Cine: Los Miserables. Sobredosis de ostentación


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Antes de contar la sinopsis de la peli y hacer mi posterior magistral critica, quiero aclarar que el musical es un género al que recién ahora me estoy empezando a acercar. Como también decir que no leí la novela en que se basa esta película, ni su antigua versión ni su obra de teatro. Una vez dicho esto, arranquemos.
Estamos veinte años después de la Revolución Francesa. Al parecer no cambio prácticamente nada a nivel social, ya que la pobreza es el bien común de la mayoría de la población. Mientras, Jean Valjean lleva diecinueve años preso por robar un pedazo de pan. Luego de que obtiene la libertad condicional se escapa y arma una nueva vida, una que lo llevara a una buena posición económica. Mientras fantasmas de su pasado lo persiguen, personificados en el oficial Jevert, su historia se cruza con la de Fantine, una madre soltera que hace de todo (y me refiero a TODO) para obtener dinero para su hija.
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Estamos ante una de las pelis más esperadas del verano por la mayoría. Si bien hay algunos que aborrecen los musicales de por sí (yo antes era uno de ellos) u otros que simplemente la peli les provoca indiferencia, negar que era uno de los tanques del mes es absurdo. Solo quedaba ver si la peli cumplía, cosa que hace, pero sin ser lo perfecta que podría haber sido.
Primero que nada quiero destacar las virtudes que tiene. Y la mayor sin dudas son sus tres actores principales. Hugh Jackman vuelve a demostrar que es muchísimo más actor que solo el Wolverine con el que muchos lo tienen encasillado; y a la hora de cantar, confirma esa sensación que dejo en los Oscar de hace unos años, y es que el tipo tiene talento. Alguien que me llamaba la atención verlo en un musical era Russell Crowe, quien sale muy bien parado, a pesar que a veces se nota que la voz no le da para estrofas largas. Pero la que se lleva todas las palmas es la preciosa Anne Hathaway. Si bien la muchacha sale poco en la película, aprovecha al máximo sus minutos, en especial a la hora de cantar I Dreamed a Dream en primer plano, se me puso la piel de gallina.
A esto hay que sumarle el soberbio trabajo de fotografía y vestuario. Ya la escena inicial con los esclavos moviendo el barco es espectacular. Además que calza con quizás una de las mejores canciones de la película.
Pero si en un musical de época los actores, las canciones y todo el apartado técnico está muy bien hecho, seguro se preguntan ¿Estamos ante una película perfecta? Y la respuesta es un rotundo NO. Porque a pesar de todas las virtudes, parece que el director se empeñó en tirar todo abajo.
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Tom Hooper es el sobrevalorado director de la igualmente sobrevalorada El Discurso del Rey. El inglés parece haber querido boicotear la película desde adentro, porque todas las cosas cuestionables del film, son culpa suya.
Arranquemos con la sobredosis de primeros planos que inundan la película. Se le podría avisar a Hooper que para causar emoción en el espectador, no es necesario clavar primeros planos de quince minutos en cada canción. En algunas partes funcionan, como en la ya citada I Dreamed a Dream o en la primera canción larga de Russell Crowe, en otras se alargan tanto que uno le empieza a buscar los granitos a las caras de los actores.
A esto hay que agregarle el mal uso de la stadycam, constantemente en movimiento a pesar de que los personajes estén quietos. En varios momentos por no dejar la cámara quieta termina cagando encuadres preciosos.
Además de que las canciones son continuas, y para mi es fundamental que en un musical alla tiempos muertos sin canciones y con diálogos, porque a la larga (y más si dura tres horas) uno se termina saturando.
Y ya si hablamos de la duración, es algo que el director no supo manejar. A mí no me joden las películas kilométricas, pero si son entretenidas. El problema en esta ocasión es que por respetar al máximo la obra teatral, no se supo hacer una ADAPTACION. El mejor ejemplo son los personajes de Baron Coen y Bonhhan Carter. Algunos dirán que dan los momentos cómicos de la película, pero yo no fui a reírme cuando elegí ver Los Miserables. Sus personajes comen muchos minutos y nunca cuadran con el resto del film, porque parecen sacados de una película de Tim Burton. La historia de amor que aparece al final también roba bastante metraje, cuando ese tiempo podría haber sido usado para mostrar más la revolución que se estaba viviendo.
Con esto no digo que Los Miserables sea una mala película, para nada, de hecho me gusto bastante y la disfrute. Pero por culpa de un director pretencioso, ostentoso y que por regodearse en sí mismo descuido varios detalles que son exclusivos de su rol. Con un realizador más talentoso no se hubiera desperdiciado la oportunidad de hacer un musical que marcara época y se convirtiera en un clásico instantáneo.
Nota: 8
Un saludo pretendiendo ser espectacular.
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romero

Cine: Juan of the Dead (Matamos a sus seres queridos)


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Si hay un sub género que da prácticamente para todo, es el de los zombies. Lejos quedaron los tiempos donde los no muertos únicamente asustaban, o donde se los usaba para hacer críticas sociales (aunque a veces sale alguna peli que repite esta última fórmula). Ahora prácticamente solo son usados como recurso para la comedia, y aunque parezca raro, suele funcionar bastante bien.

Juan es una lacra que se pasa todo el día perdiendo el tiempo con su amigo y compinche Lázaro. Junto a ellos está su grupo de amigos, que se dedican a robar a turistas como único medio de supervivencia. Un día, tras volver de su intento de fuga a Miami, Juan ve cómo empiezan a suceder cosas extrañas, como que la gente se ataque a mordizcones. Donde todos ven terror y desesperación, Juan y sus amigos, acompañados por su hija Camila, ven un negocio redondo.

Por el nombre, muchos supondrán que se trata de una copia o translación de la genial Shaun of the Dead, salvo que con Cuba en lugar de Inglaterra. De cierta manera lo es, pero no lo suficiente como para decir que esta co-producción cubana-española es un robo.

Está claro que la tónica de la peli es similar al del film inglés. Ambas retratan la vida de un loser casi marginado, con amigos igualmente vagos y despreocupados. Pero ahí terminan las similitudes. Y es que Shaun of the Dead era una película de amor con zombies, mientras ésta es una comedia absoluta, que se sostiene sobre momentos bizarros y “WTF?”.

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Otra peli con la que noté varias semejanzas fue con esa joyita que salió hace unos años, también inglesa. Estoy hablando de Attack the Blockpeli en la que un grupo de pandilleros defiende su bloque de edificios de unos extraterrestres, algo similar a lo que hace Juan acá. Lo raro es que Juan of the Dead es del año anterior a Attack the Block, así que si en realidad alguien copió a alguien, fueron los ingleses.

Como buena película de zombies, el gore (las sangre y tripas) están presentes. No faltan los primeros planos de cabezas aplastadas o explotadas que salpican sangre por todos lados.

Y acá viene el gran acierto del film. Considerando los bajos recursos con los que contaba, el director decidió darle un tono cómico total a la peli, riéndose de sí mismo constantemente. Uno de los mayores ejemplos está en el grupo de amigos de Juan, más precisamente la pareja conformada por una montaña de músculos, que se desmalla al ver sangre, y su pareja, un travesti.

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Quienes dicen que el sub genero de los zombies (mi favorito) está difunto, es porque no saben buscar. Está claro que en su gran mayoría las pelis con no muertos que salen son una mierda (saga Resident Evil incluida), pero hay que explorar a fondo entre las toneladas de películas que salen para encontrar algo potable. Y cuando se lo encuentra, hay que recomendarlo.

Juan of the Dead está lejos de las obras maestras de Romero o Fulci, pero como peli para pasar el rato sin sentir ganas de pegarse un tiro en las partes bajas, estoy seguro que no los defraudará.

Nota: 7

Un saludo con rigor mortis:

— Jorge Marchisio
Facebook: Yorsh A. Romero

Cine: The Shining (El resplandor)


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El gran director Stanley Kubrick se deslumbro en los años 80´ con su film llamado The Shining o conocido en Latinoamérica como El Resplandor, este cuenta la historia de un escritor llamado Jack Torrance el cual se dirige con su mujer Wendy y su hijo Danny  a un apartado Hotel en donde ha conseguido el puesto de vigilante durante los meses de invierno, Jack es advertido por el encargado del Hotel de que el anterior vigilante había perdido la razón, asesinando a su mujer e hijos antes de suicidarse, esto No impresiona en nada a Jack, que poco a poco irá siendo atrapado por la locura de lugar poniendo en peligro la vida de su mujer e hijo.

Sin lugar a dudas esta es una obra maestra del cine de terror, cita obligada para todo cinéfilo, ya que hace referencia a lo paranormal y al terror psicológico, la mescla perfecta llevada a la pantalla grande, esta historia está basada en la novela homónima de Stephen King. La cual fue adaptada por Kubrick en un guion de más de dos horas de duración, donde trato de perfeccionar cada detalle que para aquellos que leyeron el libro se es muy evidente ciertos cambios en los personajes, al igual que en el desarrollo de la trama, tratando de suprimir algunas escenas que alargaban la película y hacían una difícil comprensión, esto molesto a King llegando a decir que Kubrick no sabía lo que era una película de terror, sin embargo los resultados demuestran lo contrario.

Para el papel principal Kubrick escogió a Jack Nicholson quien ya se había lucido en el cine por sus grandes interpretaciones, adaptando a este en el papel de Jack Torrance, para el roll de Wendy, Stanley decidió que este fuera interpretado por Shelley Curall, una actriz poco conocida, quien realizo la mejor interpretación de su carrera, se cuenta que al terminar el rodaje esta se internó en una clínica psiquiátrica debido a la presión a la que estuvo sometida.

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Este Film originalmente contenía una duración por encima de los 140 minutos, a tan solo una semana de su estreno fueron suprimidos casi 20 minutos del final, a partir de la escena donde aparece una foto de julio de 1921, esta es la escena que hasta el momento se conoce como el final, en estos 20 minutos eliminados se narra la llegada de Wendy y su hijo al hospital y una posible confirmación de que la policía encontró un cadáver, el cual pertenecía a el cocinero del Hotel el Sr Hollorarn, mientras que el de Jack nunca fue localizado, creo que comentar estas palabras podría estar de mas, puesto que esto ya no forma parte del producto, aunque si fuera aun así, esto entraría al grupo de acertijos que ya guarda la película.

Luego de dicha modificación en el final, la última escena enfoca una foto del año 1921 donde reconocemos al instante la presencia de Jack, ahora bien nuestra pregunta es ¿Sera en verdad Jack?, ya que el personaje de la fotografía luce una apariencia algo distinta a la del maestro y escritor, pero muy a pesar de todo son los mismos, después de esto se comentaron y especularon muchas cosas, el mismísimo Kubrick años después, en una entrevista dijo que Jack sería una reencarnación del que fue un personal del Hotel Overlook, las razones del porque este anuncio dicha solución aún se desconocen.

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No se puede negar la gran banda sonora con que cuenta esta película, los efectos de sonido dan un suspenso particular que mesclados con las imágenes se convierten en un gran film, algo que es muy evidente dentro del Hotel es el color Rojo u Ocre, estos como haciendo referencia a un posible asesinato o dando a demostrar las marcas de lo que ocurrió hace años en ese lugar.

La palabra invertida de MURDER (Asesinato) escrita por Danny como (REDRUM) al pronunciarse se escucharía RED ROOM (Cuarto Rojo), al ver el fil nos damos cuenta que las tonalidades de rojo son muy evidentes a excepción de la habitación 237, es tanto así la presencia de dicho color que este hace referencia en casi toda la película, desde una prenda la cual lleva uno de los personajes hasta la mínima cosa que resalte en medio de colores claros.

Sin Lugar a Dudas esta película es una muy buena opción para aquellos amantes del cine de terror (en el cual me incluyo), y en mi opinión personal hay que verla más de una vez para poder comprender toda su historia, ya que hasta la mínima cosa mostrada tiene un significado que da en cierto modo sentido a la trama.

Ya para finalizar debo decir que esta película a pesar de tener bastante tiempo estrenada, hoy en día sigue dando de qué hablar, por sus grandes misterios y suspenso, en fin si no la han visto aun, recomiendo que lo hagan.

— Javier Sánchez

Cine: El Lado Luminoso de la Vida


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Si hay un género que me resulta detestable es el de la comedia romántica. El 99% de las películas que se dan acá son exactamente iguales, siguiendo el Mito de Cenicienta; es decir, chica pobre conoce a chico rico y contra todos y todo terminan juntos. Además de ser altamente estúpido ese argumento, todas estas peliculitas le pudrieron la mente a la mayoría de las mujeres, que piensan que las cosas que ven en pantalla pasan en la vida real; luego tienen como cuarenta años y siguen esperando al príncipe azul. Es por esto que cuando se hace una comedia romántica que rompa con toda esta cursilería hay que verla y recomendarla, como es este caso.

Pat es sacado tempranamente de su internación en un psiquiátrico tras un ataque de ira. Todo el barrio teme por su seguridad, ya que en dicho ataque casi mata al amante de su esposa, a quien encontró en pleno acto. En una cena en la casa de un amigo de la pareja, conoce a Tiffany, recientemente viuda y que tras un ataque de ninfomanía perdió su trabajo y casa. Entre ambos nacerá una necesidad de ayudarse mutuamente, él pretendiendo recuperar a su esposa, ella queriendo ingresar a un concurso de bailes de parejas.
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La sinopsis no desprende gran cosa, y es que el argumento de la peli no lo es. Si bien la primera mitad es bastante poco común para el género, en el último tramo se cae en toda la obviedad posible.

Este es el mayor punto negativo de la peli. Si bien uno sabe que ambos “loquitos” van a terminar juntos, hasta los momentos previos al dichoso baile la cosa es bastante original, profundizando en la personalidad de todos. Pareciera que no supieron como terminar de contar la historia y tiraron por lo fácil; por suerte todo lo anterior está muy bien hecho

La psiquis de los personajes excelentemente construida, en especial la de el dúo protagonista y la del personaje de De Niro. Sin necesidad de una voz en off, y apenas recurriendo a flashbacks podemos entender que es lo que les pasa a los tres. Y es que si Pat Jr colapso al ver a su esposa con otro mientras sonaba su canción de bodas, Tiffany derrapo y necesito sentirse deseada, buscando en la putes encontrar esa atención. Mientras que Pat Sr es un obsesivo con las cábalas, además de darle prioridad a un hijo por sobre otro.

Pero si los personajes fueron bien escritos, están aún mucho mejor actuados. Bradley Cooper se saca de la manga quizás su mejor actuación hasta la fecha, con un personaje muy medido, que sufre, pero que en manos de otro podría haber caído en la caricatura, pero por pericia del actor se vio algo creíble y real. Pero es que ante la hermosa y bella y perfecta (si, la amo ¿Y?) Jennifer Lawrence cualquier otro actor/actriz queda en inferioridad. No por nada a sus veintidós años ya va por su segunda nominación al Oscar. Su personaje es mucho más freak que el de Cooper, y se presta más para la comedia, pero la chica lo interpreto con tanto nivel que logra emocionar y hacer reír en partes iguales. De Niro también esta magnifico, y después de muchos años verlo en papeles berretas se agradece que se le dé un papel que lo exija a sacar el talento que todos sabemos que tiene.

De todas formas no estamos ante ninguna maravilla. Como dije inicialmente, la peli en su tramo final muestra su verdadera cara, y es la de una comedia romántica al uso. El discreto trabajo del director David Russell tampoco se esfuerza por desmarcarla del género. Mención aparte que luego de verla me es inexplicable entender como está nominado al Oscar y gente como Bigelow, Tarantino o Affleck fueron ninguneados.

El Lado Luminoso de la Vida es una entretenida peli, bastante recomendable. Pero que no deja de ser una comedia romántica casi genérica, eso sí, contando con unos buenos personajes y unas actuaciones que por sí solas valen la pena pagar la entrada.

Nota: 7

Un saludo contando hasta diez.

Jorge Marchisio
Mi face

Lo que nos dejó el 2012: lo mejor en cine, series, animé, videojuegos, historietas y música


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Se acabó otro año y arrancó el 2013. Para celebrar la ocasión, compartimos con ustedes los ‘top 5’ personales de la mayoría de los autores de esta página. Cada uno se concentró en un medio en especial, así que el post que sigue es de lo más variado: hay films, comics, música, series, animés, de todo. Espero que sigan con nosotros, Fanboys y Fangirls, y que tengan un excelente 2013. Por lo pronto, les dejamos las listas. ¡Que las disfruten!

CINE

Sangre de mi sangre: Esta épica urbana del director portugués João Canijo retrata a una familia que vive en un barrio marginal en las afueras de Lisboa. Canijo nunca observa a sus personajes con condescendencia o lástima. Prefiere perseguirlos atentamente por las calles de la ciudad, los dormitorios de sus hogares y los vaivenes de sus oscilaciones emocionales. La cámara registra encuentros y desencuentros amorosos, revelaciones asombrosas y las barreras infranqueables entre clases sociales. Se trata de un territorio temático propio de las telenovelas o culebrones, como observó el crítico Quim Casas, pero esta apropiación del territorio telenovelezco no es un simple juego intelectual. Es decir, Canijo no se coloca por encima de su material narrativo, no toma una distancia irónica o superior, sino que abraza la emotividad y expresividad propias del género y le agrega la presencia de una cámara tan sensible como los personajes, una cámara que busca, vuela, encuadra varios cuerpos a la vez y se desplaza libremente por el ambiente del film. Aunque no se trata de la misma propuesta estética, la película de Canijo remite al proyecto del también portugués Pedro Costa. Ambos cineastas parecen explorar, entre tantas otras cosas, las formas en que nuestros alrededores inmediatos, la disposición de nuestros barrios y casas y el trazado sociopolítico de nuestro mapa urbano afectan el flujo diario de nuestros días.

Tabu: Son comunes las películas sobre el cine, pero en este caso no se trata de un mero divertimento nostálgico y cinéfilo. Aunque sea divertido encontrar y descifrar las numerosas citas y referencias (empezando por la del título, guiño al Tabu de Murnau y Flaherty) está claro que la intención no es (o no lo es solamente) apelar al reconocimiento de algunos entendidos, sino generar algo así como un aura, una atmósfera arcaica y onírica, sugerida por los ecos cinematográficos del pasado. La película arranca en la Lisboa actual, donde Pilar, una cuarentona solitaria y religiosa, se preocupa por su octogenaria vecina, la irritable y racista Aurora. Cuando fallece esta última, aparece su antiguo amante, un tal Ventura, quien se dedica a contar su historia de amor con Aurora en una colonia africana a principios de la década del 60. El resto de la cinta transcurre en este paisaje pretérito, donde ya se advierten los primeros indicios de lo que sería la Guerra Colonial Portuguesa. Este desplazamiento en el tiempo, esta vuelta al pasado, es también un paseo por la imaginación y los sueños. La África colonial que advertimos en la pantalla es el mismo mundo irreal y fantasioso que Pilar, al principio de Tabu, disfruta en un cine de Lisboa. Al escuchar las palabras de Ventura, Pilar es transportada a una construcción idealizada e imaginaria del pasado colonialista de su país, armada a partir de fragmentos difusos, pedazos de películas y trozos anecdóticos.

Erase una vez en Anatolia: Un policial en cámara lenta. La película sigue la pesquisa de un grupo de policías, doctores, fiscales, gendarmes y sepultureros, quienes recorren las rutas del solitario paisaje turco en busca de la tumba de un muerto. Son guiados por el presunto asesino, quien se intoxicó la noche del crimen y ahora no puede recordar dónde ocultó el cuerpo. La noche se extiende, la investigación se frustra y los involucrados se entretienen con conversaciones tangenciales. Surgen caminos narrativos insospechados: conocemos las penas de un viudo, los reclamos del mandamás de un pequeño pueblo y los gestos desganados de un doctor. Más que nada, recordamos el zigzagueo de los automóviles por las colinas, sus faros oponiéndose a la oscuridad.

Escuela Normal: El documental de Celina Murga es una pequeña obra. No es una película descollante ni pretende serlo, e inmediatamente luego de verla, puede dar la impresión de ser un film intrascendente. Pero es inmensamente sugerente y sus compactos 88 minutos no tienen desperdicio. Ofrece la posibilidad de ver cómo unos adolescentes empiezan a construir su conciencia política, al participar en las elecciones del centro de estudiantes de la Escuela Normal de Paraná. Murga articula su material documental con tanta destreza que el resultado parece ser un film de ficción. Cada toma es tan exacta y cada diálogo tan preciso, que las escenas parecen predeterminadas por un guión. No es el caso, obviamente, y la directora logra además la proeza de estructurar minuciosamente su documental sin restarle naturalidad al retrato. Es un film político, sin ser militante ni antipolítico. En cambio, observa sutilmente la necesidad esencial del proceso democrático y el despertar de las ideas en los rostros de los jóvenes.

Cosmópolis – La invención de Hugo Cabret: Pequeña trampa: mi lista de cinco películas termina con un puesto compartido. Cosmópolis, aunque no me haya gustado en su momento, se resiste al olvido, y Hugo Cabret me pareció la mejor película-espectáculo del año. La primera es una adaptación de la novela de Don DeLillo y resulta ser un experimento terriblemente incómodo. Por un lado, el director David Cronenberg adaptó el libro original de la manera más burda posible: mantuvo intactos casi todos los diálogos y obvió la mayoría de los pasajes descriptivos. Los personajes de DeLillo tienden a interactuar como si fueran extraterrestres, como si sus palabras desnudaran siempre su fracaso de comunicar lo que pretenden. Es más fácil aceptar esta estética radical sobre una página impresa, pero en una película, el texto original tiene que ser interpretado por actores y lo extraño del lenguaje se torna casi insoportable. La estrategia de Cronenberg es nunca matizar la rareza de los diálogos: los actores parecen narcotizados, estupefactos ante la verborragia del guión. El film, como la novela, persigue a un joven multimillonario durante su viaje en limusina a través de Manhattan. Su destino es la peluquería de su niñez. A partir de este esquema básico, DeLillo y Cronenberg exploran la irrealidad e inmaterialidad del universo del protagonista, un especulador de Wall Street que vive en una nube de números y ecuaciones abstractas. Hugo Cabret, mientras tanto, no tiene nada de incómodo, salvo quizás su metraje. Se trata de otra adaptación literaria, en este caso de un libro de Brian Selznick, el cual, según el mismo autor, resiste cualquier categorización: no es ni un libro, ni un libro ilustrado, ni un cómic, ni una película, sino una combinación de todos estos medios. Aunque el film de Martin Scorsese pertenece claramente a un solo medio, conserva el mismo dinamismo: es un film para niños; es una superproducción en 3D; es una historia mínima sobre un adolescente solitario y huérfano y su relación con Georges Méliès, un cineasta olvidado y empobrecido; es una fantasía pseudo-histórica sobre los inicios del cine; y es una reflexión sobre el futuro y el pasado de un medio, que representa las primeras imágenes del cinematógrafo a través de los más avanzados efectos especiales de la era digital y tridimensional.

— Guido Pellegrini

CINE Y TECNOLOGÍA

En este breve informe, quiero mencionar algunas de las peliculas que en el 2012 se destacaron en la utilización de la técnica y tecnología cinematográfica.

Frankenweenie: Esta película tuvo una increíble utilización del stop motion a través de la genialidad de Tim Burton. Para su realización, los animadores tuvieron que manipular manualmente los objetos y/o personajes y fotografear cada pequeño desplazamiento para generar la sensación de movimiento. Para lograr esto, los animadores detuvieron y posicionaron los personajes y objetos 24 veces por segundo de película. Este film demoró dos años de realizacíon y se necesitaron alrededor de 33 animadores, que en su mayoría trabajaron individualmente. 

El Hobbit:  Esta película nos trajo muchas innovaciones en cuanto a técnicas y tecnologías cinematográficas. Pero lo que merece una mención aparte es su grabación a 48 fotogramas por segundo (fps) en lugar de los clásicos 24 del cine tradicional. Esto se logró gracias a la línea de cámaras Red Epic, que permiten grabar hasta 120 fps. Lo que Peter Jackson  buscó fue un mayor realismo en los movimientos en tres dimensiones, tanto en los actores como en los personajes computarizados.

Batman: El Caballero de la Noche Asciende: Nuevamente, Christopher Nolan volvió a grabar varias escenas de su film en formato Imax.  Esta tecnología usa una película de 70 mm (en vez de los 35 mm del cine tradicional) para lo cual se utilizan cámaras más grandes y complejas. Gracias a esta tecnología, Nolan rodó escenas con mayor nitidez y brillo para proyectar en una gran pantalla con una calidad de sonido superior.

Las Aventuras de Tintin: Para llevar a cabo esta película, el director Steven Spilverg decidió utilizar la técnica de captura de movimiento en 3D para crear personajes animados a través de actores reales. Para lograr esto, filmó a los actores con electrodos conectados a una computadora y, luego, estas imágenes fueron convertidas en una animación. El capitán Haddock fue interpretado por Andy Serkis, uno de los actores más versados en esta técnica y el realizador de Gollum y King Kong. 

Star Wars Episodio 1 – La Amenaza Fantasma 3D: Mas allá de que esta película fue un reestreno de la exibida en 1999, no quiero dejarla afuera, ya que, como las dos partes que la siguieron, fue en su momento un gran aporte al avance de la tecnologia digital aplicada al cine. Para ella, se crearon novedosos efectos visuales, decorados e incluso personajes, y se cambiaron también las técnicas de filmación y los procesos de postproducción.

— Rafael Fiorucci

SERIES

Sherlock: La serie inglesa que adapta a los tiempos modernos las aventuras de Sherlock Holmes sigue desbordando calidad por todos los poros. El tándem Cumberbatch – Freeman merece quedar en los anales de la televisión.

Breaking Bad: En realidad, sólo vimos la primera mitad de la última temporada, la cual cuenta las andanzas de Walter White. Ya con su descenso moral casi consumado, y asumiendo el rol de Heisenberg, Walt se juega el todo por el todo para ser el líder de la metanfetamina.

Spartacus: Vengance: La segunda temporada (o tercera, si se tiene en cuenta la temporada 0) del mítico gladiador que puso en jaque al Imperio Romano. A pesar de arrastrar el lastre de la muerte de su actor protagonista (Andy Whitfield), y su posterior remplazo (por Liam McIntyre), la serie mantuvo el nivel al que nos tenía acostumbrados. El próximo enero saldrá al aire la última temporada.

Game of Thrones: La llamada “Sopranos de la nueva era” la sigue rompiendo. Una gran producción, con buenísimas actuaciones y vestuarios, que últimamente nos brindó representaciones impresionantes de asedios a reinos enteros.

The Walking Dead: Después de la aburridísima segunda temporada, muchos le habían perdido la fe a esta serie. Es por este motivo que la tercera temporada sorprendió a todos, brindando un nivel de calidad que fue creciendo con cada capítulo, especialmente a través de la maduración del protagonista y de la inclusión de uno de los personajes más queridos del comic.

Mención Especial:

Arrow: Sin duda, la sorpresa televisiva del año. Nadie daba dos mangos por esta serie (me incluyo) porque todos esperábamos una bobada como Smallville. Nada resultó estar más lejos de la realidad. La serie le debe mucho al Batman de Nolan y muestra una trama adulta, al punto que el superhéroe en cuestión llegó a matar. Recomendable.

— Jorge Machidio

ANIMÉ 

Sword Art Online: Una nueva serie que recuerda a la saga multimediática .hack. A través de un juego tipo MMORPG (más específicamente, de híper realidad) las mentes de los jugadores son transportadas a un mundo virtual creado para el ocio. Pero hay un problema: para despertar nuevamente en la realidad, los jugadores deberán terminar el juego. Y si mueren en el juego también lo harán en la vida real.

Hunter X Hunter (2011): Si bien es una serie que apareció en el 2011, el año pasado atravesó una de sus etapas más emotivas: el arco argumental de Genei Ryodan. Tengo que admitir que las mejoras en el 2012 no fueron sólo visuales sino también argumentales, ya que los arcos argumentales conectaron de forma satisfactoria.  Anteriormente, dichos arcos me habían parecido bloques inconexos, en parte porque el manga original todavía no había desarrollado ciertas partes de la trama, algo que suele suceder cuando la publicación de un manga es concurrente con la transmisión del animé.

One Piece: Otro animé que está desde hace tiempo. En este caso, creo que los episodios emitidos en el 2012 estuvieron beneficiados por la etapa de la trama que se está contando, aunque los personajes fueron víctimas de varios retoques visuales. De todas formas, Luffy y Cía aparecieron en una nueva película de One Piece, lo que multiplicó su presencia a lo largo del año.

Haiyoru! Nyaruko-san: La historia toma prestados los personajes de los mitos de Cthulu creados por H.P. Lovecraft, siendo Nyaruko un mote cariñoso para Nyarlathotep. El protagonista es un joven común y corriente llamado Mahiro Yasaka, quien es salvado de malvados extraterrestres por Nyaruko… que también es una extraterrestre. Advierto que se trata de una serie más juvenil que las que nombré anteriormente y que es un animé tipo harem.

Accel World: Accel World es el nombre del mundo virtual donde un estudiante –víctima de bullying– se convierte en un héroe. La historia se desarrolla en el año 2046, cuando la tecnología ha logrado que las experiencias heroicas del protagonista sean inseparables de su realidad.

Menciones especiales de dibujos animados:

Avatar, la leyenda de Korra: Capaz una de las mejoras secuelas para una serie que haya visto en mucho tiempo. Con la Leyenda de Aang ya terminada, continúa la historia con una nueva Avatar, pero ésta es la antítesis de su predecesor, tanto en sexo como en poderes. Además, la trama se desarrolla inversamente, ya que, mientras Aang viajaba por el mundo, Korra encuentra toda la acción en una sola ciudad.

Young Justice (2º temp): Una grata sorpresa de parte de DC, si bien no es nuevo y también es conocido que DC le gana en todo lo que es animación  a Marvel, nunca pense que pudieran elevar tanto el nivel como lo hicieron con Young Justice si bien esperaba un Teen Titan con elemento de Justicia ilimitada, no esperaba una serie tan bien pensada para el publico adolecente/adulto..

y lo que se viene en el 2013 (spoilers)

— <a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

VIDEOJUEGOS

The Walking Dead: The Game: Los muchachos de Telltale Games nos demostraron otra vez que saben lo que hacen. Realmente nos ponen en la piel de los protagonistas con este gran juego, dividido en 5 episodios descargables individualmente o disponibles todos juntos en forma de combo.

Borderlands 2: De la mano de 2k Games y Gearbox, tenemos una segunda parte que duplica todo lo que nos ofreció la primera entrega. La mejor manera de hacer una secuela.

The Journey: Un juego cautivante en todo sentido: música y jugabilidad se mezclan para que el jugador no pueda detenerse hasta llegar al final.

Mass Effect 3: Un juegazo que concluye el viaje de Shepard y que cierra la trama con un final que no fue aceptado por todos los jugadores. Hace poco, salió a la venta la trilogía completa de Mass Effect presentada como una sola y larga aventura, para poder empezar de cero y atravesar sin pausas toda la historia desde la primera hasta la última parte.

Diablo 3: La nueva secuela de uno de los grandes RPGs de acción de todos los tiempos, hecha realidad luego de varios años de espera…

— Jorge Dottavio

MÚSICA
(Prioridad en películas musicales u OST)

Rock of Ages: Tras tanto esperar esta película, la elijo antes que cualquier otra porque hacía falta una cinta musical con temas de hard rock de los 80s. Como agregado, la actuación de Tom Cruise como Stacee Jaxx es muy buena…

Batman: El Caballero de la Noche Asciende (OST): Hans lo hizo una vez más. El mismo compositor que trabajó en las otras películas de Batman supo marcar los ritmos de la última cinta y la personalidad de los personajes. Si escuchan el tema de Gatúbela, les parecerá tan sutil como el caminar de un gato. Lo volveremos a escuchar a este compositor en la nueva de Superman…

El Hobbit (OST): Está muy bien lograda y crea el mismo ambiente que su predecesora. La canción de los enanos tiene la misma mística que antes y nos transporta a la Tierra Media. Y si uno ve la película en 3D, a 48 fotogramas por segundo, la música te mete prácticamente en medio de la pelea…

Rata blanca 25 años (concierto): 25 años de historia en el rock local no es poco, además de ser una de las bandas argentinas más reconocidas del mundo, más que nada en Latinoamérica. Festejaron a lo grande en el Lawn Tennis de Palermo.

Edguy (concierto): Uno de sus mejores recitales (en mi opinión). La banda no lo podía creer y cambiaron el setlist por pedido del publico…

— Guillermo Sanchez 

HISTORIETAS & COMIC

Dora Vol 2.:  Recopilación en libro de la segunda parte de la historieta de Ignacio Rodríguez Minaverry, previamente publicada por entregas en la revista Fierro. En “El año próximo en Bobigny”, Dora sigue buscando su identidad en la agitada Francia de los ’60. Narración magistral, bellamente ilustrada.

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The Walking Dead: El comic de Robert Kirkman y Charlie Adlard que dio origen a la serie televisiva y al furor por los zombies en todo el mundo no deja de sorprendernos. Con 105 números a cuestas, la historia va ganando en complejidad y oscuridad, y tiene bien ganado su lugar de nuevo clásico del género. Fundamental.

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Titeuf: ¡Por fin podemos disfrutar en nuestro idioma de esta maravillosa obra de Zep! Titeuf es un chico de 8 años a veces bromista, a veces inquieto, que nos ofrece una divertidísima visión del mundo de los adultos. Gran edición local para uno de los éxitos más grandes de la historieta franco-belga.

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Coca, Ramón y Fernet:La gran sorpresa en el mundo del humor gráfico la dio Juan Bobillo –que ya nos había acostumbrado a la aventura con Anita, la hija del verdugo y sus trabajos para Marvel y Europa- con su primera tira cómica. Publicada en la revista Hecho en Buenos Aires y recopilada en libro por el sello Agua Negra, los delirios cotidianos de esta pareja y su perro/gato (no se sabe bien qué es) ya se han vuelto una saludable costumbre.

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Kick-Ass: No es nuevo, pero tuvo este año su edición local y es gran comic para recomendar. Mark Millar (guión) y John Romita Jr. (dibujos) le dan una vuelta al género superheroico con la historia de Kick-Ass, Hit-Girl y Big Daddy y sus intentos por salvar el día. No importa si no te gustó la peli o si no te interesan los superhéroes: Kick-Ass, como toda buena historia, está más allá de los géneros.

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–Javier Hildebrandt

Festival de Mar del Plata: Rowdy Rathore (El camorrero Rathore)


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Una película hindú que me hizo recordar For Love’s Sake, de Takashi Miike, ya que ambas son musicales asiáticos, aunque de distintos países y culturas. Curiosamente, de los dos, Rowdy Rathore se acerca más a lo que el público occidental podría desear y comprender, si bien no por eso deja de desplegar un absurdo exagerado, ya que se trata de una comedia con cierto toque dramático y con mucha acción de por medio.

Nos encontramos con una trama de amor entre un ladrón con mucho carisma y la chica de sus sueños. En la primera parte de la cinta, vemos como él la conquista de las maneras más originales, pero sus intentos son rápidamente frustrados por las locas situaciones que lo envuelven de manera estrepitosa e intrigante.

A mi parecer, esta película se divide en tres partes, cada una con su propio esencia, cuyos resultados desembocan en el final del film. De la misma forma que, en For Love’s Sake, una aparente inocencia superficial y absurda ocultaba una crítica social bastante seria, en Rowdy Rathore, la inocencia superficial está rodeada de provocaciones sensuales y una graciosísima potenciación del absurdo. Además, la película juega con nosotros, con nuestro deseo de saber más acerca de los personajes, y dosifica la exposición de su trama para que nunca estemos del todo satisfechos y siempre deseemos más información. Lo único que le puedo reprochar a la película, como espectador occidental, es que hay muchos guiños para un público hindú, así que capaz me perdí muchos chistes que no pude captar.

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Igualmente, y más allá de ciertas barreras culturales, en la Sala Piazzolla nos reímos a carcajadas, y aunque algunas canciones resultaron ser algo pesadas, al no estar personalmente versado en las películas de Bollywood, me parecieron una sorpresa agradable: mucho colorido, belleza exótica de parte de las mujeres, gags que para mí fueron novedosos y otros que no tanto, aunque presentados de una manera renovada.

Los personajes de Rowdy Rathore son memorables: una niña con mirada tierna; una hermosa mujer con ojos pintados y sonrisa traviesa; el pícaro ladrón de Rathore, que se roba todas las miradas; su contraparte (no su némesis), un supervisor de policía que se convierte prácticamente en un héroe al estilo de Aquiles, y que es físicamente igual a Rathore, aunque en ninguna parte de la película se confirma una relación sanguínea entre ambos. El film nunca se detiene para esclarecer detalles y su alocada trama arremete hacia su conclusión sin pausas. Hay algunos efectos especiales, la mayoría buenos, aunque eventualmente se tornan repetitivos y saturan un poco el ambiente. Mientras miraba la película, trataba de analizar mis sentimientos, y percibí cómo la cinta activaba mis sentidos, quizás ayudada por la acústica de la sala o por la sucesión de imágenes despampanantes. No podía dejar de mirar la pantalla. No obstante, por increíble que parezca luego de semejante crítica elogiosa, considero que Rowdy Rathore es una película para ver solamente una o dos veces. No más que eso.

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Festival 4 + 1: Verano


Si hubiera sido un corto experimental, y si se hubiera dedicado exclusivamente a sus innovaciones estéticas, entonces este film sería una obra excepcional, comparable con el corto Valentín de las sierras, del estadounidense Bruce Baillie, igualmente profuso en imágenes sucias y granuladas que enfatizan la textura impresionista de la naturaleza. Pero Verano de José Luis Torres Leiva dura una hora y media, y su metraje es entorpecido por tangentes narrativas, innecesarios personajes secundarios e interminables planos secuencia de caminatas al costado de la ruta. Entre tanto tedio, aparecen momentos de un lirismo indescriptible.

La cinta muestra a un grupo de turistas hospedados en un balneario chileno. El espacio rural que los circunda los envuelve en experiencias visuales, táctiles y sonoras, y la cámara de Leiva parece embriagarse con ellos. Aunque ciertas escenas remitan a la belleza selvática de Blissfully Yours, de Apichatpong Weerasethakul, Leiva despliega una estética mucho más cruda y rugosa que el tailandés. Con una cámara amateur, la Handycam Hi8, el director chileno rodó Verano y luego la proyectó sobre una pantalla para grabarla nuevamente, ahora en HD. El resultado es hipnótico. Los colores se derriten, las formas y contornos se diluyen en el grano, como si fuera una película casera, pero que solamente existe en el recuerdo. Verano parece arrancada del pasado, una reminiscencia difusa. Observamos el vaivén de cortinas empujadas por el viento; sentimos el peso de cuerpos recostados sobre una cama; distinguimos brazos, piernas, espaldas, rostros, manchas cutáneas, textura epidérmica, miembros diseccionados por la cámara de Leiva.

Lo que convencionalmente entendemos como ‘la trama’ de un film no debería importarnos en este caso. Ni siquiera debería ser un factor, tratándose de un poema visual como Verano. Pero, sin embargo, ahí está, ahí aparece y estorba la trama, insatisfactoria, truncada y, de todas formas, presente. Una turista argentina y una pareja chilena se convierten en nuestras ventanas al espacio fílmico. Nos acostumbramos a su respiración, a su vagar. Y luego, abruptamente, los dejamos por un tiempo prolongado, para conocer a otros personajes, y después a otros. Nuestra conexión con alguno de ellos se hace imposible. Si los protagonistas fueran meros recipientes vacíos, no habría ningún problema. Pero no lo son: tienen historias, dudas, anhelos, pasados, angustias, conflictos internos, y cuando los dejamos, sentimos su ausencia. Torres Leiva no tiene el poder de síntesis de un Juan Rulfo, que puede zigzaguear de un personaje a otro en su libro Pedro Páramo sin que reclamemos más información sobre cada uno. En Verano, siempre intuimos que nos queda demasiado por conocer, las caracterizaciones nos resultan inconclusas. Torres Leiva quiere retratar, más que personajes, un espacio, como el hotel en La niña santa de Lucrecia Martel o los pueblos en Jour de Fete de Jacques Tati y Welcome, Mr. Marshall de Luis García Berlanga. Pero los habitantes y vecinos del balneario en Verano guardan sólo narrativas en potencia, subdesarrolladas cuando no inexistentes, y si logran despertar nuestro interés, se pierden irremediablemente en el tumulto.

No se desprende ninguna musicalidad de esta intercalación de personajes e historias. No se percibe una línea conductora y poética que unifique los fragmentos. Tampoco es interesante la fragmentación como recurso estilístico, porque no creo que haya sido la intención. Los pedazos son poéticos, pero no el tejido que los conecta. Verano se desinfla, recurre una y otra vez a imágenes idénticas, torpes, inútiles, de caminatas y rodeos, quizás buscando una coherencia visual, una suerte de leitmotiv. Pero más que musicalidad, lo que se transmite es una falta de imaginación.

De todas formas, cuando logra escalar sus cumbres estéticas, Verano es insoslayable, inolvidable: un fluir de primeros planos asfixiantes, risas que estiran la pantalla, ojos que brillan en imágenes infrarrojas, llamaradas de sol que pincelan el bosque, abstracciones corporales, hallazgos sensoriales, epifanías que sólo el cine nos puede dar.

Guido Pellegrini

Twitter: @beaucine – https://twitter.com/beaucine