Cine: Metegol, golazo de mitad de cancha


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Pocas pelis argentinas provocaron tanto revuelo como la que hoy nos ocupa; mas aun si se tiene en cuenta que aún no ganó nada. Pero es que todo el back que trae la película no hizo más que causar expectativas. Es el primer film de Campanella después de ganar el Oscar y por primera vez en el país se implementa un estilo de animación como el que se utiliza en USA. Más alla de un reducido grupo de pelotudos que, por alguna razón, le deseaban mal a la peli, la duda estaba sembrada: ¿seria la genialidad que se esperaba o estaríamos ante una decepción total?

La historia se centra en un relato que le cuenta Amadeo a su pequeño hijo. Así es como vemos parte de la infancia de Amadeo, donde se la pasa jugando al metegol, y su posterior adultez, donde se la pasa… jugando al metegol. Mientras, el Grosso, antiguo rival de Amadeo y actual estrella de futbol profesional, vuelve al pueblo para saldar cuentas con Amadeo y el resto del poblado que lo despreció de joven.

De la sinopsis se intuye que la historia, en el fondo, esconde el mensaje: “persona que no creció, y que debe asumir la responsabilidad y hacerlo”. Algo que en el cine de animación parece ser garantía de éxito seguro.

Si bien la peli está inspirada en el cuento Memorias de un Wing Derecho del genial Fontanarrosa, solo se usó la idea. En realidad, el guion fue trabajado por el propio Campanella, Eduardo Sachieri (también guionista de El Secreto de Sus Ojos), Axel Kuschevatzky y Gaston Gorali (estos dos ultimos productores también).

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Como se vio en el tráiler y en los posters, las verdaderas almas del film son los muñecos del metegol. Luego de cobrar vida (de la forma más tópica posible), los monigotes toman importancia en la historia, robándose la peli con sus participaciones. El peso cae en especial en cuatro de ellos, el Capi, el Beto (el mejor personaje lejos), el Loco y el Bordo/Granate.

Mucho se habló de las voces de la película, todas puestas por actores argentinos. Y la verdad que el planteamiento me parece totalmente absurdo. Y es que, si la mayoría vive ponderando que los films se tienen que ver en idioma original con subtítulos, ¿por qué ahora, si ese idioma original es el argentino, se lo critica?

El trabajo vocal de los actores es bastante bueno, pero lo más notable es lo de los cuatro comediantes que dan las

voces a los muñequitos principales. El Capi (Pablo Rago), el Beto (Fabián Gianola), el Loco (Horacio Fontova) y Bordo/Granate (Miguel Ángel Rodríguez) lograron encontrar el punto justo para sus personajes. Rondando entre el argentino canchero y fanfarrón con el inocente de buen corazón, el cuarteto se luce en su labor.

Como buena peli animada que se precie, tiene humor para todas las edades. Desde el más tonto, destinado para los chicos y logrado a base de golpes y caídas, hasta el más adulto, con parodias a 2001 (la película y lo que tuvimos que vivir ese año).

Obviamente, también está el mensaje para los más chicos. En esta ocasión, trata sobre cómo valorar las cosas esenciales de la vida, los amigos, la primera novia y el arraigo por algo en lugar de dejarse cegar por el exitismo.

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Algo que quizás va de la mano con el propio Campanella, y es que aun sabiendo de antemano que en el mercado local la peli no le va a dar las ganancias que querría (se prevé que en el mercado internacional sí lo va a hacer), el director decidió seguir adelante igual con el proyecto. Proyecto con el cual viene trabajando desde hace cinco años. Solo por ese motivo, el pelado se tendría que ganar el respeto de todos.

Metegol entonces se nos presenta como una muy buena película de animación, pero también como una nueva forma de ver el cine animado en el país. El éxito ya lo logró desde el día del estreno, y al parecer la critica también está apoyando al film.

Hace cinco años, Campanella planeó la jugada y, de a poco, la empezó a hacer, eludiendo problemas. Ahora que ya está todo listo, sacó la peli a cartelera, como si fuera un sablazo de derecha que se clava en el ángulo

Nota: 8
— Jorge Marchisio
Facebook: Yorsh A. Romero

Anime & Mangas: Calendario de Temporada de Anime Verano de 2013


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Y ya nos encontramos en otra tanda de temporadas animes con la que las televisiones y salas de cine japonesas renuevan su oferta y programación. (Acuerdense y para aquello que no sepan, los nipones modifican sus temporadas en las distintas estaciones del año, eso no quita que si la serie tiene una excelente recepción pueda durar todo el año o  parte de este.)

Esta nueva temporada anime de verano llega con la misión de cubrir las horas libres del periodo vacacional que ellos poseen y es por ende las distintas operadoras de televisión han renovado su programación con nuevas producciones. Para esta cita las productoras y estudios de animación han vuelto a apostar por la misma formula, dando continuidad a grandes éxitos de anteriores temporadas y adaptando grandes éxitos del manga.

Varias son las novedades que presenta esta temporada de verano, pero sin duda las más esperadas por el público nipón tienen nombre propio. Entre las nuevas producciones destaca Danganronpa Kibō no Gakuen to Zetsubō no Kōkōsei, adaptación del manga homónimo de acción y misterio a manos del estudio Lerche. Un título que no es muy conocido en occidente pero que irrumpe con fuerza entre el público japonés. Otros de los títulos que ha conseguido llegar con cierta expectación es la propuesta de Kyoto AnimationFREE!. El estudio afincado en Kyoto presenta una historia refrescante protagonizada por un grupo de nadadores de secundaria con la que volverán a intentar romper el panorama actual.

Continuando con las novedades Fate/kaleid liner (serie que tiene varias antecesoras Fate/Stay Nigth, Fate/zero, Fate/zero 2 y varias mas)  Prisma Illya es otra de las propuestas más esperadas por los aficionados nipones. Silver Link ha apostado por esta adaptación del spin-off de Fate/stay night, una historia que toma como protagonista a Illyasvel para convertirla en magical girl. Tampoco hay que descuidarse con Gin no Saji, o más conocida para el público occidental por Silver Spoon. Adaptación del exitoso manga de Hiromu Arakawa a cargo de A-1 Pictures

Varios son los títulos que llegan con la vitola de ser referente en este verano, pero tampoco hay que descuidar otros títulos menos sonados como Servant x ServiceA-1 Pictures vuelve a apostar por una obra de Takatsu Karino, autora de Working!!, con el objetivo de repetir el mismo éxito cosechado con el anime de Working!!. Para ello contará con el mismo equipo responsable del anterior animeCho Jigen Game Neptune The Animation, versión animada de la popular franquicia Hyperdimension Neptunia de Compile Heart, es otra de las series esperadas por los aficionados. Será en septiembre cuando si la puesta en escena de las carismática historia de la guerra de consolas es más que una simple historia de chicas bonitas y buena puesta en escena. Otros títulos a tener en cuenta son Kimi no Iru MachiBlood LadFantasista Doll,Brothers Conflict o Genei wo Kakeru Taiyo entre otros.

Pero a pesar de la multitud de novedades, si esta temporada anime de verano tiene un nombre propio este será el de Monogatari. La exitosa adaptación animada de las novelas ligeras de Nisio Isin regresa a la pequeña pantalla con una nueva temporada de 26 episodios que comenzará a emitirse en julio de 2013 en adelante. Esta adaptación cubre las seis novelas ligeras de Nekomogatari (Blanco)Kabukimonogatari,HanamonogatariOtorimonogatariOnimonogatari y Koimonogatari. Al cargo de esta segunda temporada estará una vez más Akio Watanabe y el estudio SHAFT, quienes volverán a intentar de cosechar al menos el mismo éxito conseguido con las anteriores entregas.

Continuando con las secuelas uno de los regresos más esperados es Genshiken: Second Season. El popular club universitario de la sociedad para el estudio de la cultura visual moderna retornan una vez más para deleite de sus seguidores. Otros de los que regresan, en esta ocasión por tercera vez, es Kami nomi zo Shiru Sekai. Esta nueva secuela de la popular adaptación animada del manga de Tamiki Wakaki adaptará el arco argumental de Goddesses. Otras secuelas que se emitirán este verano de 2013 son una nueva temporada de Rozen MaidenHigh School DxDRo-Kyu-Bu!Senyû,Senki Zessho Symphogear y Hakkenden.

Dejando a un lado la pequeña pantalla, la cartelera de las diferentes salas de cine japonesas contarán también con el estreno de nuevas producciones animadas. El mes de julio viene marcado por el estreno de Kaze TachinuStudio Ghibli regresa de la mano del maestro Hayao Miyazaki para presentar esta historia basada en la vida de de Jiro Horikoshi, un famoso ingeniero aeronáutico de principios del siglo 20, que diseñó el famoso caza Zero Fighter, el avión más conocido de la aviación japonesa en laSegunda Guerra Mundial.

A continuación la Guía Visual de la Temporada de Anime Verano de 2013:

Guia Visual Anime Verano 13Fuente:  Ramen para 2

Ademas como bonus les dejamos el trailer de Kaze Tachinu del maestro Hayao Miyazaki

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Calendario de Animé: Temporada Primavera 2013


A pesar de que tardamos en publicar esta nota, tengo que decir que la temporada de animé de la primavera del 2013 está cargada de novedades y secuelas. Llega luego de un invierno que nos dejó con un sabor amargo, sin grandes éxitos para recordar. Es por ello que las productoras y los distintos estudios animados proponen ahora una amplia oferta, un total de 53 series de animación para televisión y 14 largometrajes confirmados, con el objetivo de cautivar al público nipón.

Entre ellas, suenan fuertes Hentai Ouji to Warawanai Neko, la adaptación animada de la serie de novelas ligeras de Sou Sagara y Kantoku, producida por J.C. Staff y dirigida por Youhei Suzuki; y la típica ración de mechas, que tanto encandila al aficionado japonés, con el estreno de Kakumeiki Valvrave (que considero una fusión de Code Geass y Gundam 00), del incombustible estudio Sunrise.

Otro de los títulos más esperados es la deseada versión animada del shônen de Hajime Hisayama Shingeki no Kyojin, más conocida por el aficionado español como Ataque a los Titanes (excelente manga y con imágenes de las más impactantes en mucho tiempo, comparables con las de Gantz). Este animé llega bajo el paraguas de Production I.G y bajo la responsabilidad del equipo responsable de Guilty CrownDeath Note y Psycho-Pass, entre otros. Más títulos que intentarán saciar el apetito del consumidor de animé: la adaptación animada de RGD Red Data Girl, un drama con toques fantásticos; el nuevo trabajo de Gen Urobuchi (Puella Magi Madoka MagicaSuisei no Gargantia; y las comedias románticas de Date a Live y Yahari Ore no Seishun Love Come wa Machigatteiru.

La atención no solo estará puesta en las nuevas series, sino también en las continuaciones de éxitos anteriores . Es lo que ocurre con las segundas partes de Toaru Kagaku no Railgun y Oreimo, ambas bastante deseadas por sus seguidores. Tendrán la difícil misión de volver a encandilar como lo hicieron sus predecesoras. Otro animé que regresa a la pequeña pantalla es la segunda temporada de Haiyore! Nyarko-san, que deberá volver a convencer a su público, al igual que Uta no Prince-sama – Maji Love 2000%. Trámite diferente será el de Hayate no Gotoku!, que vuelve con una nueva propuesta y nuevas historias.

Fuente: Ramen para 2

Guia Visual Anime Primavera 13

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Cine & Tec: Chroma Key


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Esta técnica utilizada en cine y televisión consiste en armar un fondo con un color plano y con un software especializado seleccionar esa zona y sustituirlo por una imagen o vídeo  Los colores que se usan generalmente son el verde y el azul ya que son los colores más lejanos al tono de la piel.

Sus orígenes los podemos encontrar en 1913 con la técnica de williams shots  que permitía situar a los actores en fondos rodados en otros lugares, fotografiando a los actores contra un fondo blanco o negro para obtener del negativo las máscaras. Estas máscaras se introducían en la imagen de fondo rodando con una cámara bi-pack, esto es, rueda con dos emulsiones a la vez, y luego sobre la reserva hecha en el fondo se volvía a meter a los actores. Est técnica la podemos apreciar  en películas como King-Kong y Ben-Hur. Aunque en 1925 aparece el que será el origen del chroma que nosotros utilizamos ahora, el proceso se denomino Dunning-Pomeroy y consistía en que rodaba a los actores sobre un fondo azul que era sustituido por la imagen ya rodada anteriormente. La imagen final se componía en una cámara bi-pack con dos emulsiones, la trasera era una película B/N pancromática sin exponer y delante de esta el positivo coloreado de naranja en los negros y los grises con la imagen del fondo. El actor se situaba delante de un fondo iluminado de azul y el primer término, con el actor, se iluminaba con luz filtrada de naranja.

Para llevar a cabo esto los actores y fondos debían ser filmados por separado y los distintos rollos de película integrados en un único celuloide empleando para ello una costosa impresora óptica. La llegada de los ordenadores y la filmación digital pemitió que todo el proceso se realice de modo más directo y mucho más perfecto.

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Para que la implementación del croma funcione bien los colores del personaje y el fondo deben ser muy distintos, también se debe prestar atención a que ninguna de las prendas del personaje presente el color del fondo pues sería eliminado de la imagen. En vestuario y peluquería se deben evitar los bordes poco definidos, ya que será más difícil ajustar el croma también hay que tener en cuenta la locación ya que si ruedo en un bosque, no utilizare fondos de croma verde por que todo lo que tengo en los primeros términos incluye de una forma u otra tonos verdes y esto podría contaminar también a los árboles, arbustos helechos, etc, creando agujeros en las máscaras, que habría luego que ir limpiando. Si tengo por ejemplo actores vestidos con camisas hawaianas que tienen mucho azul, no usare un croma azul, sino verde; si el actor, por ejemplo tiene los ojos azules, tampoco es aconsejable usar croma azul entre otras cosas a tener en cuenta.

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En cuanto a la iluminación del chroma esta debe ser uniforme o homogénea y no le deben afectar ni sombras ni luces pertenecientes al personaje, ni tampoco  los actores deben recibir contraluz azul o verde del fondo ya que en el montaje final se verán rodeados por un pequeño halo de este color (esto se puede apreciar en algunas producciones de bajo presupuesto). Para esto la distancia entre el croma y el personaje debe ser suficiente para que el color del croma no bañe al personaje.

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En el siguiente ejemplo veremos la utilización del chroma key  en la escena del consejo Jedi en Star Wars;

Como fuente primaria una filmación en la que los actores ruedan en un decorado cuyas ventanas están cubiertas por un fondo azul

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bEn la composición final el sistema de grabación detectará la presencia del azul en los huecos de las ventanas y en esa zona desconectará la fuente primaria (filmación con actores) y colocará la secundaria (fondo generado por ordenador). Como resultado de esta acción se obtendrá una combinación de ambas fuentes de modo que donde había decorado y actores permanecerán estos y donde teníamos fondo azul ahora tendremos el  fondo generado por ordenador

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La filmación con fondo de color surgió como sustituto de la proyección escenográfica y al igual que esta facilita fondos para la acción cuando estos son imposibles de obtener por otros medios ya sea porque no existen y son difíciles de recrear (fondos fantásticos), bien porque sale muy caro trasladar a todo el equipo técnico (sustituto de exteriores) o porque resultan arriesgados para los actores como puede ser un combate en las alturas  (escenas de riesgo).

Otro de los usos que pueden llegar a usarse es el de ocultar a los operadores de marionetas y animatrones. En estos casos los técnicos se visten con el mismo color empleado para el Croma Key y luego son borrados junto al fondo.

En el caso de los fondos blancos y negros que podemos ver no se definen como técnica chroma key, sino como Luma Key, proceso que usa los valores absolutos de luminosidad de una imagen para eliminar los que se pasen o se queden por debajo de un valor dado.

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Por ultimo, como  ejemplo de Chroma en su máxima expresión les dejo esta escena de Destino Final 5

Cine: Oblivion x 2


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“Prohibido olvidar”

Todos sabemos que todos los géneros tienen sus subgéneros. En la ciencia ficción por ejemplo tenemos la clásica, donde se plantean problemas existenciales, y la moderna, con mucha carga de acción. Raras son las pelis de Sci Fi que mezclan estas dos vertientes; y luego de ver Oblivion se entiende el porque.
En un futuro, la humanidad fue invadida por los “carroñeros”, una especie extraterrestre. Luego de que estos últimos hicieran explotar la Luna y que nosotros lanzáramos misiles nucleares, el planeta quedo inhabitable. Años después, y con los humanos viviendo en Titán, luna de Júpiter, son enviados equipos técnicos a la Tierra para drenar agua del mar y crear energía. Pero algo va a cambiar en la vida de los actuales técnicos, Jack y Vicka.
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Como dije inicialmente, rara vez una película de Ciencia Ficción mezcla sus dos grandes vertientes, y quienes vean esta peli entenderán el motivo. Algunos se preguntaran ¿Por qué hago tanto hincapié en esto? Es fácil, mientras la rama clásica del género se tira por plantear problemas existenciales en el protagonista, la moderna llena el film de acción, rayos laser y explosiones. Y como que resulta poco coherente que si el protagonista se pregunta su lugar en el universo, lo haga mientras dispara una ametralladora de protones.
Y este es el mayor problema de Oblivion, el primer tramo nos muestra la situación actual de la Tierra y el conflicto interno de Jack, pero todo lo que construye se va a pique cuando empiezan los tiros. No por nada la primera media hora inicial hace agua por todos lados una vez digerida la peli.
Ojo, con esto no quiero decir que la peli sea mala, de hecho la mejor descripción que le cabe es el de ser entretenida. Pero viendo el potencial que se tenía, quedarse con un entretenida suena a poco pudiendo haber sido un peliculón.
Mención aparte merece el apartado visual. Y es de lo más IMPRESIONANTE que vi en mucho tiempo. Desde el primer fotograma hasta el último, las tomas aéreas de la tierra desolada son brutales, en especial la escena de la piscina en el cielo. Algunos (ejm Cameron) deberían aprender a hacer algo con tanta potencia visual sin tener que vender humo en 3D.
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En este caso Tom Cruise (de reciente paso por nuestras tierras) solo pone la geta como actor. Bien por él y el director Joseph Kosinski en lograr un trabajo bastante medido. Más que nada porque el papel se prestaba para el histrionismo insoportable que tiene Cruise cuando no se lo controla.
Y hablando del director (es el mismo de la mediocre Tron Legacy), un diez por como aprovecho el presupuesto a la hora de lo visual, pero un tirón de orejas por el mal uso de la música. Si, la banda sonora está muy bien, pero no hay necesidad de ponerla con el volumen al máximo para emocionar cuando las imágenes por si solas ya lo hacen.
Vuelvo a decir que Oblivion es una buena película de ciencia ficción, y seguramente hasta ver Elysium se quede con el puesto de “la mejor sci fi del año”. Pero por querer abarcar mucho y cubrir muchos rangos de público, termino apretando poco y dejando con un sabor amargo al ver el potencial desperdiciado.
Ah, me olvidaba, Olga Kurylenko esta mega buena, pero para hablar mejor habría que hacer un tema exclusivo para ella.
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Un saludo intentando recordar.
Nota: 7 y medio
Jorge Marchisio
Mi face Yorsh A. Romerospoiler warningADVERTENCIA APARTIR DE ACÁ HAY PELIGRO DE SPOILER SEGUIR LEYENDO SEGÚN SU PROPIO CRITERIO.

“la ensalada de fruta que me encanto”

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Él porque del segundo título tiene un “porque” que espero demostrar en la siguiente parte nota, sin embargo, tengo que admitir que va haber muchos spoiler porque si no se entenderá hacia donde me dirijo.
Para empezar esta película me encontró llevándola a ver en el último día del BAFICI sin embargo no me arrepiento de ir a Verla   y degustarla antes de ver Iron  Man 3, pero yendo a lo que nos compete la verdad es una película que no tiene desperdicio para el fan de la ciencia ficción, porque los guiños que se encuentran en la movie son muchísimo, para empezar podemos encontrar elemento de películas comí Star trek, Moon, Día de la independencia, Odisea en el espacio, Mad Max y hasta creo haber vislumbrado algo muy común en el anime que son fanService de Top Gun y Misión imposible, es decir, fan Service para los que siguen a tomar Cruise. Sin embargo debí realmente encontrar el truco para conservarme como el actor.
La versatilidad de la película es muy buena, a partir de llamarme la atención cierto número y que sumado a que vi “Moon“, La isla, Gattaca entre otros ya me di cuenta de por dónde iba el argumento pensé que iba a decepcionar a pesar de recomendada por muchos amigos sin embargo me demostró que. A veces los guiones no lo son todo, es una parte importante de eso no hay duda pero eso no quita que te no tenga buen sabor. Lo mismo me pasó con Avatar película que me gustó en lo visual de una manera especial pero me decepcionó de igual medida el argumento y el guion, fue como comer comida francesa, exquisita pero no me lleno por lo que al final terminó yendo al McDonald a terminar de llenarme.
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Y la razón del título es porque el responsable de la película logró hacer una muy buena película repleta de guiños. No sé qué me dirán de esta comparación pero sentí que estaba viendo un Eragon pero en film (Me refiero a las críticas que recibió Paolini sobre su primer libro), aceptó que como dice un colega, hoy en día hay tantas películas que uno ni puede ser original, pero la verdad está película me gustó no tanto como Wall-E pero la ubicó por esa zona en genero.
Cómicamente Jack se define como limpiador y los guiños de Star trek y Prometeus se ven ya en lo limpio que es la base del protagonista y como es que llega objeto, lo de odisea en el espacio es por una nave y cierto personaje que aparece en la movie. Los llamados carroñeros hacen recordar a los depredadores y su tecnología stealth y hay un momento que parece una escena salida de MadMax y sin contar que los droides son versiones anteriores de los centinelas de Matrix. De día de la independencia se puede ver la situación e incluso leí una frase hecha en un momento y circunstancia muy parecidas, sin contar el momento de Armagedón.
La relación  de los personajes es muy especial principalmente porque a pesar de vivir juntos son polos opuestos muy distantes entre sí y si bien todo parece tolerancia pura, todo se cae apenas aparece la tercera en discordia que encima tiene papeles de peso para hacer mierda esa relación de cristal.
Por lo que en principio me gustó mucho como presentaron la evolución del personaje Cruise, y este le saca todo el jugo con todo su aire de Misión Imposible y Top Gun.
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La verdad es una película que copia otras movies e incluso funsiona argumentos pero que a pesar de eso no se boicotea a si misma por que tiene dinamismo y versatilidad. Como fan de la Sci-Fi me siento halagado que saliera una movie pochoclera muy buena y no es necesariamente profunda pero que tenga tantos guiños y simplemente te invita a ir a disfrutarla de la mejor manera.
Y encima haciendo que mi dios negro favorito hiciera lo mejor que sabe hacer, actuar. Junto a Sean Connery este maestro no sabe hacer personajes secundarios torpes,sino que  son todos dignos de tener su propia película. Pero que más puedo decir, creo que quedó más que claro que está ensalada rusa me encantó no hacía el fanatismo pero si  logro que el Fanboy en mí  analizara los guiños y los disfrute. Hasta la próxima.

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Anime & Mangas: Swort Art Online o SAO para la muchachada


sword_art_online_1080p_wallpaper_2_by_gildarts_clive-d5bzic2 Después de mucho buscar, de ver varias historias regulares o para pasar el rato reveer series ya vistas, me encuentro con esta belleza, de la que conocía de nombre y mucha gente me decía simplente, “estas obligado a verla, es demasiado buena para que no la conozcas”. Por lo que tras terminar varias series que venía viendo le entregue toda mi atención a la captura de esta serie y la posterior degustación visual de los que para muchos es el mejor anime del 2012 (No soy el único que lo piensa ya que muchos otros lares de la web y criticas piensan parecido).
Lo que tiene que saber es que SAO es una historia desarrollada en un Juego On-line llamado Swort Art Online, que la traducción sería el “arte de la guerra Online”  y tiene la particularidad de desarrollarse todo gracias a un casco súper avanzado de realidad virtual que al ponérselo la persona el aparatejo se enfoca en estimular las sensaciones del cerebro con respecto a los 5 sentidos, para que la persona piense que está en ese mundo virtual y perder así cualquier contacto con la realidad. Todo sucediendo en un lugar donde los players están jugando en un ambiente estilo de medioevo con matices mágicos pero sin entrar en la magia en sí, sino con objetos que proveen de habilidades parecidas, gracias a los componentes con los que se hacen, por eso cuando se hacen armas con pedazos de monstruos estas adquieren habilidades ya prefijadas (depende mucho del nivel del herrero la probabilidad de tener un arma o no) y es una de las cosas que veremos aquí y que no he visto en otras series del género (RPG) y que desarrollaran el concepto y además mostraran la fabricación de armas.
En la segunda temporada se traslada a un juego descendiente del anterior llamado ALO que es un mundo ambientado de hadas y con un trasfondo medio nórdico, guiño de por medio es el árbol dominante del panorama de ese juego que tiene el mismo nombre que el Árbol de la vida de las leyendas nórdicas Yggdrasil. Y en oposición a SAO este último juego es un lugar donde la magia lo es todo y si bien hay espadas en este caso son espadas mágicas y además poseen alas por lo que le agrega al jugador la habilidad de poder volar por voluntad propia ( no es mentira).
Primero vamos comentando que a diferencia de muchos de los anime que venía hablando en las notas anteriores (anime/manga) en este caso particular el formato original en el que se basa la serie es una serie de 9 novelas cortas, algo que se está popularizando bastante en las tierras niponas, otro de los anime muy conocido con ese tipo de adaptación es la serie de Haruri Suzumiya entre otros.

Sword Art Online (5)

Volviendo a esta serie tengo que admitir que este anime mezcla muchas cosas que lo hacen una obra digna de ser vista. Por un lado los juegos en donde se ambienta la historia, los geniales personajes, las situaciones por las que debe pasar el personaje principal que tiene el Nick (nombre ficticio) de Kirito, el romance con su coprotagonista Asuna Yuuki, las luchas, el alto contenido de escenarios de niveles gráficos sublimes y lugares que dada la naturaleza del Juego son digno de mi admiración y contemplación en más de una oportunidad. Es cierto me pasé un poco de emoción, vamos por partes.
Debido a que se basa en un juego MMORPG se basa en muchas de las características que distinguen a este tipo de genero de los demás, algo que los creadores de esta historia supieron aprovechar bastante bien estas cosas haciendo de ellas herramientas de afianzamiento de los personajes durante la historia. YA teníamos varias series que pasaron por el estilo RPG, sin embargo en más de una ocasión esta serie me hizo acordar al proyecto multimediatico HACK:// (hack.dot) principalmente Hack:// Sign. Lo que si hay decir es lo siguiente este anime de 25 cap. En total está dividido en dos arcos que se puede apreciar muy claramente en el capítulo 14 por lo que debido a que la historia tiene dos ambientes de desarrollo entre si distintos (me refiero a las temporadas) que no hace más que resaltar la historia de por sí ya realmente interesante. Por ejemplo hacia el capítulo 14 nos deja con el corazón en la mano con la sensación que todo quedó inconcluso, pero no es así y el hecho que una historia te deje con esta sensación es que realmente ha llamado tu atención. Cosa que lo logra hacer porque en muchos aspectos no tiene desperdicio ya sea visual, de la música del ambiente, el cuidado de cómo se crea un buen argumento y guion.

Sin embargo ya había dicho que no es perfecta y esto se debe a lo que a mi parecer fue una falta de…. (La verdad no sé cómo expresarlo, pero lo voy a intentar) La cosa es que debido a la naturaleza de la historia, aquellos jugadores que morían en el juego morían en la vida real, hasta aquí todo bien, la idea era que los personajes que morían alrededor del personaje principal lo harían cambiar de una u otra forma, pero luego de un rato nos da la sensación de que este hecho se vuelve un poco indiscriminado, 10000 jugadores arrancan en la historia y cuando empieza lo bueno de la serie hay solo 6000 y hay muchos menos cuando termina la primera parte.

Sword Art Online - 25 - Large End CardEsto me hace pensar en todos aquellas personas alrededor de los que murieron,  ¿qué sentimiento tendrían respecto del juego?, además de la gran pérdida de vidas humanas por un juego cuales estuvieron involucradas directamente por las decisiones de los personajes, porque a lo largo de las 14 cap. No se ve una historia lineal sino llena de saltos temporales bien registrado con hora y  fecha, por lo que muchos de los grandes eventos de juegos son ignorados o desconocidos por que la historia se centra en los protagonistas (una onda Game of Throne a la hora de contar la historia) y sin embargo en el segundo arco argumental tratan de sacarle jugo a él tema de los sentimientos y lesiones psíquica dejadas en el primer arco a los personajes.
Y uno de las cosas que mas chocan en el traspaso de arco a arco es lo diferente que es al historia y en cierta manera porque nos acostumbramos a verla de un modo con la primera temporada y en esencia la segunda parte es un poco mas lenta y menos tensionada que la primera por loq ue ya el cambio de aire nos parece raro y el protagonista principal esta como nosotros en el sentimiento de descolocación O que por ejemplo en el segundo arco que los protagonistas estuvieran tan solos en su casa sin que ninguna mayor haga acto de aparición, es decir, ¿donde estaban los adultos? (y aunque lo justifiquen con que el segundo arco dura menos de 5 dias, igual sigue siendo muy raro). Esto me ha dejado un sabor agridulce en la serie por un rato, pero no tan agridulce sino un touch.
Por todo lo demás, el autor se ha garantizado un buen quebradero de cabeza con esta serie ya que ha mezclado varios géneros de una forma muy buena (no sé pero me recuerda de alguna forma el sentimiento que produjo el final de Ángel Beats). Si usted es de aquellos de los que busca series psicológicas, drama, lagrimas, sangre, policías y ladrones, es mejor que no la vea porque le va a parecer insulsa e igual a las demás (aunque hay capítulos en donde hacen homenajes a estos géneros porque están tan inmersos en ese mundo que se les da pie para esas situaciones), pero más de uno me dará la razón en decir que es buenísima. En fin SAO y ALO (la segunda temp) es una de las series que no pueden dejar de ver, puede ser un poco lenta pero es se compensa con mucho ímpetu en el disfrute de visual y de historia empalagosa pero brillante, al recomiendo para ver porque realmente se merece ser llamada una de las mejores del 2012 y junto a esta serie el creador hizo otra de las series más interesantes de ese mismo rubro y se llama Accel World y en cierta manera guardan una relación cercana, y las diferencia las épocas, Los eventos de SAO y ALO son del 2022 en adelante y los de Accel World son del 2040 en adelante.

Y tanto es el furor que genero la serie que ya hay trailer para un Live action (Tienen que considerar que es un gran paso para una serie de anime llegar a las instancias de un “Live action” ya que es una seña de que tan famosa y prestigiosa es la serie)

 

<a rel=”author” href=”https://plus.google.com/107005891006004217533“>Maximiliano R. Esposito</a>

Animé & mangas: Junji Ito, el horror cósmico se escribe en kanji


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La imagen del dentista siempre ha generado terror. ¿Acaso, querido lector, mientras aguardaba en una sala de espera y escuchaba el taladro en las muelas del paciente en el cuarto contiguo, nunca imaginó escenas de dolor extremo y delirios inimaginables? Si no es así, vea La tiendita de los horrores (Little Shop of Horrors) o El dentista 1 y 2, del productor de Re-Animator, Brian Yuzna.

Pero estoy divagando. El nombre que nos ocupa en este artículo fue odontólogo, y no sería extraño que, a partir de la agonía de sus pacientes, se haya inspirado en un sinfín de imágenes macabras y retorcidas. Hablamos del dibujante y escritor de mangas Junji Ito.

Nacido en la prefectura de Gifu en 1963, el autor siempre sintió admiración por el terror y sus diferentes facetas. Tanto era así, que decidió acercarse al mundo del manga y dejar de maltratar a las encías de sus compatriotas, inspirándose en autores como el controvertido escritor de manga y director de cine Hideshi Hino –creador de la infame saga de Guinea Pig– y el escritor estadounidense H.P. Lovecraft, responsable de los mitos de Cthulhu.

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Y es en el universo de este último autor donde encontramos buena parte de la magia y el horror que evoca la obra de Ito: mundos dominados por fuerzas incomprensibles, maldiciones con efectos catastróficos, fantasmas con sed de sangre y criaturas horrendas creadas por la perversión y la ambición de la humanidad, tan solo algunos de los tópicos que el japonés aprendió del norteamericano.

El estilo de dibujo en las obras de Ito es bastante simple y alejado de las obsesiones caricaturescas del manga. Algunos elementos expresivos -como la constante de los ojos ennegrecidos- acentúan los momentos de horror y violencia.

Para hablar de Ito, destacaremos tres mangas sumamente reconocidos en los círculos del underground, obras maestras para los fanáticos del género: Tomie, Uzumaki y Gyo

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Tomie, la fatalidad vestida de mujer

Publicada por primera vez en 1987 y serializada hasta el año 2000, Tomie nos narra capítulo por capítulo las desventuras de una suerte de femme fatale sobrenatural, quien le da el nombre a la tira.

Esta mujer es una entidad fantasmagórica que enamora a los hombres al punto de conducirlos a la obsesión, la locura y, finalmente, al asesinato.

Tomie muere una y otra vez, y siempre regresa a la vida para empezar otra relación enfermiza, con consecuencias igualmente retorcidas para todos los involucrados. Aunque es su obra prima, el manga nos muestra varias de las marcas registradas de Ito: entidades sobrenaturales o inhumanas, mutaciones y transformaciones repulsivas, violencia y gore (pero sin excederse).

Tomie es una de las obras más reconocidas del autor.  Una saga de siete películas se basó en la historieta, anticipándose a los fenómenos de Ringu (1998), de Hideo Nakata, y Ju-on (1999), de Takashi Shimizu (o, como las conocemos en nuestras tierras, La llamada y El grito, según sus adaptaciones para el mercado estadounidense).

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Uzumaki: En el espiral del terror

Ninguna obra mostró tan claramente las obsesiones y delirios del autor como Uzumaki. No solo se acercó al horror cósmico y a las atmósferas macabras de Lovecraft, sino que elevó el arte de Ito a otro nivel.

Realizada entre 1998 y 1999, la historia narra, en varios episodios, los terribles hechos que suceden alrededor de un pequeño pueblo japonés, y las vivencias de un joven que puede percibir las fuerzas involucradas con dichos hechos.

Este pueblo está atrapado en una terrible maldición, la cual se relaciona con la figura del espiral (que en japonés se escribe uzumaki). La locura y el caos están tan presentes como en Tomie, pero las imágenes son tan poderosas y oscuras que se adhieren a la retina del espectador: un padre que se enloquece con los espirales al punto de querer ser uno con ellos, una mujer con una cicatriz que se convierte en un vórtice de muerte, un joven que se convierte en caracol, un hospital con pacientes sedientas de sangre…

En Uzumaki, el mundo es asfixiante, y cada una de sus historias nos lleva a un inevitable y mórbido final. El manga sería adaptado a la pantalla grande en el año 2000, sin grandes repercusiones en comparación con la versión impresa.

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Gyo: El mar huele a muerto

“Criaturas marítimas genéticamente modificadas, creadas por el ejercito exclusivamente con fines bélicos, se escapan de su resguardo para atacar brutalmente a personas inocentes”.

Para el experto en cine clase B, parece una premisa sacada de la película Piraña, de Joe Dante, estrenada en 1978. En la misma, una unidad del ejército experimenta con los peces del título, los cuales se escapan para devorar a bañeros desprevenidos.

Pero en el caso de Junji Ito, todo avanza un paso más allá. Las cosas nunca son tan fáciles como nos gustaría creer.

En Gyo, las bestias no son solo peces, sino también tiburones y ballenas, todos sostenidos sobre patas de hierro, las cuales se mueven por la influencia de terribles bacterias que afectan a los seres humanos y los convierten, también, en bestias.

Por ende, los protagonistas de esta historia no solo deben sobrevivir al ataque de los bichos acuáticos, sino a las terribles consecuencias del gas que los impulsa –generado por dichas bacterias–, el cual genera devastación y pandemonio sin salida.

Realizada durante los años 2001 y 2002, Gyo mostró al autor con una trama más formal, pero sin perder sus desvaríos e imágenes chocantes.

En 2012, un ova de 71 minutos basado en el manga fue realizado por el estudio Ufotable, con ciertas desviaciones de la obra original.

En conclusión, vale la pena buscar la obra de Ito, quien afortunadamente, gracias a la magia de Internet, se ha vuelto un importante referente para un nicho mundial de fanáticos del manga seinen de horror, quienes esperan historias realmente duras, creativas y sin contemplaciones.

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ADVERTENCIA: LA SIGUIENTE ENTREVISTA SE ENCUENTRA EN INGLÉS Y NO POSEE SUBTÍTULOS EN CASTELLANO