En 1986, Stuart Gordon venía de Re-animator, From Beyond y Dolls, que fueron un gran éxito, y se preparaba para crear un proyecto que lo acercaría al público en general alejado del terror. Por supuesto, la Empire International Pictures de Charles Band le proporcionó más dinero para que este nuevo título lo tuviera todo. Joe Haldeman (un autor de ciencia ficción) escribió el boceto de la película y, además, co-escribió el guión con el director, pero durante ese proceso las visiones de los dos fueron totalmente diferentes: Haldeman buscaba un film sci-fi serio y dramático con personajes creíbles y razonables, aprovechando sus conocimientos de soldado para los Estados Unidos, y Gordon quería algo más caricaturesco, lleno de estereotipos como un dibujo animado, aprovechando su fanatismo por la serie de animé japonesa Macross y Transformers (muy en boga por aquel entonces en todo el mundo). Varios meses después, Haldeman quedó afuera del proyecto pero, a los cuatro meses, recibió un llamado del director, convocándolo a los estudios de Empire en Italia para supervisar el film, ya que estaban teniendo problemas de guión en la pre-producción y necesitaban reescrituras.
A medida que pasaba el tiempo, el costo de la película fue aumentando, entre las filmaciones en Roma y las luchas de los maquetas-robots que el especialista en stop-motion David Allen desarrollaba en el desierto de Nevada. Los 90 días estipulados se convirtieron en un año, con lo cual la producción alcanzó los diez millones de dólares, el monto más grande que Empire puso para una película. Una repentina crisis económica, que perjudicó la moneda italiana, terminó por sellar el destino de la película. A esto se sumó la deuda con el banco Credit Lyonnais, que Empire no pudo pagar. El estudio se declaró en bancarrota en 1989 y el banco se quedó con Empire Pictures y las 11 películas que aguardaban en post-producción. Posteriormente, el estudio fue adquirido por Triumph Releasing, que tomó posesión de todo el material y lo co-distribuyó junto con Epic Films, subsidiaria de Columbia/Tristar.
Cuando Stuart Gordon se reunió con los nuevos dueños del film, para avisarles que por suerte iba a ser completado, el mundo había cambiado: el muro de Berlín había caído, la guerra fría estaba llegando a su fin y lo mismo estaba sucediendo con la serie de los Transformers. El título original iba a ser Robojox, sin la «t», en homenaje a la expresión «fighterjox» de Top Gun, pero la productora Orion Pictures, durante la pre-producción, envió un aviso amenazando con iniciar una demanda judicial por el parecido del título con su Robocop, por lo que el título tuvo que cambiarse a Robot Jox.
De todos modos, el director afirma que le fue muy bien en el mercado del cable y del video, y que con el paso del tiempo fue cosechando nuevos fans. La música orquestal fue compuesta por Frédéric Talgorn, y Ted Nicolaou (luego conocido por ser director de la saga Subspecies) fue uno de los editores del film.
La historia, tomada de La Ilíada de Homero, remite a un futuro en el que la tierra está totalmente devastada y existen dos superpotencias: Mercado Occidental (representando a los norteamericanos) y la Confederación (la Unión Soviética) se disputan varios territorios fértiles en petróleo, minerales y otras riquezas a base de combates a muerte con robots gigantes piloteados por humanos, donde el ganador se queda con el terreno; Aquiles, el piloto estrella de Mercado, quiere retirarse, ya que no quiere pelear más por haber cumplido con su contrato, pero el disputado territorio de Alaska lo hará volver en su última pelea y así enfrentarse con el rudo Alexander, que lo provoca durante todo el film. Mientras se debate entre volver o no, unos humanos hechos en probeta por el gobierno, llamados tubícolas, entrenan para buscar el codiciado puesto de ser piloto del Robot Jox.
En Argentina, Filmmaker Video la editó en VHS y, posteriormente, la película fue emitida por el canal de cable Unovision.
El género del terror siempre es considerado de menor calidad ante otros estilos. En parte se debe a que se basa en temas “no reales”, y en otra gran parte, porque se sacan pelis como chorizos de dudosa calidad. Entre tanta mediocridad, hace unos años empezó a destacar un nombre entre los demás: James Wan. El malayo lleva en su corta carrera un puñado de buenas películas de terror que lo destacan por sobre los demás, al grado que se está posicionando como alguien en quien confiar. Y con su nueva película vuelve a confirmar esta teoría.
Los Warren son una pareja que se dedica a exorcizar casas, personas y luchar contra entidades malignas. Debido a su fama son requeridos por los Perron, una joven pareja con cinco hijas que se muda a un nuevo caserón habitado por espíritus. Lo que ni los Warren ni los Perron sabían es que el ánima arraigado al lugar es más antiguo y malvado de lo que ellos podían imaginar.
Lo primero que puedo decir de la peli es que si buscan originalidad, se replanteen verla. La cosa no busca innovar ni sorprender. Y por eso tiene doble merito la película, porque a pesar de usar todos los clichés del género, hace un pastiche en el que todo se sostiene de forma equilibrada, coherente y creíble. Gran trabajo el de los guionistas en este aspecto.
Pero no solo por eso el guion es bueno. Si no que la forma en que esta construido y distribuidos los sustos es magistral. Lejos de usar imágenes repugnantes o tirar por el gore, la cosa es muy sutil y en tono in crescendo constante. Además que muchas veces las secuencias se preparan para el gran susto, y terminan en nada, haciendo que uno este expectante y tenso toda la peli, y que cuando finalmente llega el susto, se cague en las patas.
A esto hay que sumarle que Wan sabe filmar el buen guion que tiene entre manos. Lejos de los vicios del cine de terror del montón donde se abusa de la cámara parkinson o el uso del subidón de volumen para asustar; acá se busca la perfección visual con planos muy cuidados, jugando muchísimo con el fuera de campo ya sea sonoro o visual. Wan demuestra que a cada paso que da en el terror se supera como director. Y es que si Insidious era una película claustrofóbica y muy teatral, esta es aún peor (en el buen sentido).
La mala leche que desprende la peli desde el inicio, con esa historia de una muñeca que parece bastante colgada con la historia para luego ser uno de los momentos más terroríficos, es una muestra clara de lo que estoy hablando.
Pero no solo la parte dirección es destacable, sino que también el resto del apartado técnico es sublime. Toda la acción está situada en los 70. La ropa, los peinados, el decorado, los autos y la forma de hablar, todo corresponde a esa época. De hecho hay un momento de un video casero que bien podría ser un archivo real de lo bien reconstruido que esta.
También hay que destacar el trabajo actoral. Empezando por lo complicado que debe ser dirigir cinco chicas de veinte años para abajo sin que ninguna caiga mal y dándole personalidad a todas, y pasando por los principales. Patrick Wilson parece haber encontrado el género y su director, mientras que la hermosa bella y talentosa MILF de Vera Farmiga vuelve a demostrar que es una de las actrices que en mejor estado (físico y actoral) esta. Ambos interpretan a los Warren de forma creíble, haciéndolos personas reales como cualquiera de nosotros. Y es que por eso la peli puede llegar a asustar tanto, porque todos los personajes, sus reacciones y forma de comportarse es la que tendría cualquiera de nosotros.
El Conjuro se postula como uno de los mejores films de horror del año (el primer puesto se lo sigo dando al remake de Evil Dead). Una película que verdaderamente da miedo, y que tiene una factura técnica y actoral que sería la envidia de “géneros más respetados”.
Y James Wan se termina de consolidar como el mejor director de este género. A su corta edad ya tiene en sus espaldas genialidades como SAW (la única buena de la saga), la nombrada Insidious y El Conjuro.
Si no lo conocían, síganle el rastro, y de paso, asústense con esta peli.
Hace poco, en una de mis notas anteriores, hablé del trío Nolan, Snyder y Gayner y sobre el tema de resucitar o dar forma nueva a los clásicos. En esa nota en particular me referí a la nueva película de Superman. Hoy voy a resaltar el trabajo de J.J. Abrams, quien, como el trío ya mencionado, ha sabido rejuvenecer o darle un nuevo giro a una historia bastante conocida en el ámbito de la ciencia ficción.
Si bien la franquicia Star Trek es de larga data (nació en 1966), también es verdad que se caracterizó por su forma de contar historias de aventuras espaciales. Por un lado, estaba toda su dialéctica técnico-futurista (muchas referencias tenían relación con verdaderas hipótesis científicas e incluso varios aparatos que se mostraron en la serie inspiraron a fanáticos que luego, en la vida real, crearon aparatos similares) y por otro lado, su ambientación, en un futuro en el que reina la mentalidad pacifista (al menos, en el caso de los humanos), contrariamente a lo que sucedía en aquella época e incluso hoy en día, ya que dicha mentalidad es más utópica que real. Star Wars (su eterno rival) es más verosímil en la manera en que desarrolla sus conflictos, que no son tan intelectuales (por decirlo de una manera). Cuando nació la primer serie de Star Trek – hoy conocida como Star Trek: The Original Series – la misma fue de bajo presupuesto, por lo que duró tres temporadas hasta su cancelación en 1969. Aun así, una ferviente cantidad de fans la siguió (y continúa haciéndolo). Este grupo creció y permitió que la serie llegara a convertirse en una de las sagas de ciencia ficción más largas de la historia, gracias a sus spin-offs. Hasta la llegada de la serie Star Trek: Enterprise, capitaneada por Scott Bakula (actor muy conocido en el mundo del sci-fi) entre el 2001 y el 2005, no se volvió a cancela otra serie, a pesar de tener, en muchos casos, una audiencia fiel pero ajustada en cuanto al ranking.
Por otro lado, el universo de Star Trek (incluso en las últimas dos películas) no deja de ser una crítica a la sociedad actual, algo muy común en la ciencia ficción, principalmente porque los protagonistas son de un futuro lejano y analizan “fríamente” nuestra época de la misma manera que nosotros revisamos y criticamos algo del siglo XV. (Un episodio donde se puede apreciar mucho este tipo de críticas es el último de la primera temporada de Star Trek: The Next Generation, “The Neutral Zone”). Otra de las particularidades de la serie es que su sociedad es de las más utópicas entre las franquicias más conocidas de la ciencia ficción, más aún si se la compara con la belicista de Star Wars. Los fanáticos de ambas sagas entienden que Star Trek es una aventura científica de exploración y desafío intelectual con una inclinación al pacifismo, mientras que Star Wars tiende hacia las guerras y fantasías épicas. Sin embargo, el pacifismo de la Federación no quita que en el universo de Star Trek haya peleas y batallas. Pero, por lo general, son peleas más de ideología que de otra cosa. El momento más belicoso en la saga de Star Trek ocurre durante la Guerra del Dominio, que se pudo apreciar en Star Trek: Deep Space Nine.
En fin, y terminando un poco el resumen del universo trekkie, curiosamente el director y responsable de este renacimiento de la franquicia, sobre el que hoy nos toca hablar, es un fanático declarado de Star Wars, a tal punto que Disney, que compró hace poco todo lo que tenga que ver con George Lucas, se empecinó con que J. J. Abrams, quien había dicho que prefería ver la próxima de Star Wars antes que dirigirla, cambiara de opinión (algo que efectivamente ocurrió). Viendo lo que hizo con Star Trek, creo que la inversión de Disney está en buenas manos.
Star Trek: Into Darkness, la segunda película de Star Trek de Abrams, cumple con las expectativas y corrige algunas cosas de la primera. El nuevo ritmo de la saga y la onda Star Wars, heredados de la película anterior, todavía se sienten, pero todavía sigue teniendo el aire geek de Star Trek, a tal punto que hace un excelente homenaje-reconstrucción de la segunda película de la saga de Star Trek: TOS (Star Trek: La ira de Khan). Aquellos que vieron el anterior film de Abrams saben que hubo un evento espacio-temporal que modificó y reescribió toda la historia de Star Trek, a tal punto que cualquier modificación en la trama de los personajes es válida. Una maniobra inteligente, teniendo en cuenta que, a lo largo de todas las series y películas que la precedieron, los eventos temporales o dimensionales hacen acto de presencia a menudo. Incluso, hay dos o tres cosas en este universo que tratan de controlar dichos eventos temporales. Por un lado, existe una agencia que se dedica a registrar todos los eventos temporales en los que interviene el personal de la flota, como se ve en los episodios de Deep Space Nine; y por otro lado, se nota que en un futuro se determinan ciertas reglas o directivas para viajeros temporales, como se ve en Star Trek: Voyager y Star Trek: Enterprise. Pero también está el episodio “Mirror, Mirror,” que da un vistazo a los universos negativos de dichas series (Star Trek: The Original Series, Star Trek: The New Generation y Star Trek: Voyager) e incluso en Deep Space Nine logran un tipo de intercambio. Personalmente, estos episodios eran mis favoritos y tienen más relación con el universo propuesto por Abrams que los demás.
En esta nueva entrega, la nave Enterprise recibe la orden de regresar a casa y el capitán Kirk es destituido de su cargo, luego de violar la Directiva Primaria. Cuando una instalación secreta de la Sección 31 es bombardeada, Kirk, Spock y Christopher Pike, el nuevo capitán del Enterprise, se reúnen junto con otros comandantes de la Flota Estelar, cuando el responsable del ataque, el ex agente de la Flota Estela John Harrison, interrumpe el encuentro con una nave de ataque. Kirk logra destruir la nave, pero Pike muere durante el intercambio. Restablecido como capitán del Enterprise, Kirk se dedica a perseguir a Harrison, y pronto descubre su verdadera identidad.
De las cosas que solucionaron, con respecto de la anterior película, es que ya no hay tantas lucecitas molestas (los famosos destellos de lente o lens flare de J. J. Abrams) aunque la nave conserva los paneles y decoraciones súper-luminosos y el nivel de limpieza que roza lo maniático. De todas formas, lo más impactante de este cambio estético es la impresión que causa en quienes vimos las series anteriores, ya que realmente la serie es más sobria y no tan chic. El nuevo Kirk que encarna Chris Pine sigue siendo más entretenido, pícaro y molesto (en el bueno sentido, por momentos tiene toda la impronta del Kirk de Shatner), mientras que el personaje de Kahn que nos presenta Benedict Cumberbatch es soberbio y sorprendente (nuestro querido Sherlock nos demuestra que puede dejar más de un personaje memorable). Zachary Quinto, si bien no tiene la cara alienígena de Nimoy, sigue generando muy bien el aire del viejo Spock, que incluso sigue vivo en este nuevo universo. Lo que sí, el resto del reparto sigue afianzándose, algunos mejor que otros, y debo admitir que me encanta la relación de Spock con Uhura. Creo que, más allá de que no haya existido en la versión anterior, resalta el lado humano y más íntimo de Spock, ya que por una regla impuesta por la vieja guardia vulcana, solo puede mostrar sus sentimientos ante sus parejas.
Esta película es más tranquila que la anterior, en cuanto a peleas espaciales, ya que la trama es más un “atrápame si puedes,” por lo que podría hablarse de algo cercano a un policial, con muchos eventos en tierra firme. Las naves son usadas en momentos cruciales, para darle más dramatismo a la película, lo cual hace que Into Darkness pueda compararse con la última de Wolverine y Iron Man 3, ya que las tres películas tratan más sobre la evolución de sus personajes luego de los eventos de los films que las precedieron, lo que para mí es un cambio bastante interesante y necesario, más en un universo como el de Star Trek, en el que los capitanes se caracterizan más por su sabiduría, pensamiento frío y astucia. El personaje de Kirk, a pesar de la hazaña que logró en la anterior película, era más un chico con un arma grande que un adulto hecho y derecho (si bien el personaje de Shatner tenía ese aire pícaro, no era tan volátil).
Por eso creo que el film está muy bueno, no solo porque tiene los efectos especiales a los que estamos acostumbrados, sino porque habla más sobre la evolución de los personajes y sus historias personales, que están muy bien logradas por los guionistas. Este nuevo universo reinventado tiene mucha tela para cortar, aunque por lo que se ve, no lo hará bajo la dirección de J. J. Abrams, ya que el universo de Star Wars lo capturó. Pero hay que sacarle el sombrero igual, porque tras sus dos películas de Star Trek, los futuros directores de la saga tendrán un terreno próspero y una nueva camada de fanáticos, quienes si no fuera por la visión de Abrams no se habrían sumado.
La saga de Star Trek es una de las mas largas y exitosas del género sci-fi. Creada por Gene Roddenberry, comenzó en 1966 con una serie para televisión que hoy en día se ha transformado en serie de culto para miles de fans. Y es que, junto a Star Wars, Star Trek es la otra gran saga con millones de seguidores fanatizados alrededor del planeta.
La serie original -y el resto de los productos relacionados- relata las aventuras de los tripulantes del Enterprise, una nave espacial que viaja por el universo en búsqueda de nuevos planetas y civilizaciones.
Tras la serie mencionada se hizo una versión de animación y una sucesión de películas para cine, además de expandir la franquicia a otras series y todo tipo de merchandising como: videojuegos, juegos de rol y novelas.
En 2009, J.J. Abrams (ahora también al frente del regreso de Star Wars, la otra gran saga) se hizo cargo de un reboot (reinicio) de la saga, con una película para cine, que también funciona como precuela, contando los orígenes de la tripulación del Enterprise, la nave en donde viajan los protagonistas.
Ahora, cuatro años después, llega la continuación de ese film: Star Trek, en la oscuridad (Star Trek: Into darkness, 2013),.
J.J. Abrams repite en la silla de director y también lo hacen los actores principales: Chris Pine (James T. Kirk) – lo veremos en Jack Ryan, lo nuevo de Kenneth Branagh, que vuelve a llevar a la pantalla grande al agente creado por Tom Clancy en sus famosas novelas-; Zachary Quinto (Spock); Simon Pegg (Scotty) -lo veremos en The World’s End, lo nuevo de Edgar Wright; Karl Urban (Bones) -lo veremos en Riddick, lo nuevo de David Twohy; Zoe Saldana (Uhura); Anton Yelchin (Chekov) -lo veremos en Odd Thomas, lo nuevo de Stephen Sommers y en Only Lovers Left Alive, lo nuevo de Jim Jarmusch; John Cho (Sulu); Bruce Greenwood (Chritopher Pike) -lo veremos en Devil’s Knot yQueen of the Night, lo nuevos films de Atom Egoyan. Además veremos a Peter Weller y a Alice Eve.
A continuación les dejamos el último trailer de Star Trek:
Con sus más de mil páginas, Jonathan Strange & Mr. Norrel puede parecer un libro intimidante. Pero su lectura es mucho más rápida que la de otros textos incluso más cortos. No porque sea simple o demasiado fácil, sino porque Susanna Clarke, la autora, es una excelente narradora.
La novela plantea una suerte de historia alternativa, situada en Inglaterra durante las Guerras Napoleónicas a principios del siglo XIX. Según la versión de Clarke, Inglaterra tiene un orgulloso legado mágico, herencia del reinado del mítico Rey Cuervo entre los años 1111 y 1400. Sin embargo, la desaparición del misterioso monarca, en el siglo XV, aceleró la progresiva decadencia de la magia inglesa, y cuando arranca la acción de la novela, en el 1800, ya no existen magos prácticos (o sea, que pueden realizar hechizos o encantamientos) en las islas británicas, solamente académicos y eruditos. Los dos magos del título, entonces, son los primeros magos prácticos luego de siglos de exclusiva bibliofilia, y Clarke muestra cómo sus poderes afectan la historia de Europa. Algo así como Alan Moore, con Watchmen, imaginó a un grupo de superhéroes estadounidenses y se preguntó cómo habrían transformado el panorama mundial entre los 50s y los 80s.
Clarke mezcla los estilos de autores ingleses como Charles Dickens, Jane Austen y los escritores románticos para generar una atmósfera apropiadamente decimonónica. Además, incluye más de 100 notas al pie, que describen las anécdotas, las figuras, los tomos y las leyendas más relevantes de la magia inglesa. Porque el de Clarke, entre tantas cosas, es un libro sobre libros. Por más que sean magos prácticos, Norrel y Strange también son empedernidos lectores. Es más, Norrel – un literato veterano, y el primero de los dos en saltar a la fama – se convierte en un dictador bibliográfico: compra y resguarda casi todos los textos mágicos de Inglaterra. Incluyan información puramente histórica o listas de hechizos, la mayoría aguarda en los anaqueles de la vasta biblioteca personal de Norrel. Strange – más joven, más arriesgado – se convierte en alumno de Norrel para acceder a esta biblioteca, y ambos pronto entablan una relación delicada: Norrel no quiere prestar sus libros, pero lo tiene que hacer para poder instruir a Strange, el único con quien puede hablar de magia y así apaciguar su soledad; mientras tanto, Strange aprecia a su maestro pero rechaza su conservadurismo y pretende desarrollar sus propios poderes mágicos hasta las últimas consecuencias.
Podríamos esperar que Strange, por su inmadurez y ambición, cometerá algún error catastrófico o se convertirá en un demonio, pero no es el caso. Se equivoca a menudo, es cierto, y su magia lo lleva hacia la obsesión y la autodestrucción, pero el error catastrófico lo comete Norrel, a pesar de su tan mentada prudencia, al convocar a un hada para resucitar a una joven. Esto sucede al principio de la novela, cuando Norrel, que quiere convertirse en una figura social y políticamente importante, decide sorprender a Londres con una proeza mágica. Y es lo que logra al revivir a la prometida de un miembro del Gabinete. Para hacerlo, convoca a un hada, y las hadas, en el mundo de Clarke, son seres amorales e impredecibles. No son exactamente malignas, porque no conciben el bien y el mal, sino que son impulsivas y aniñadas, criaturas inmortales que perciben el tiempo como un encanto infinito, y a los humanos, como títeres en una macabra obra teatral. En el tablero de sus caprichos, las personas reviven, mueren o son encarceladas durante siglos en las mansiones embrujadas y oníricas del reino de las hadas. Norrel consigue lo que buscaba al llamar a una de ellas, pero también cimienta las tragedias que vendrán después (1).
En esta novela, la magia es peligrosa y extraña, algo imposible de controlar. Solo el Rey Cuervo pudo dominarla, y quienes lo siguieron, incluidos Norrel y Strange, fueron apenas malabaristas. Norrel, a pesar de su rol como maestro, casi nunca supera sus propias fronteras entre lo permitido y lo prohibido (salvando la excepción ya mencionada), y cuando Strange avanza por lo desconocido, lo hace a costas de su cordura. Encerrado en una habitación veneciana, busca entrar al reino de las hadas y descubre que la única manera de hacerlo es enloqueciendo. Popularmente, la figura del mago es la de un sabio que utiliza la magia como instrumento. En este caso, es la magia la que instrumentaliza a los hombres, una energía salvaje e indomable.
(1) Aunque en español las hadas generalmente son asociadas al género femenino, el hada que convoca Norrel es – si bien más o menos asexual – definitivamente masculina, un hada macho.
Film que comenzó a gestarse en 1992 cuando le surgió una idea al realizador de efectos especiales Doug Weswick (el realizador de stop-motion en The Terminator para Fantasy II), quién junto a su amigo Jim Garrison escribieron un guión en la década del setenta llamado Cycle of Blood para sumarse a la manía del subgénero de films estilo “naturaleza enloquecida” como eran Willard: la revolución de las ratas (1971) o Frogs (1972). La base la aportó el propio realizador con una vivencia acontecida de joven en la que yendo en bicicleta se encontró una garrapata agarrada en la espalda; a partir de ese momento imaginó lo terrorífico que sería encontrarse con unas de mayor tamaño como una mano, pero nunca pudo encontrar a nadie que se lo financiara. A comienzos de los 90 un productor llamado Jack F. Murphy que recién terminaba el film Syngenor (1990) lo convoca interesado en su historia para llevarla al celuloide. Murphy quiso actualizar aún más la historia (que había sido retocada por Yancy Calzada) aportando la idea de unos chicos de la ciudad que viajaban al bosque y para esa tarea contrató a Brent V. Friedman, un joven escritor de 30 años amante del cine de terror (quién había reescrito la historia de la mencionada Syngenor) para pulir y “noventizar” el guión; Para eso Weswick le facilitó a Friedman su primer guión como guía y un primer prototipo de una garrapata que había diseñado, más el apoyo explicativo de cómo se iba a realizar el trabajo de FX y de stop-motion para que el guión fuera coherente con lo que los muchachos de efectos especiales podían realizar. Durante el transcurso de la nueva escritura el nombre fue cambiado a Ticks y Friedman tuvo que ausentarse un mes entero para retocar y hacer aportes al guión de American Cyborg: Steel Warrior en Israel.
El director designado fue Tony Randel y éste quiso hacerle unos retoques pero al no poder estar presente el guionista en la pre-producción antes del rodaje los productores tuvieron que contratar a otra persona para revisar y modificar el guión final, aunque luego de regresar a los Estados Unidos Friedman pudo ir controlando el proceso de filmación en el set de rodaje. Brian Yuzna, responsable de producir los mayores éxitos dirigidas por Stuart Gordon y de dirigir películas como Society y Return of the Living Dead 3, ya se había ganado la suficiente reputación dentro del cine de terror con su propio estilo como productor ejecutivo junto al mencionado Murphy.
La música fue compuesta por Daniel Licht y Christopher L. Stone y la compañía productora fue First Look Pictures y distribuida internacionalmente por su empresa madre Overseas Film Group; además en USA fue lanzada con el apoyo de Republic Pictures. Los actores destacados fueron todos conocidos dentro del clase B: Rosalind Allen como Holly Lambert, Seth Green hace de Tyler Burns, Ami Dolenz haciendo el personaje secundario de la niña rica Dee Dee Davenport, acompañada por su novio latino Rome Hernández (interpretado por RayOriel). Los restantes son Peter Scolari como Charles Danson (la pareja de Holly), y al que se suma su hija Melissa Danson que la interpreta Virginia Keehn, Barry Lynch hace del Señor (Sir en inglés, papel que originalmente se lo escribió Friedman al reconocido actor David Gale pero su muerte hizo que todo cambiara), Michael Medeiros como el loco Jerry y la figurita repetida del clase B Clint Howard como Jarvis Tanner. La película fue filmada en Los Ángeles, Big Bear Lake y en el San Bernardino National Forest en una trama donde unas garrapatas son mutadas accidentalmente por un producto químico dentro de una plantación ilegal de marihuana, a partir de ahí adquieren un tamaño sobrenatural por estos esteroides y van a sembrar el terror en el campamento donde están vacacionando los jóvenes. Ticks fue emitida en cable durante los noventa y editada por el sello Teleargentina como Ticks: Garrapatas asesinas.
Muchas veces vimos películas donde la historia estaba buena, pero por falta de capacidad del director, o por falta de presupuesto, el producto final era bastante berreta. Lo que si es raro es cuando se da al revés, que el director cumpla, que el presupuesto este a la altura, que los actores rindan, pero que la historia deje bastante que desear. Y acá estamos frente a uno de esos ejemplos.
Simon es parte del equipo de seguridad de una casa de subastas de arte. En plena subasta, un día intentan robar una valiosa pintura, Simon se hace el héroe y recibe un fuerte golpe en la cabeza. Cuando los ladrones van a ver su preciado botín, ven que solo robaron el marco, y al intentar hacer hablar a Simon, este tiene amnesia por el golpazo que recibió. La única solución posible es obligarlo a hacer sesiones de terapia para que recobre ese fragmento de memoria perdido.
Estamos ante un thriller poco convencional. La violencia, el misterio y el erotismo del género están, pero al coctel se le suma el explorar la mente humana y todo lo que eso conlleva. A priori parece interesante, lo malo es cuando el recurso está mal usado.
Para intentar explicarme sin spoilear mucho, les cuento que la película se centra bastante en las sesiones de hipnosis, saltando de la realidad a lo “imaginado”. Hasta ahí perfecto, de hecho pelis como Inception lo hicieron pero siempre se entendía que pasaba, lo malo es cuando se abusa de ese recurso al grado tal que uno ya se ve venir los giros de guion, desconfiando constantemente de lo que ve. Si a eso le sumamos que faltando diez minutos un personaje explica con lujo de detalles todo lo que paso, es que algo fallo en el resto de la película.
Compensando el flojísimo guion esta la dirección de Danny Boyle y es que en esta peli es Boyle en estado puro, así que los que odien su estilo de filmación y montaje epiléptico, ni se acerquen a verla, pero quienes ese estilo tan propio y marcado nos gusta, veremos al inglés desencadenado con los cortes al ritmo de la música, encuadres en diagonal. Eso y la siempre presente utilización de los colores; en esta ocasión del azul, tan intenso que dé a rato los personajes parecen N´avis.
Además de su dirección, como es normal en su filmografía, también se destaca el trabajo actoral. Obviamente es Vincent Cassel quien se come la película, dejando muy atrás al resto del elenco. Con esto no quiero decir que James MaCavoy este mal, pero es que al escoses los personajes de machote bad ass no le quedan muy bien que digamos. Y Rosario Dawson, bueno, hace un desnudo frontal, con eso justifica lo plana que es actoralmente.
En Trance es una película bastante del montón a la que cuesta sacarle cosas para asesinarla o para alabarla. No es que sea una bazofia, pero decepciona bastante, y si van esperando una caca, tampoco es que va a sorprender mucho por lo buena que es.
Y ese es el enorme problema de la peli, que no genera nada. A las malas películas uno las odia y las destroza en las críticas, a las que son muy buenas se las agranda, a las que sorprenden uno recalca todas sus virtudes. Pero cuando uno sale del cine más pendiente en lo que va a cenar ese día en vez de reflexionar o hacer algún comentario sobre lo que vio, es que el film no transmitió absolutamente nada.
Es una lástima que alguien como Danny Boyle, realizador de esa obra maestra conocida comoTrainspotting o de buenas pelis como Exterminio y Sunshine, vuelva a caer en la tentación de hacer una película con un apartado visual extraordinario, pero carente de alma, repitiendo la fórmula de la mierdera Slumdog Millonarie.
Ojala que su próximo proyecto, Porno (secuela de Trainspotting) lo devuelva al buen camino.
Después del éxito sorpresivo que resulto RED, la idea de una secuela era más que obvia. Y es que la historia de los ex CIA volviendo a la acción, mezclada con la comedia romántica funciono bastante bien en la opinión general. Tres años después nos cae la continuación de la historia de Frank Moses, Sarah y Marvin. La pregunta de todos es si se podría mantener el nivel de locura de la anterior, y por lo visto, se pudo.
Frank y Sarah llevan tiempo casados. El disfruta de la tranquila vida que tienen, mientras ella se aburre de la monótona rutina. Todo cambia tras un atentado contra Marvin; al parecer los buscan porque saben información sobre una misión en la que fallaron, la “Sombra Nocturna”. Ahora los retirados deben volver a la acción para encontrar evidencia que los limpie, mientras diferentes gobiernos del mundo le ponen precios a sus cabezas.
Lo primero que salta a la vista luego de verla es que a pesar del cambio del director, la formula sigue intacta. Los abuelos siguen siendo perseguidos por las autoridades mientras disparan y esquivan balas, todo salpicado por comedia y una historia de amor bastante light pero mucho mejor construida que otras pertenecientes al género del romance.
En esta secuela quizás la acción pierde un poco de terreno, dándosela un poco al cine de espionaje. Los tiroteos son pocos pero buenos (y bien filmados). La prioridad ahora es ir de país en país rastreando pistas y datos. En un claro guiño al cine de espionaje (Jason Bourne o James Bond) los protagonistas visitan grandes capitales del mundo, con los edificios característicos de fondo.
Pero como dije, ahora la comedia le gana campo a la acción, y acá es donde entra la genia de Mary Louise Parker cobra protagonismo. En la primera ella empezaba su relación con Frank, por lo que era más un secundario, acá como la pareja ya está formada, es una co-protagonista más, y gran parte de los gags son a cargo de ella, con sus caras y reacciones histéricas. Haciendo la segunda con los chistes vuelve a estar John Malkovich como Marvin, repitiendo el mismo personaje de boludon paranoico y nene grande que hizo en la primera.
Bruce Willis quizás es el que más desapercibido pasa. Y es que moviéndose en un género que conoce de memoria (el de acción con toques de comedia) parece que estuviera en piloto automático. Sigue impresionando ver a Hellen Mirren a sus casi setenta años lo bien que le queda andar con grandes ametralladoras matando gente (atención a la auto parodia que hace). De los nuevos, Anthony Hopkins sale poco y haciendo sus tics característicos; la infartante Catherine Zeta Jones también sale poco, pero sus cruces con Parker son quizás lo más gracioso de la película. Mientras que Byung – hun Lee (no pienso volver a escribir ese nombre) aporta el toque de artes marciales que parece que obligatoriamente deben tener las pelis de acción actuales.
De la historia poco que decir. Los giros se ven venir, pero es lo bastante estable como para justificar las fantasmadas que se ven. Y es algo que quizás a muchos no les guste en comparación a la primera; en esa toda la acción buscaba ser lo más real posible, mientras que acá se dejaron llevar un poco por la adrenalina.
En lo que parece ser una trilogía, RED 2 es una entretenida película, sincera consigo mismo, ya que no busca otra cosa que la de entretener y hacer reír, transmitiendo lo que se ve en pantalla, grandes actores que la pasaron bien haciendo la peli.
Quizás pierda algo de frescura e incorrección con respecto a su primera parte, pero no por eso la vuelve mala o menos disfrutable.
Nota publicada en la pagina amiga «Por senderos que se bifurcan»
De entre toda la materia prima que Hollywood utiliza para hacer películas de entretenimiento, los videojuegos son, sin lugar a dudas, los que han salido peor parados a lo largo del tiempo, por lo que encontrar buenas adaptaciones que conformen a fanáticos y al público en general son relativamente pocas en comparación con la cantidad que sale a la pantalla grande. Si se hace un poco de esfuerzo de memoria se podría decir que la tendencia de adaptar juegos de consola a la gran pantalla empezó con ‘Súper Mario Bros.’ (1993), uno de los mayores bizarreadas de los 90 (A mí me encanto más por lo ridícula y bizarra que por la seriedad que quiso ¿imponer? Por lo que en cierta manera me decepciono como Dragón Ball evolution).
Pero hoy hablemos de uno de los viejos clásicos, Cuando uno piensa en el juego “Prince of Persia”( 1987), los que vivimos la época de los 80/90 no deja de recordar ese juego de plataforma en 2D donde un personaje, el príncipe, que se dedicaba a escalar pisos, evitar caer en trampas de pisos falsos de un salto o atacar con una espada con una sola variante de movimiento al enemigo que teníamos enfrente y todo esto en un sin fin de laberinticos pisos que eran parte del calabozo del que teníamos que escapar, donde uno debía recordar las acciones anteriores si es que quería ir abriéndose paso a nuevas zonas (”pantallas”) para rescatar a la princesa de turno. Que curiosamente, no conforme con las formas laberínticas de los escenarios teníamos un conteo regresivo de UNA hora para finalizar el juego. Y para ponerle condimento al tema solamente es posible salvar la partida a partir del nivel 3, aunque después existen puntos de control a través de todo el juego. Lo cual permite que cuando el personaje muere, simplemente retorna a un punto preestablecido. No obstante, el tiempo que se haya consumido en el intento fallido (como por ejemplo lo que se tarda en pasar los niveles) no se recupera. Por lo tanto, el juego termina si transcurre una hora de tiempo real de juego si no se ha liberado a la princesa.
En fin, un gran juego de PC para la época que por sobre toda las cosas nos hacía disfrutar de un juego de memoria (me acuerdo del Carmen San Diego) con sus dosis de acción, intriga y nerviosismo por el tiempo que corre a la hora de caer en los nuevos escenarios. Una de las curiosidades de este juego es que su autor, Jordán Mechner, estudió durante varias horas filmaciones de su hermano corriendo y saltando con ropa blanca. Así se aseguró de que todos los movimientos resultasen realistas, en un proceso que se denomina rotoscopia, lo cual no hacía más que agregarle un plus más a la imagen que veíamos en las viejas pantallas de PC.
Pero ese éxito transformo al juego prince of Persia en un Clásico que duro en el tiempo a tal punto que las compañías de PC y consolas buscando su revival, uno poco bastante diferente y con una historia más producida y atractiva para los nuevos tiempos y además aprovechara la nueva definición grafica del momento también permite que la mayoría de los juegos tengan un modo historia más cinematográfico si se quiere, por lo cual en el 2003 Prince of Persia, es un juego que inaugura la exitosa serie de Las Arenas del Tiempo (la serie tiene el mismo nombre que el primer juego de la saga) donde le sigue “Prince of Persia: El Alma del Guerrero” y “Prince of Persia: Las Dos Coronas”, el revival del videojuego fue desarrollado por Ubisoft, empresa que tenía ya buenos juegos en su historial y que como dije antes la lanzo para consolas como la PS2, XBOX, Nintendo GameCube, Game Boy Advance y para PC entre 2003 y 2004.
Por lo que aquellos que recuerdan la época del 2003 se les cambia la imagen mental a una aventura del género de aventura gráfica con toques fantástico y unas imágenes interesantes, donde se sentía estar en una de las historias de “las mil y una noche”, con el manejo de videojuegos como “Tomb Raider” entre otros, además logrando acercarnos un poco más al universo tridimensional de la aventura gráfica ( Dato adicional: hoy en día si se busca por distintos lugares de internet se puede encontrar una Trilogía para la play3 llamada «Prince of Persia Trilogía» donde se podrá jugar esta vieja triada de juego de Play2 con esos gráficos tan peculiares mejorados al HD e incluso opción al 3D). La principal diferencia con el viejo clásico es que a esta nueva historia le agregaron elementos fantásticos que no había en su antecesora pero que sirvieron para renovar la franquicia y también una función de distintas vistas sobre el escenario del juego para que uno pudiera hacer nuevas estrategias en el momento de atacar y era bastante novedoso para la época, además le permitía al jugador a no frustrarse tanto si perdía en el ultimo movimiento, con la función de retroceder en el tiempo.
En esta última saga es en la que se basa la película como materia prima para basar su historia, más específicamente del primer juego de la trilogía y de la cual lleva el nombre la película “Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo”, para empezar hay que decir que esta película del 2010 que fue dirigida por Mike Newell (Harry Potter y el cáliz de fuego), y producida por Jerry Bruckheimer (responsable de Los piratas del caribe) es una más de las tantas adaptaciones que Hollywood en su momento de carencia de originalidad ha sacado de la galera para justificar su presencia, aunque llevar al cine adaptaciones cinematográficas basadas en videojuegos no ha sido su fuerte, debo admitir que sin ser la mejor en ese rubro, esta película la considero una de las más Justas, es decir, Tiene lo justo y necesario para que una persona sea fan de la saga o no la disfrute.
En cuanto a la historia dela película en sí está bastante rebuscada, aunque trata de asemejarse a la historia del juego, hay muchas partes que están bastante forzadas por lo que gran parte de la gracia de la película recae en las actuaciones y por eso es que considero que la película está en la medida justa como para entretenerte por una buen rato sin maravillarte, aunque la verdad algunas peleas son memorables principalmente si uno ha jugado el juego.
Además contiene lo que yo considero primordial para que una adaptación sea al menos ligeramente leal a su fuente y es que captura la esencia que se respira en el juego, en especial en el personaje de Dastan interpretado por Jake Gyllenhaal (hay muchas tomas que parecen sacada de los juegos), sus movimientos acrobáticos y las coreografías de peleas están muy bien logradas y además logro proyectar el aire justo del príncipe de los juegos en la que se basa, aunque hay 2 referencias del juego original de los 80, todo lo demás se basa en la trilogía iniciada en el 2003, los actores que participan en la película han sabido poner lo necesario para sus personajes tengan un nivel aceptable, aunque no hay ninguno que brille como dije anteriormente, considero que la película destaca más por su correcta manera de capturar la esencia del videojuego que por su guion, aunque la historia entre la película y su original difieren, en especial con el tema de la Adopción de nuestro héroe de turno.
El reparto de la película es interesante, por un lado dándole cuerpo al malvado de turno tenemos un Ben Kingsley (haciendo un personaje malo más para su colección), a un no muy confiable jeque interpretado por Alfred Molina (que sería el gracioso de turno), la belleza exótica de la sacerdotisa de la mano de Gemma Arterton (que siendo la primera vez que la veo actuar me impresiono más su delicada belleza que su actuación) y la verdadera sorpresa de la peli, Jake Gyllenhaal que para mí no solo demostró estar bastante a la altura de las circunstancias y el personaje (no lo veía con madera para este tipo de pelis) sino que hasta ese momento nunca considere a dicho actor como este tipo de héroes de aventura heroica, pero felizmente consiguió dar vida a un príncipe Dastan bastante coherente con la historia original, no solamente por haber hechos los ejercicios para tener el cuerpo necesario y aprenderse muy buenas coreografías de combates muy parecidas a las del juego sino que su personaje tenía la picardía y el carisma necesaria para ser agradable y no parecer un descolocado sin carisma que lo único que sabe hacer es acrobacias (Seria interesante verlo hacer de Ezio Auditore en alguna adaptación de Assassin’s Creed).
Terminando la nota donde pase un poco por todos lados voy a decir lo siguiente:
El juego clásico de los 80 para la época era un excelente entretenimiento por lo que lo recomiendo sin ningún problema y le pondría un 9 (si habré jugado horas), la nueva generación que llego a partir del 2003 en las consolas como la Play2 es entretenida aunque yo personalmente le pongo un 8 y la película le pongo un 7.
Ya me aburrí de decir Pixar que Sabe cómo entretener, esta revista precuela de uno de sus grandes éxitos y que se dedica a profundizar en la evolución de nuestros monstruos favoritos o por decir de una manera se encarga de aclarar cómo llegaron a ser lo que son en Monster INC. Donde esos empleados nos dieron tantas emociones por sus circunstancias con esa simpática niña llama Bu (Y que curiosamente se sabe que forman parte de una “Línea temporal del Universo Pixar” conformada por más de 14 películas, entre ellas Cars, UP, Buscando a Nemo, Toy Story, etc.) .
Volviendo a la Película de Mounster university, Primero y principal en esta películas prácticamente no existe malos, es decir, increíblemente no hay un malo específico o absoluto, hay más patoterismo elitista universitario que, aun así, solo llegaban hacer una clara alegoría del cuento de la tortuga y la liebre y no necesariamente hay una maldad desmedida por parte de los rivales o con verdadero Odio. E incluso el personaje más impresionantemente siniestro del campus, un monstruo de estilo draconico, que pareciese ser el malo por excelencia es sin embargo un Personaje extremadamente estricto, severo y con bastante “honestidad brutal” pero ante todo es justo.
Pero a lo que iba tras dar tantas explicaciones es que es una peli de superación personal ya que el verdadero enemigo está en ellos mismos, tanto por sus cuerpos como por sus particularidades, y la misión de la peli no es así que superar o saber utilizar esas limitaciones y las potencialidades que son adherentes a ellos.
Pixar ha sabido dosificar el mensaje para que no sea tedioso o sinsentido, la construcción de la historia es dinámica y está para entretener y disfrutar sin importar la edad, algo comprobado sólo entrando a la sala y escuchar las risas donde la diferencia de edad no se siente tanto. Las secuencias que uno acostumbra a ver en esas películas sobre las universidades y sus fraternidades están a la orden del día y toda la parodia trasladada al mundo de esos monstruos que nos molestaban mientras dormíamos a tal punto que incluso muchas de las tácticas y técnicas para asustarnos tienen sus nombres propios.
Un Mundo tan emocionante como alocado por no decir al revés del nuestro y donde el protagonista de esta secuela es nuestro verdoso y ciclopedico amigo Michael «Mike» Wazowski, quien busca alcanzar su sueño de asustador profesional, Junto a su amigo y compañero James P. «Sulley» Saylavan que indudablemente esta mas preparado fisicamente para dicho rol dentro del mundo Monster, para satisfacer a los fan de la entrega anterior la mayoría de los personajes participantes de la primera parte hacen acto de aparición mediante cameos y algunos un poco directos, lo que tiene además esta película es que es dentro de todo fresca y aumenta más el “Lore” del Universo de Mounster Inc. A pesar de que Pixar capaz está cayendo en lo que sería un tomo más comercial en el sentido de sacar varias secuelas, precuelas o Spin off (algo que se está dando demasiado hoy en día) como en el caso de Planes del universo Cars, algo que los fans acostumbrados a las propuestas originales de este estudio de la lamparita nos tenía mal acostumbrados le recriminamos a tal punto que tuvieron que hacer el siguiente anuncio : “El presidente de Pixar Animation Studios, Ed Catmull, ha anunciado un cambio en la política cinematográfica del estudio por la que restringirá el número de secuelas para centrarse en la producción de un film original al año.”
En fin, lo que puedo decir es que esta Película es tan genial como lo fue la anterior un poco más madura y enfocada, ya que Monster INC, no la veo con un mensaje tan claro como en esta, sino más bien como una peli que venía a alegrarnos el día sin más misión que arrancarnos alguna que otra sonrisa, aunque también trajo avances tecnológicos en su momento por los efectos que requirieron entre otras cosas los pelos de Sulley… Pero lo que sí, una vez más Pixar nos demuestra que a pesar de hacer secuelas, estas pueden ser frescas aunque no siempre tiene tanto éxitos como en el caso de Cars 2 que fue calificada como una de las peores por no decir la peor película de Pixar, algo que sin duda a veces pasa por habernos acostumbrado a un constante buen nivel. Esta Película está a la par de la primera porque por mi parte no la supero, ya que le doy un 8/ 10, además al haberla visto con mucha gente en vacaciones de invierno me permitió ver como reacciono el público y la verdad he comprobado que ha capturados tanto a grande como a chicos, algo muy común con las película de esta casa de animación, algo que se puede apreciar en su recaudación de 563 millones contra los 115 millones que les salio la creación de dicha película.
Fanboy Cave 