Cine: Carrie: Drama, horror, sangre y actualizaciones innecesarias


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En un panteón de la falta de ideas como lo es Hollywood, la aparición de un remake ya no es ninguna sorpresa entre los huestes del cine fantástico.

Carrie es otra más de las cientos de víctimas de la necesidad de los grandes estudios de vendernos un clásico reactualizado, aunque existan films que hayan tomado el formato con resultados excepcionales.

El film original de Brian De Palma era una adaptación sin duda interesante del relato de Stephen King, y agrego elementos dramáticos al universo del genero del cine de horror, en un momento que el estilo buscaba instancias mucho más viscerales y modernas (Con Halloween y La masacre de Texas a la cabeza).

La encargada de dicha tarea fue Kimberlie Peirce, conocida por saltar a la fama con la excelente Boys don`t Cry, un film independiente autobiográfico sobre la trágica vida de la transgenero Brandon Teena, por lo que podía resultar un reinterpretación del relato de King muy interesante.

El problema está en varios aspectos que hacen al film tropezar estrepitosamente: Por un lado el film parece no separarse de las odiosas comparaciones con la obra de De Palma, sino que hasta se ata al guión del película de 1976.

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Para empezar, hay diálogos y situaciones que están explícitamente calcados de la adaptación original, y que en algún punto parecieran mostrar las deficiencias por cranear  una historia que se adapte a nuestros tiempos, más sabiendo lo diferente que resulta el contexto entre la década de los setentas y la actual.

No es suficiente con mostrar los artilugios tecnológicos aplicados a este universo para mostrar al producto como algo fresco y creativo, se necesita pensar como la situación que vive la protagonista en un entorno real, donde sus cualidades sobrenaturales logren tener relevancia tenga un impacto aún mayor.

Y es ahí donde sucede otro gran problema: el punto culmine donde se presentan los poderes telequineticos de Carrie es tan exagerado (todo con un CGI sumamente caótico y poco palpable), tan tirado por los pelos, que a veces uno piensa entre si realmente está viendo la adaptación del libro del célebre escritor de Maine o el increíble Hulk (Que casualidad que el guión este en parte en manos de Roberto Aguirre- Sacasa, conocido como guionista de comics dentro del universo de Marvel).

Un párrafo aparte lo merecen varias de las interpretaciones: Chloë Grace Moretz cumple el rol de Carrie y hace una buena interpretación del rol que ocupó Sissy Spacek en el film original (incluso con un aspecto más acorde a los deseos de King).

Julianne Moore como madre de la protagonista es otro punto alto. Juega un gran papel como madre abusiva y nos mete de lleno en el suplicio que padece.

El resto apenas destaca, y los personajes antagónicos directamente parecen personajes caricaturescos salidos de algún reality o programa de adolescentes actuales con conflictos superfluos (Algo que hace extrañar mucho más al joven John Travolta y Nancy Allen).

En definitiva, este Carrie está lejos de ser una obra brillante o de tener una personalidad única que no nos haga querer revisitar el film original.

Recomiendo buscar films basados en el marco dramático de Carrie como la genial y lamentablemente desapercibida Excision (2013), antes que gastar tiempo en una película que parece solo evidenciar que el cine de género es mejor con menos dinero y más corazón, como está pasando en nuestras pampas.

Por lo demás. Disfruten de un más de lo mismo con la artificialidad actual que amamos y odiamos en igual proporción.

5/10

Mariano Lastiri

Animé & mangas: Junji Ito, el horror cósmico se escribe en kanji


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La imagen del dentista siempre ha generado terror. ¿Acaso, querido lector, mientras aguardaba en una sala de espera y escuchaba el taladro en las muelas del paciente en el cuarto contiguo, nunca imaginó escenas de dolor extremo y delirios inimaginables? Si no es así, vea La tiendita de los horrores (Little Shop of Horrors) o El dentista 1 y 2, del productor de Re-Animator, Brian Yuzna.

Pero estoy divagando. El nombre que nos ocupa en este artículo fue odontólogo, y no sería extraño que, a partir de la agonía de sus pacientes, se haya inspirado en un sinfín de imágenes macabras y retorcidas. Hablamos del dibujante y escritor de mangas Junji Ito.

Nacido en la prefectura de Gifu en 1963, el autor siempre sintió admiración por el terror y sus diferentes facetas. Tanto era así, que decidió acercarse al mundo del manga y dejar de maltratar a las encías de sus compatriotas, inspirándose en autores como el controvertido escritor de manga y director de cine Hideshi Hino –creador de la infame saga de Guinea Pig– y el escritor estadounidense H.P. Lovecraft, responsable de los mitos de Cthulhu.

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Y es en el universo de este último autor donde encontramos buena parte de la magia y el horror que evoca la obra de Ito: mundos dominados por fuerzas incomprensibles, maldiciones con efectos catastróficos, fantasmas con sed de sangre y criaturas horrendas creadas por la perversión y la ambición de la humanidad, tan solo algunos de los tópicos que el japonés aprendió del norteamericano.

El estilo de dibujo en las obras de Ito es bastante simple y alejado de las obsesiones caricaturescas del manga. Algunos elementos expresivos -como la constante de los ojos ennegrecidos- acentúan los momentos de horror y violencia.

Para hablar de Ito, destacaremos tres mangas sumamente reconocidos en los círculos del underground, obras maestras para los fanáticos del género: Tomie, Uzumaki y Gyo

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Tomie, la fatalidad vestida de mujer

Publicada por primera vez en 1987 y serializada hasta el año 2000, Tomie nos narra capítulo por capítulo las desventuras de una suerte de femme fatale sobrenatural, quien le da el nombre a la tira.

Esta mujer es una entidad fantasmagórica que enamora a los hombres al punto de conducirlos a la obsesión, la locura y, finalmente, al asesinato.

Tomie muere una y otra vez, y siempre regresa a la vida para empezar otra relación enfermiza, con consecuencias igualmente retorcidas para todos los involucrados. Aunque es su obra prima, el manga nos muestra varias de las marcas registradas de Ito: entidades sobrenaturales o inhumanas, mutaciones y transformaciones repulsivas, violencia y gore (pero sin excederse).

Tomie es una de las obras más reconocidas del autor.  Una saga de siete películas se basó en la historieta, anticipándose a los fenómenos de Ringu (1998), de Hideo Nakata, y Ju-on (1999), de Takashi Shimizu (o, como las conocemos en nuestras tierras, La llamada y El grito, según sus adaptaciones para el mercado estadounidense).

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Uzumaki: En el espiral del terror

Ninguna obra mostró tan claramente las obsesiones y delirios del autor como Uzumaki. No solo se acercó al horror cósmico y a las atmósferas macabras de Lovecraft, sino que elevó el arte de Ito a otro nivel.

Realizada entre 1998 y 1999, la historia narra, en varios episodios, los terribles hechos que suceden alrededor de un pequeño pueblo japonés, y las vivencias de un joven que puede percibir las fuerzas involucradas con dichos hechos.

Este pueblo está atrapado en una terrible maldición, la cual se relaciona con la figura del espiral (que en japonés se escribe uzumaki). La locura y el caos están tan presentes como en Tomie, pero las imágenes son tan poderosas y oscuras que se adhieren a la retina del espectador: un padre que se enloquece con los espirales al punto de querer ser uno con ellos, una mujer con una cicatriz que se convierte en un vórtice de muerte, un joven que se convierte en caracol, un hospital con pacientes sedientas de sangre…

En Uzumaki, el mundo es asfixiante, y cada una de sus historias nos lleva a un inevitable y mórbido final. El manga sería adaptado a la pantalla grande en el año 2000, sin grandes repercusiones en comparación con la versión impresa.

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Gyo: El mar huele a muerto

“Criaturas marítimas genéticamente modificadas, creadas por el ejercito exclusivamente con fines bélicos, se escapan de su resguardo para atacar brutalmente a personas inocentes”.

Para el experto en cine clase B, parece una premisa sacada de la película Piraña, de Joe Dante, estrenada en 1978. En la misma, una unidad del ejército experimenta con los peces del título, los cuales se escapan para devorar a bañeros desprevenidos.

Pero en el caso de Junji Ito, todo avanza un paso más allá. Las cosas nunca son tan fáciles como nos gustaría creer.

En Gyo, las bestias no son solo peces, sino también tiburones y ballenas, todos sostenidos sobre patas de hierro, las cuales se mueven por la influencia de terribles bacterias que afectan a los seres humanos y los convierten, también, en bestias.

Por ende, los protagonistas de esta historia no solo deben sobrevivir al ataque de los bichos acuáticos, sino a las terribles consecuencias del gas que los impulsa –generado por dichas bacterias–, el cual genera devastación y pandemonio sin salida.

Realizada durante los años 2001 y 2002, Gyo mostró al autor con una trama más formal, pero sin perder sus desvaríos e imágenes chocantes.

En 2012, un ova de 71 minutos basado en el manga fue realizado por el estudio Ufotable, con ciertas desviaciones de la obra original.

En conclusión, vale la pena buscar la obra de Ito, quien afortunadamente, gracias a la magia de Internet, se ha vuelto un importante referente para un nicho mundial de fanáticos del manga seinen de horror, quienes esperan historias realmente duras, creativas y sin contemplaciones.

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ADVERTENCIA: LA SIGUIENTE ENTREVISTA SE ENCUENTRA EN INGLÉS Y NO POSEE SUBTÍTULOS EN CASTELLANO

Sagas & series: Daria: el fenómeno alternativo


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Si hablamos de una personalidad cínica y misantrópica, la cultura popular contemporánea inmediatamente nos catapulta al bombazo televisivo que significó la serie de televisión House M.D, donde nos ponían en la carne de un medico con cualidades deductivas excepcionales, como también con una actitud despectiva y acida al prójimo difícil de analizar.

Unos años antes, en 1997, la cadena televisiva Mtv daba luz a Daria, una sitcom animada de 5 temporadas, 66 episodios y 2 películas, que nos contaba algunas situaciones durante dos años en la vida de una chica adolescente bastante especial  y su entorno.

La idea del personaje surgió de otro importante caballito de batalla para el canal de música, Beavis y butthead de Mike Judge en 1993. En el programa, era compañera de clase de los protagonistas.

El personaje encarnaba la imagen de una adolescente conflictiva, inteligente y con actitud bastante sarcástica.

Aún con esas características totalmente opuestas a la estupidez y la obscenidad del dúo (que le daban el desagradable mote de  “Diarrhea”), era la única persona que sabía quienes eran y no tenía problema en darles consejos (o aprovecharse de ellos en el mejor de los casos), que como siempre terminaban en desastre o con consecuencias grotescas.

Su aparición más importante fue en la segunda temporada en el capitulo Scientific Stuff, donde se le encomendaba hacer un proyecto de clase con el par. El capitulo termina con un giro bastante interesante: los dos impresentables de siempre se someten como ratones de laboratorio para demostrar que su estupidez puede ser científicamente explicable.

Ante el éxito que dejó el programa, MTV decidió hacer un spin off con la llamativa muchacha. Mike Judge cedió los derechos de Daria, pero no se involucró en el proyecto y dejó todo en manos de Gleen Eichler, quien por aquel momero había trabajado en el programa y también era conocido anteriormente por escribir episodios de Rugrats y de la versión original de Married  with children.

Brittney, Daria and Jane (from left) in Daria.

La historia dista a años luz del humor soez y vandálico del par de impresentables que todos conocemos.

Todo comienza con Daria Morgendorffer, nuestra antiheroina, mudándose con su familia de Highland (el pueblo de la anterior encarnación del personaje) a Lawndale.

En su nueva escuela, al no preocuparse por su aspecto, no sentir cercanía a sus compañeros y dar prioridad a su faceta intelectual, es ignorada por buena parte de su nuevo entorno, en su mayoría compuesto por seres superficiales y sumamente insensibles. En ese ambiente conocerá a su primer gran amiga, Jane Lane, con quien compartirá sus desventuras.

Las experiencias de Daria irán de convivir con su amiga jane y su hermano, sus compañeros, (en su mayoría estereotipos exagerados, estúpidos y alienados), maestros entre excéntricos y autoritarios,su singular familia ,etc.

En el medio, nos mostraran el mundo y las situaciones de estos personajes, desde las discusiones sobre moda y estética de Quinn y sus amigas del club de moda, las experiencias de sus compañeros de clase, su alocado padre y su madre adicta al trabajo, Trent y su banda mística espiral, entre otras cosas.

En ese sentido, son los detalles los que lleva a Daria a ser una de las series animadas más enigmáticas no solo de la MTV, sino de la animación en general durante los 90s.

Los diálogos burlones y ultra ácidos que proponía Daria, las referencias a libros, pensadores, filósofos y escritores, como las conclusiones, las reflexiones y situaciones que rondaban este mundo, eran algo nunca visto en un programa de este tipo, o al menos personal en un entorno que parecía tener a Los simpsons como su mejor estandarte en dar un mensaje profundo y políticamente incorrecto a las juventudes norteamericanas.

Las comparaciones con la familia amarilla parecen inevitables. Desde la idea del programa fetiche como es en este caso del programa sensacionalista Mundo enfermo y triste, a contrapelo de Tommy y Daly con su parodia a la violencia caricaturesca, hasta la imagen de la niña prodigio con un entorno desencantado como es Lisa Simpson,  aunque esta claro que Daria esta lejos del activismo político y si a unser despreocupado que toma un minimo recaudo con sus experiencias personales.

Afortunadamente, menos alguna referencia musical implícita (poster pegados de bandas), la serie no recurre al chiste del personaje importante invitado o a la necesidad de hacer reir a cada rato.

En ese sentido, lo importante de Daria no es necesariamente el humor (que lo tiene) sino las historias que en general siempre están en contraste con ideas como la idea de la  aceptación a lo diferente (hablando del Bullying más de 10 años antes que se reconociese el problema), la negación a valores que apuestan a una cultura de consumismo autodestructivo, la oposición al abuso de autoridad y la importancia del saber, entre otros temas.

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Con eso a cuestas, las relaciones sentimentales tendrán un importante papel, sobre todo el amor platónico que Daria sentía por Trent Lane, y la aparición al final de la tercera temporada de un personaje nuevo, Tom Sloane, quien primero se acerca a Jane, generando un conflicto entre ambas. Esta situación tomaría un giro al final de la cuarta temporada llevando a la misma Daria a tener una relación con el mismo Tom.

Estos conflictos, generan una interesante quiebre en la historia, que no la rebaja a la simple cursilería, sino que la pone en un marco de reflexión sobre algunas de las situaciones típicas que vive cualquier adolescente.

Daria, con sus 6 años de emisión, marcó un interesante quiebre argumental para la animación para adolescentes. Logró mostrar las inquietudes de un sector de la juventud  inconformista que se encontraba en un entorno banal que no le correspondía, y lo saco del universo marginal para volver a ponerlo en sintonía con expresiones culturales del pasado como el movimiento beat de los cincuenta y más cercano en el tiempo, al movimiento punk, sin volverse plástico y carente en el alma en el intento.

¿Era perfecto? No. Pero con su imperfección uno sentía que la protagonista tenía una real justificación a su comportamiento, sobre todo el abuso de personajes estereotipados poco elaborados.

Mtv no volvería a producir un programa de estas características, y seguiría impulsando proyectos mucho más caricaturescos y surrealistas, siguiendo esa línea entre adolescente y adulta como en el pasado.

A aquellos que disfruten tener siempre un libro a la mano, sientan que su escuela es o fue un infierno, amen todas las facetas artísticas y tengan una visión sumamente despectiva del mundo que los rodea, encontraran  en Daria un potencial tesoro que merece ser visto al menos una vez. Ustedes deciden.

Mariano Lastiri