Las diez mejores películas del 2013 (Parte 1)


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Aunque haya pasado el tiempo y ya estamos a mediados del 2014, en general es por esta época cuando uno ya vio suficientes películas del año pasado como para poder elegir con toda impunidad una lista de diez favoritas. Eso es lo que voy a proceder a hacer. Además agregué tres secciones suplementarias: la de la peor película del año, la de la mejor película argentina y el mejor documental. Cabe aclarar que una película argentina podría entrar entre las diez mejores, aunque no haya sido el caso este año. Al documental sí me parece bien mantenerlo como género aparte.

Voy a empezar por hacer un poco de trampa y mencionar algunas películas que no llegaron al corte pero que de todas maneras merecen verse. Como El Congreso, híbrido con animación en el que Robin Wright se interpreta a ella misma como una actriz que decide digitalizar su imagen para seguir actuando en la posteridad, un delirio importante inspirado por una novela de Stanislaw Lem, autor de Solaris. Seguido por Sólo Dios Perdona, un derroche de genialidad visual ambientado en Tailandia repleto de violencia extrema y de enfermos complejos edípicos. Big Bad Wolves, una película de Israel, que en estos tiempos violentos cobra una relevancia que tal vez no percibí la primera vez que la vi, una historia de venganzas cruzadas que Tarantino señaló como lo mejor del 2013, con toda lógica ya que el ritmo y el tono parecen claramente inspirados por sus películas. The East es un thriller sobre una espía que se infiltra en un grupo de anarquistas, y la segunda película escrita por la joven Brit Marling (también actriz) que me vuela la peluca, después de Another Earth. Y, finalmente, El Teorema Zero, lo último de Terry Gilliam, una película que se relaciona directamente con Brazil y nos traslada a una distopia en la que todos trabajan para resolver una ecuación que explique el milagro de la vida.

10. Inside Llewyn Davis (Hermanos Coen)

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Traducida en Argentina como Balada de un hombre común. Los que me conocen saben que soy fanático incondicional de los Coen, y que los encuentro siempre variados e interesantes, desde la comedia pura como El Gran Lebowski hasta una joya del cine negro como El Hombre que Nunca Estuvo o una pesadilla metafísica como Barton Fink. Sin embargo, hace unos años, con Un Hombre Serio, los hermanos hicieron algo novedoso en sus carreras: una película que era en su totalidad el estudio de un personaje en lucha constante con el mundo caótico que lo rodea, en ese caso un profesor de matemáticas judío, y en esta nueva obra un cantante de folk que vive a la sombra de personajes más exitosos como Bob Dylan.

Los Coen son maestros tonales, y llevan adelante esta película lenta, sin casi intriga en su argumento salvo la producida artificialmente por un gato que se pierde, gracias a la calidad de las actuaciones y la belleza melancólica del mundo que recrean: la Nueva York de los músicos underground en los años sesenta, en donde se toca en bares para tener un plato de comida caliente a la hora de la cena. Otra característica de los Coen: recrear siempre a la perfección una parte distinta de los Estados Unidos en un contexto histórico específico. Y, por supuesto, el humor ácido y absurdo que vienen arrastrando desde sus inicios.

9. El Conjuro (James Wan)

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La sorpresa del año fue para mí esta película de casas embrujadas de un director ya especialista en el cine de género. Está inspirada además por personajes reales, el matrimonio de investigadores paranormales conformado por Ed y Lorraine Warren, cuyos casos publicados también formaron la base para El Horror de Amityville, y hasta la muñeca maldita que sirve de prólogo a la historia principal tiene su antecesora en la vida real.

Lo mejor que se puede decir de El Conjuro es que cumple exactamente lo que casi todo el cine de terror promete en vano: ser atrapante, escaparse del ridículo y perturbar al espectador. Esto lo logra gracias a un trabajo impecable de Wan en lo visual y sobre todo en lo sonoro; desde su debut con El Juego del Miedo (que tampoco es mala) este muchacho ha mejorado un montón y se ha vuelto audaz y muy creativo con la cámara. Hay una escena en particular en la que Wan prolonga una toma y la propia imaginación conjura visiones en donde sólo hay una esquina oscura.

8. Antes de la Medianoche (Richard Linklater)

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Casi por obligación tenía que estar incluído el final de esta trilogía, una de las sagas cinematográficas más realistas e idiosincráticas que se han hecho, sobre todo teniendo en cuenta que para cada entrega Linklater dejó transcurrir un intervalo de diez años para que Ethan Hawke y Julie Delpy envejecieran en tiempo real y que además está admitido por todos que el guión siempre resulta de una colaboración entre director y actores, a base de improvisaciones y de indagar sobre los personajes. De esta manera Jesse y Celine alcanzan un grado superior de verosimilitud y de conexión con el espectador.

Tal es la identificación que se logra que muchos de los que venían de disfrutar las dos entregas anteriores se quejaron de que en Medianoche a Jesse y Celine se los vea cansados y muy poco enamorados: rodeados de hijos, cada uno por su lado, y peleándose constantemente, destacándose de hecho lo miserable de las quejas de Celine, ahora resentida de que Jesse sea un escritor famoso o de que se tome vacaciones para estar sólo con su hijo. Me parece un destino irremediable para una saga con tanto compromiso con reproducir un romance real. Si Amanecer se trataba de la pasión del enamoramiento y Atardecer de la nostalgia de un reencuentro, para ésta sólo quedaba mostrar el costado terrible del matrimonio.

7. La Sospecha (Denis Villeneuve)

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Otra agradable sorpresa fue conocer a un director interesante como lo es el canadiense Villeneuve, que hizo en el año no uno sino dos thrillers memorables. El otro se llama El hombre duplicado y está basado en una novela breve de Saramago. Elegí éste, que a pesar de tener un argumento que nos puede sonar más convencional, hace maravillas con el elenco y la atmósfera y mantiene la tensión durante las más de dos horas de duración.

Ni Hugh Jackman ni Jake Gyllenhaal me parecen actorazos, pero si sólo los hubiera visto en esta película los tendría en una estima mucho más alta. El primero interpreta al padre de una niña desaparecida y el segundo al detective encargado del caso. Mortificado por la burocracia de la justicia, Jackman decide tomarse el asunto en sus propias manos, con resultados bastante morbosos. Mérito aparte merece el director de fotografía Roger Deakins, un artista de la luz que dota a cada escena de una belleza singular.

6. Stoker (Park Chan-wook)

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El nombre de este director coreano no le sonará tan extraño a cualquiera que haya visto Oldboy, una obra maestra contemporánea imposible de olvidar. Hay películas que pertenecen a los guionistas y otras que claramente pertenecen a los directores: este es el segundo caso, ya que Park utiliza una cantidad inagotable de movimientos de cámara, símbolos y recursos visuales para profundizar en esta historia, que en realidad no tiene mucho de original, ya que está profundamente influenciada por La Sombra de una Duda de Hitchcock hasta en los nombres de personajes clave como el siniestro Tío Charlie.

India es una chica solitaria que queda huérfana cuando su padre Richard muere en un accidente. Junto a su madre (brillantemente interpretada por Nicole Kidman) reciben la visita del Tío Charlie, que va revelándose como un psicópata peligroso que seduce a las dos. El argumento toma incontables giros inesperados, al punto que los amantes de la coherencia en los guiones se van a dar por vencidos antes de la media hora, pero la gracia está en cómo dirige Park cada secuencia y en cómo explica la psicología de los personajes usando pura y exclusivamente las imágenes. En su traslado a Hollywood le fue mucho mejor que a Bong Joon-Ho, otro maestro que con su Snowpiercer parece haberse visto mucho más apremiado por producir una película occidental.

— Pablo Draletti

Stanley Kubrick en el BAMA Cine Arte


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Es sorprendente, quizás, que un director tan meticuloso y obsesivo, cuyos films progresan a un ritmo a veces glacial y cuyos personajes son frecuentemente psicóticos, despreciables o anónimos, haya triunfado en el cine mainstream y se haya convertido en uno de los realizadores más famosos de todos los tiempos. Incluso, una película como 2001, odisea del espacio, una rareza experimental disfrazada de espectáculo masivo, es un objeto de culto, y la famosa lista de la American Film Institute, que reúne las mejores cintas estadounidenses of all time, la incluyó: en el puesto 22, en 1997, y en el puesto 15, diez años más tarde, en la versión actualizada del 2007. Hay que tener en cuenta que dicha lista es notoriamente conservadora, y que entre los demás clásicos nombrados, la inclusión de una película sin personajes (humanos) de gran importancia, con una estructura narrativa más musical que dramática, en la que escasea el diálogo y proliferan los juegos y proezas visuales, una película así, como 2001, mechada entre los demás pesos pesados de Hollywood, que por más geniales que sean son más convencionales, es algo inaudito. Pero, de alguna manera, quizás porque su genialidad era imposible de ignorar, el neoyorquino Stanley Kubrick logró que sus experimentos cinematográficos se convirtieran en títulos canónicos. Ningún cinéfilo puede dejar de ver sus películas. Y ahora, gracias al BAMA Cine Arte, quienes no hayan visto su obra o quieran verla otra vez, en el cine y ya no en la televisión o por el monitor de una computadora, podrán citarse en el centro de Buenos Aires y ver todos los films del director norteamericano. A continuación, les dejamos las fechas y horarios de las funciones.

Jueves 14:

Casta de malditos. 18.30 horas.

Espartaco. 20.50 horas.

Viernes 15:

La naranja mecánica. 18.30 horas.

El resplandor. 20.50 horas.

Sábado 15:

2001, odisea del espacio. 18.30 horas.

La naranja mecánica. 20.50 horas.

Domingo 17:

Lolita. 18.30 horas.

Ojos bien cerrados. 20.50 horas.

Lunes 18:

2001, odisea del espacio. 18.30 horas.

Nacido para matar. 20.50 horas.

Martes 19:

La patrulla infernal. 18.30 horas.

Barry Lyndon. 20.50 horas.

Miércoles 20:

Doctor insólito. 18.30 horas.

Inteligencia artificial. 20.50 horas

Thunder, Thunder, Thundercats!


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¡Thundercats! Serie que aún hoy da que hablar.

Entre aquellos de 30 años, ¿quién no gritó thunder, thunder, thundercats, ooooh? ¿Quién no cayó bajo el encanto de Chetara y su “traje de baño” naranja? ¿Quién no dudó de la relación amistosa entre el grosso de Phantro y Tigro? Thundercats se estrenó el 23 de enero de 1985, y recibió una remake en 2011, que no tuvo tanto éxito.

Una cosa interesante de la serie de 1985 es que, en esa época, era una de las pocas series que reunía los esfuerzos de empresas estadounidenses y japonesas. Incluso, se puede hablar de una fusión entre los estilos de dibujo de ambos países. Fue producida por Rankin/Bass Productions, basándose en los personajes creados por Theodore Walter «Tobin» Wolf; dirigida por el japonés Katsuhito Akiyama; y escrita por Leonard Starr. Con sólo estos datos, es evidente el trabajo en equipo. No debe confundirse el trabajo de Thundercats con el copypaste yanqui de Macross o la reinterpretación, también yanqui, de los supersentai japoneses que fueron los Power Rangers.

Volviendo al tema: los Thundercatos (o felinos cósmicos) tenían una historia simple pero efectiva. Está ambientada en un planeta donde los felinos evolucionaron y usan tecnología avanzada, además de estar apegados a costumbres propias de un relato de espadachines y hechicería, lo cual le da al relato una impronta más cercana a la fantasía que a la ciencia ficción. Esta sociedad es atacada y debe huir en naves espaciales, que son casi todas destruidas por otro grupo enemigo. Sólo queda la nave comando, que lleva a la élite noble de Thundera. Nuestro querido equipo felino, entonces, cae en el llamado Tercer Planeta, donde conocen a muchos lugareños copados, como los osos robóticos Berbils, y otros no tanto, como Mumra, un hechicero demoníaco, cuya magia, legada por los dioses del mal, lo hacen más poderoso todavía. Mumra se alía con los atacantes espaciales, mutantes del planeta Plun-Darr, que en la persecución caen cerca de la pirámide de Mumra, quien, además, está obsesionado por la espada del augurio.

Tras finalizar la serie, DC Comics publicó algunos arcos argumentales muy interesantes y famosos, con un tono más adulto y no tan infantil. La primera se llamó “Recuperando Thundera”; la segunda, “Thundercats: El regreso”; y la tercera y última, “Perros de guerra”. En el 2011, llegó la remake totalmente yanqui, en una época en la que rehacer, relanzar o reutilizar productos de la época dorada de los dibujos animados infantiles resulta redituable. Sin embargo, fue una remake coherente, a mi entender, e incluso madura, acorde a la realidad actual. En los 80s, los programas podían ser más inocentes, pero ahora deben ser un poco más adultos. En la remake, todos los personajes son nativos del Tercer Planeta, descendientes de los tripulantes de una mega nave. Ahora, cada especia tiene su reino, y si bien la estético del programa conserva el estilo medieval de la antigua serie, incluye varios guiños interesantes. En uno de los episodios, aparecen en una pantalla los personajes de los Halcones Galácticos y los Tigres del Mar. Aunque fue cancelada, la versión del 2011 daba para más. Algunos detalles parecían forzados, es cierto, pero no creo que la historia y las modificaciones que introdujo hayan sido errores. La serie original, obviamente, fue un acierto. La trama era inocente, pero en muchos jóvenes, y me incluyo, alimentó el amor por la ciencia ficción y la fantasía, lo que habla de lo genial que fue Thundercats, más allá de sus imperfecciones.

Animé & Manga: Space Dandy


space dandy

Shinichirō Watanabe nos tiene mal acostumbrados a sacar cosas geniales por las que la gran mayoría -por no decir todos- los otakus le rindan tributo. Claros ejemplos son Cowboy Bebop (1998), serie que mezcla jazz con westerns, cine negro y películas de acción de Hong Kong; su película Cowboy Bebop: Knockin’ on Heaven’s Door (2001); Samurái Champloo (2004), que combina distintas culturas de Okinawa, el hip-hop, los samuráis y el Japón moderno; la bien aceptada continuación de Macross, Macross Plus; e incluso los cortos “Kid’s Story” y “A Detective Story”, para The Animatrix (spin-off de Matrix).

Space Dandy es una serie animada producida por el estudio de animación Bone, cuyo manga es publicado por la mismísima Square Enix. Se estrenó en la temporada invernal de animé, el 4 de enero del 2014 (recuerden que los nipones viven en el hemisferio norte). Con el éxito obtenido en su tierra natal, se confirmó una segunda temporada, codirigida por Shinichirō Watanabe y Shingo Natsume. Esta peculiar serie, basada en el manga homónimo que apareció el 20 de diciembre del 2013, ya cuenta con su primer tankōbon (revista recopilatoria). La sinopsis es la siguiente:

Dandy, es un cazador de aliens al que se le conoce por ser el Dandy número uno del espacio. El anime se desarrolla en un futuro distante en el que la humanidad ha viajado hasta los confines del universo. Dandy se dedica a buscar extraterrestres que nadie haya visto junto a su compañero robot QT. Dandy compro; el robot pensando que sería una especie de R2D2 y resulto ser más como una aspiradora. Dandy también viaja con un gato extraterrestre llamado Meow. Por cada especie nueva que Dandy encuentra, cobra una suculenta recompensa.

La serie cuenta con muchas características singulares. La odiarás o la amarás. Por un lado, gran parte de los episodios son unitarios o autoconclusivos, ya que las consecuencias de un capitulo no se perciben en el siguiente. Incluso, se puede hablar de “reboot por capitulo”. Además, casi no existe una trama principal, salvo la de la persecución absurda, perpetrada por los supuestos “malos”, que sufre el protagonista (sin ser consciente del peligro).

Si tuviera que definir el estilo de la serie, diría que no tiene ninguno. Es una comedia sobre un dandy (lo que nos hace recordar al videojuego Leisure Suit Larry), cargada de citas, parodias y homenajes, en la que cada capítulo podría catalogarse como de un género en particular, al cumplir determinados requisitos o estructuras. Un ejemplo es el cuarto episodio de la primera temporada, dedicado al mundillo del género zombie. Incluso, algo que me llamó la atención es que estén incluidos tres personajes que parecen ser guiños a los integrantes del equipo Rocket de Pokemon.

Sinceramente, para mí, los integrantes del plantel de Shinichirō demuestran que pueden hacer cualquier tipo de género y salir más que bien parados. Como dije más arriba, este director tiene mucha maña para hacer series únicas. Como sus obras prececentes, Cowboy Bebop y Samurái Champloo, en Space Dandy exhibe un cruce de técnicas y elementos de distintas épocas. Es una fusión bien orquestada por los responsables de la serie, debido a la variedad de argumentos y las diferencias entre capítulos, y hasta se podría hablar de un animé experimental. En general, le daría un “8”, ya que, al tratarse de episodios independientes, alguno que otro es flojo.

Fellini, Bergman y Hitchcock, en una muestra cinéfila en el MACBA


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A partir del 23 de julio, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), podremos visitar una interesantísima video-instalación de Lucas Turturro, titulada: “La sombra invertida. El inconsciente colectivo del cine“. Para los amantes del séptimo arte, debería ser una visita obligada. Así se describe la muestra en la página del museo:

Propone un ensayo audiovisual sobre la imagen-sueño, o mejor dicho, sobre las escenas de ensoñación que crea el cine. (…) El artista busca expandir la pantalla tradicional y bidimensional de la sala cinematográfica, en un espacio tridimensional dominado por estas imágenes. (…) Encuentra un mensaje en común, oculto en todos los sueños del cine y se lo ofrece encriptado al espectador dispuesto a soñar.

Mezcla de found footage experimental e instalación de arte, Turturro recicla imágenes de algunos de los clásicos más venerados del cine internacional: Fresas salvajes de Bergman, Ocho y medio de Fellini y Spellbound (o Cuéntame tu vida) de Hitchcock. Siempre se dice que una buena película “absorbe” al espectador. En este caso, la metáfora será literal: el espectador se encontrará rodeado físicamente por la obra. Allí estaremos.

Horario: Miércoles a Domingo – 14 a 16.30 / 17 a 19. (Ingreso hasta 30 minutos antes del cierre. Martes cerrado.)

Valor de la entrada: Adultos: $25. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $15. Menores de 12 años: sin cargo.

Miércoles: General: $15. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $10. Menores de 12 años: sin cargo.

Werner Herzog en el Palais de Glace!


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Del 18 de julio hasta el 17 de agosto, el Palais de Glace proyectará una retrospectiva de uno de los directores más locos e idiosincráticos de la historia. Los alemanes no solamente se dedican a ganarle a la Argentina en los Mundiales y a celebrar con coreografías hirientes, sino también a hacer buen cine. Durante las próximas semanas, los porteños podrán comprobar esta afirmación (o no). A continuación, les dejamos los horarios y fechas de las funciones:

Viernes 18 de julio y domingo 3 de agosto a las 19:

Herakles, 1962, Alemania, Dir. Werner Herzog, 10 minutos.

Fata Morgana, 1970, Alemania, Dir. Werner Herzog, 79 minutos.

Sábado 19 de julio y viernes 8 de agosto a las 19:.

Medidas contra fanáticos (Maßnahmen gegen Fanatiker), 1969, Alemania, Dir. Werner Herzog, 12 minutos.

La Soufrière, 1976, Alemania, Dir. Werner Herzog, 1976.

La balada del pequeño soldado (Ballade vom kleinen Soldaten), 1984, Alemania, Dir. Werner Herzog, 45 minutos.

Domingo 20 de julio y sábado 9 de agosto a las 19:

País del silencio y la oscuridad (Land des Schweigens und der Dunkelheit), 1971, Alemania, Dir. Werner Herzog, 85 minutos.

Viernes 25 de julio y domingo 10 de agosto a las 19:

Ecos de un reino oscuro (Echos aus einem düsteren Reich), 1990, Alemania, Dir. Werner Herzog, 87 minutos..

Sábado 26 de julio y viernes 15 de agosto a las 19:

Aguirre, la ira de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes), 1972, Alemania, Dir. Werner Herzog, 93 minutos.

Domingo 27 de julio y sábado 16 de agosto a las 19:

Fitzcarraldo, 1981, Alemania, Dir. Werner Herzog, 158 minutos.

Sábado 2 de agosto y domingo 17 de agosto a las 19:

El pequeño Dieter necesita volar (Little Dieter needs to fly), 1997, Alemania, Dir. Werner Herzog, 80 minutos.

Alas de esperanza (Schwingen der Hoffnung), 1999, Alemania, Dir. Werner Herzog, 66 minutos.

Viernes 1 de agosto a las 19 horas:

Fe y moneda (Glaube und Währung- Dr. Gene Scott, Fernsehprediger), 1980, Alemania, Dir. Werner Herzog, 44 minutos.

Campanas de las profundidades (Glocken aus der Tiefe – Glaube und Aberglaube in Rußland), 1993, Alemania, Dir. Werner Herzog, 60 minutos.

Estreno: El sorprendente Hombre Araña 2 – La amenaza de Electro


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Ya podemos ver en los cines El sorprendente Hombre-Araña 2: La amenza de Electro (Marc Webb, 2014), la segunda parte de El sorprendente Hombre-Araña (Marc Webb, 2012), el reboot del famoso personaje de Marvel Comics. Atrás quedó la trilogía que dirigió Sam Raimi, y protagonizó Tobey Maguire, sobre el superhéroe.

El hombre araña de la actualidad es Andrew Garfield, quien ya es famoso gracias a la primera película de esta saga -en 2016 veremos la tercera parte-. A Garfield lo veremos el año próximo en Silence, lo nuevo de Scorsese.

Por supuesto que Stan Lee tendra su cameo en la película (a esta altura un clásico), pero los actores que acompañan a Garfield en el film son: la bellísima Emma Stone -la veremos en Birdman, lo nuevo de González Iñárritu y en Magic in the moonlight, lo nuevo de Woody Allen-; Jamie Foxx, el villano de turno -lo veremos en la nueva adaptación al cine del famoso musical Annie-; Dane DeHaan -lo veremos en Life, lo nuevo de Anton Cobijn-; Campbell Scott; Paul Giamatti -lo veremos en Madame Bovary, una nueva adaptación de la famosa novela, con dirección de Sophie Barthes-; Denis Leary -lo veremos enDraft Day, lo nuevo de Ivan Reitman-; Sally Field; Martin Sheen -lo veremos en Trash, lo nuevo de Stephen Daldry-; Chris Cooper y Felicity Jones.

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A continuación les dejamos el último trailer de El sorprendente Hombre-Araña 2: