta 282, Templario, The Raven) y me había encantado. El trabajo con Ricardo fue genial, en ningún momento marcó una distancia de “actor importante”, trabajamos desde la base de lo que se pretendía y lo hicimos a como pedía el cuento.

F.C.: ¿Alguna anécdota del rodaje para contarnos?

M.C.: Siempre hay cosas que resultan geniales para uno, pero tal vez en la narración pierdan ese efecto… tal vez lo anecdótico a remarcar, es que el cuento yo lo escribí basándome en mi escuela primaria, el colegio Don Bosco, que tenía ese aspecto de castillo antiguo, con rincones oscuros, pasillos y escaleras laberínticas… y logré realizar el corto en ese mismo colegio. Para mi fue increíble, el aula de Melién era la misma aula donde estaba yo 22 años atrás, eso le sumo una cuota personal a mis recuerdos, un pequeño homenaje a la memoria!… en fin… eso.

F.C.: ¿Por último, tenés algún proyecto en desarrollo? ¿Tal vez la continuación de LA CHICA MAS RARA DEL MUNDO?

M.C.: Sería genial una continuación… ¿porque no la película?…mmm… queda latente por ahí la idea, es una historia grande que perfectamente podría llegar a largometraje… entre esto y otra cosa más estoy trabajando ahora. Gracias por pasar por acá y dejarme contar algunas cosas del mundo de “La Chica Más Rara Del Mundo”