Lo que viene: Frankenweenie


Este año tenemos Burton por partida doble. Muy contentos tienen que estar los numerosos fans de este particular director. Luego de Sombras tenebrosas, llega el turno de Frankenweenie (ídem, 2012), basado en su propio cortometraje -live action- del mismo nombre realizado en el año 1984 y con actuaciones de Shelley Duvall y Daniel Stern, entre otros.

Tim Burton vuelve a la animación en esta cinta que no es otra cosa que un homenaje al clásico Frankenstein y, mas específicamente, a las versiones de cine hechas por la Universal Pictures en los años ’30.

En esta remake (como ven, hasta de los cortos se hacen) podremos disfrutar de las voces de: Martin Landau, Christopher Lee -en pocos meses lo veremos en El Hobbit-, Martin Short -lo veremos el próximo año en una versión animada de El mago de Oz- y Winona Ryder.

A continuación les dejamos el último y espectacular avance de Frankenweenie. Que lo disfruten!

 

Cine & Música: Rock ‘n Roll High School


 

 Rock ‘n Roll High School es una bizarra película de la que muchos no recordarán su totalidad, pero sí seguramente algunos detalles o escenas específicas. Con un presupuesto de US$ 300.000, fue hecha en Los Angeles, California, bajo la dirección de Allan Arkush (director de películas y sobretodo series, como Moonlighting o Héroes) y el gran Joe Dante (no acreditado) y con la producción del genial Roger Corman. Fue estrenada el 24 de agosto de 1979.

Esta película originalmente iba a llevar el nombre de Disco High pero gracias a Joe Dante y el escritor pudieron convencer a Corman que la música disco no era rebelde (como necesitaban que fuera para la peli) y que debían cambiarla por Rock & Roll. La elección de la banda musical se redujo a 2 candidatos: Cheap Trick y los Ramones, pero los primeros no estaban interesados y pedían mucha plata.

Claramente es una película hecha para lucimiento y promoción de los Ramones. Muchos podrán decir que es una versión bizarra del film Grease (1978) y no estarán equivocados, sólo basta con ver un par de sus escenas para darse cuenta de esto (hay un indio, 2 monjas y un ratón de laboratorio gigante como parte del público del recital; un consejero adolescente tiene su oficina en el baño de hombres de la escuela; la protagonista se va a bañar y al correr la cortina tiene a Dee Dee (integrante de los Ramones) tocando debajo de la ducha abierta).

En cuanto al aspecto estrictamente musical, cualquiera pensará que los Ramones son protagonistas y que únicamente está su música en el film pero ninguna de estas dos cosas serían correctas. La protagonista es únicamente P. J. Soles que hace de la carismática Riff Randell y musicalmente van a poder escuchar desde Chuck Berry hasta Alice Cooper, pasando por Fleetwood Mac, The Velvet Underground, Paul McCarney, etc, pero con mayor cantidad de temas ramoneros, obviamente.

El primer tema que se escucha al empezar el film es “Did we meet somewhere before” de Paul McCartney. Que hayan elegido un tema del gran Paul para empezar no resulta raro si uno conoce el fanatismo de los Ramones (sobre todo de Joey) por los Beatles. Es más, ellos se llaman así gracias a una costumbre de Paul, cuando ya era una persona de fama mundial, al hacer el check in en los hoteles para que no lo reconozcan firmaba como Paul Ramone.

La mayor parte del OST de este film habla sobre temas relacionados a la escuela, a la adolescencia y al rock & roll. No es una cinta que les dejará una enseñanza muy profunda, pero si los va a hacer disfrutar de muchos buenos temas de rock.

El soundtrack completo es el siguiente:

Bent Fabric – Alley Cat, Chuck Berry – School Days”, Brownsville Station – “Smokin’ In the Boys Room, Alice Cooper – School’s Out, Devo – Come Back Jonee, Eddie and the Hot Rods – Teenage DepressionFleetwood Mac – “Albatross, Fleetwood Mac – Jigsaw Puzzle Blues, Nick Lowe – So It Goes, Paul McCartney – “Did We Meet Somewhere Before?“, MC5 – High School, The Paley Brothers – C’mon Let’s Go, The Paley Brothers – “You’re the Best“, Todd Rundgren – A Dream Goes on Forever, The Velvet Underground – Rock & Roll, Brian Eno – Spirits Drifting, Brian Eno – “Alternative 3“, Brian Eno – “M386“, Brian Eno –Energy Fools the Magician, Ramones – Blitzkrieg Bop, Ramones – I Just Want to Have Something to Do, Ramones – I Wanna Be Sedated, Ramones – I Wanna Be Your Boyfriend, Ramones – I Want You Around, Ramones – Pinhead, Ramones – Questioningly, Ramones – Rock ‘N’ Roll High School, Ramones – She’s the One, Ramones –Sheena Is a Punk Rocker, Ramones – Teenage Lobotomy, Ramones – California Sun, Ramones –Do You Wanna Dance?

Y para finalizar les dejamos el trailer de esta divertida película.

Estreno: Valiente


El estreno de Valiente (Brave, 2012) nos permitira ver la última producción de Disney/Pixar, los genios de la animación que desde los orígenes de su asociación viene marcando la pauta en cuanto a calidad en producciones animadas, al menos en lo que se refiere al cine comercial/convencional.

Dirigida por Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell, la nueva creación de los estudios de animación Pixar promete reventar las taquillas en todo el mundo.

En las voces de los protagonistas trabajaron, entre otros: Kelly Macdonald, Billy Connoly, Emma Thompson, Julie Walters y Robbie Coltrane.

En versiones 2D y 3D e introduciendo un nuevo sistema de sonido conocido como Dolby Atmos, esta superproducción (U$S 185 millones) nos cuenta las aventuras que vive una pelirroja heroína nacida en Escocia.

A continuación les dejamos el avance de Brave. Que lo disfruten!

Viñetas Argentinas en el Cine (parte 1)


A pesar de la larga tradición que posee la Argentina en materia de historietas, y de la facilidad que reviste el traspaso de este género al cine –cuestión comprobada en exceso, en estos últimos años, por las producciones hollywoodenses- pocas han sido las obras del noveno arte argentino que han llegado a la pantalla grande. Vale la pena, entonces, hacer un breve repaso por todas ellas, sobre todo porque muchas son prácticamente desconocidas por el gran público, y varias guardan un nivel de calidad más que aceptable.

De forma totalmente arbitraria, he decidido dividir a estas producciones en tres grandes grupos –más una especie de prólogo, o prehistoria, y un apéndice sobre documentales-, de acuerdo a criterios temáticos y de temporalidad que las asemejan. Veamos, a continuación, de qué y de quiénes estamos hablando.

Prólogo

Serie de Pancho Talero (1929 – 1931). Dirigida por Arturo Lanteri, basada en su historieta Las aventuras de Pancho Talero.

Pionero de la historieta en nuestro país, Arturo Lanteri es considerado el primer historietista en utilizar plenamente los recursos propios de la narración en viñetas. A fines de la década del ’10 escribe y dibuja series muy populares como El Negro Raúl y Aventuras de Filemón Tijereta, entre otras. En 1922 crea para la revista El Hogar, Las aventuras de don Pancho Talero, una tira costumbrista muy influenciada por el Bringing up father, de George McManus. Con unos 20 largos años de publicación, esta historieta retoma el uso de los globos  para indicar los diálogos de los personajes, y es además la primera en generar una suerte de merchandising, con muñequitos y caretas de carnaval con la cara del protagonista.

Dentro de este material externo a la tira, el propio Arturo Lanteri dirigió tres películas sobre el personaje, aunque solo se conserva un fragmento de la última: Las aventuras de Pancho Talero (1929), Pancho Talero en la prehistoria (1930) y Pancho Talero en Hollywood (1931). El rol protagónico está a cargo del actor Pepito Petray.

 

Primera época: La Edad Dorada

Esta primera denominación viene a cuenta de dos factores que convergen en una misma época (década del ’40 y principios del ’50). Por un lado, la creciente popularidad de publicaciones de historieta, humor y actualidad que se editaban en la Argentina. Revistas como Patoruzú y Patoruzito (de Dante Quinterno), o Rico Tipo (de Guillermo Divito), entre otras, podían llegar a vender cientos de miles de ejemplares por semana, en un éxito editorial jamás superado al día de hoy. Por el otro, se vivía también un momento de gran producción en la industria cinematográfica argentina, que poco tenía que envidiarle a su par Hollywoodense. Se rodaban una gran cantidad de películas, y el público concurría en masa a ver a sus estrellas favoritas en la pantalla grande.

En este contexto, no resultaba raro que varios de los populares personajes de las revistas de humor tuvieran su versión en celuloide. En total, estas adaptaciones fueron cuatro:

Fúlmine (1949). Dirigida por Luis Bayón Herrera, basada en la tira de Guillermo Divito.

Fúlmine es una versión en viñetas del clásico jettatore: un tipo que, muy a su pesar y sin ninguna mala intención, le infunde mala suerte a cualquiera que se le acerque. La película, protagonizada por el popular comediante Pepe Arias, muestra al personaje haciendo de las suyas en distintas situaciones, aunque sin respetar el aspecto medio “funebrero” que mostraba en la historieta.

Avivato (1949) Dirigida por Enrique Cahen Salaberry, basada en la historieta de Lino Palacio.

Avivato es un personaje que siempre se las rebusca –en una maniobra típicamente argentina- para zafarse de sus obligaciones y obtener ventajas con el mínimo esfuerzo. La película, protagonizada por el exitoso actor Pepe Iglesias, “El Zorro”, en realidad está basada en una obra de teatro de George Milton, El Rey de los Garroneros, y se aprovechó de la fama de Avivato solamente para atraer más público. El argumento, de hecho, poco tiene que ver con la premisa original de la tira: aquí Avivato confunde a una manicura con una millonaria –que, a su vez, también lo confunde a él con un hombre de fortuna-, se enamoran, y tratan de disimular su verdadera condición, hasta que se descubre la verdad.

Don Fulgencio, el Hombre que no tuvo Infancia (1950). Dirigida por Enrique Cahen Salaberry, basada en la historieta de Lino Palacio.

Cahen Salaberry reincide en el cine con otro personaje del gran Lino Palacio, pero esta vez con una conexión mucho más directa con la tira original. Don Fulgencio es un señor entrado en años, de impecable traje y moño, que, como indica el título de la historieta, se divierte sin pudor con juegos y travesuras de niños. En el filme, el protagonista (encarnado estupendamente por el actor Enrique Serrano) cae víctima de un engaño por parte de sus amigos, quienes le hacen creer que su novia le es infiel. Desilusionado, se refugia en los juegos infantiles hasta que descubre que todo se trata de una broma.

Piantadino (1950). Dirigida por Francisco Mugica, basada en la historieta de Adolfo Mazzone.

Nuevamente, Pepe Iglesias interpreta a un personaje de historieta que guarda muy poca relación con el original. Don Piantadino, tal el nombre de la tira, cuenta las desventuras de este hombre que inventa las mil y una artimañas para escapar de la cárcel –pero nunca lo logra-. En la película, Piantadino es un corredor de seguros que se enemista con su jefe luego de que este se entera que está noviando con su hija. Aparecen dos de los personajes secundarios de la tira, Afanancio (que también tuvo su propia tira de historietas) y Batilio –compañeros de celda de Piantadino-, que en la película utilizan al protagonista para asegurar objetos que luego harán desaparecer.

Mención aparte merece el cortometraje de animación Upa en Apuros, primera aparición del célebre cacique Patoruzú fuera del universo de la historieta. El filme, de unos 10 minutos de duración, fue realizado por el recién inaugurado Sindicato Dante Quinterno, el primer y único intento de Syndicate realizado en la Argentina. La dirección corrió por cuenta de Tito Davidson, mientras que Tulio Lovato (uno de los principales guionistas de Patoruzito) se encargó de la producción, y Oscar Blotta (creador de otro popular personaje, el Gnomo Pimentón), de la animación principal. Merece destacarse también el trabajo de Gustavo Goldschmidt en los fondos, y del compositor Melle Weersma en la banda sonora. El propio Dante Quinterno elaboró el story-board del corto.

El argumento está basado en una de las aventuras de la historieta original, en la que el gitano Juaniyo intenta raptar a Upa, el hermano menor de Patoruzú. En su intento por rescatarlo, el indio tendrá que vérselas contra el temible oso del gitano. La excelente calidad en la animación y los dibujos, comparable a la de monstruos como Disney o Warner, y el agregado del color –es el primer dibujo animado argentino en colores- demandaron un enorme esfuerzo de producción y costos altísimos. Tal es así que el estreno planeado para el 21 de abril de 1942, tuvo que posponerse al 20 de noviembre, como variedad de la exitosa película La Guerra Gaucha. A pesar de las pérdidas económicas que sufrió Quinterno por esta producción, Upa en Apuros aun hoy se mantiene como uno de los máximos exponentes de la animación argentina.

Los espero en la segunda parte de este especial sobre historietas y cine, pero antes les dejo el corto Upa en apuros. Que lo disfruten!

Lo que viene: Total Recall


Otra remake próxima a estrenarse! Nada de historias nuevas.

Dirigida por Len Wiseman, realizador de Underworld y Duro de matar 4, Total Recall, nueva adaptación del cuento de Philip K Dick Podemos recordarlo por usted (We Can Remember It for You Wholesale), esta protagonizada por: Colin Farrell y Kate Beckinsale (justamente la heroína en la saga Underworld). También en el elenco veremos a: Ethan Hawke, Jessica Biel y Bill Nighy.

Con un presupuesto de 200 millones de dólares, este tanque hollywoodense promete arrasar en las taquillas de todo el mundo.

El antecedente cinematográfico de esta historia de sci-fi es la película El vengador del futuro (Total Recall, 1990), protagonizada por Arnold Schwarzenegger y dirigida por el gran Paul Verhoeven. En poco tiempo veremos si esta nueva cinta supera el excelente trabajo realizado por el holandés.

A continuación les dejamos el último trailer de esta nueva cinta de ciencia ficción:

Cine: Dos opiniones de Prometeo



Prometeo y sus antecedentes, por Guido Pellegrini

La trama de Prometeo podría haber salido de algún rincón oscuro de la Web, uno de esos sitios especulativos sobre extraterrestres, universos paralelos y el fin del mundo. Los arqueólogos Elizabeth Shaw y Charlie Holloway encuentran, en varias pinturas rupestres y obras de arte de civilizaciones antiguas – como los mayas, los sumerios y los egipcios – la figura de un humanoide que apunta hacia una constelación de estrellas. Arriban a la conclusión, un poco estrafalaria, de que la ilustración es, en realidad, un mapa codificado hecho por los Ingenieros, una raza de extraterrestres que presumiblemente concibieron a los humanos. Es así que, con el dinero del multi-millonario Peter Weyland, los arqueólogos se dirigen a la luna LV-223 – supuesta cuna de nuestros progenitores – junto con otros científicos y el robot David, interpretado por Michael Fassbender. Una vez ahí, descubren una instalación masiva con fines probablemente militares construida por los mismos Ingenieros, y la situación no tarda en empeorar.

Prometeo dialoga durante todo su metraje con dos clásicos anteriores de su director Ridley Scott, Alien y Blade Runner. Aunque esta nueva cinta pertenece al universo narrativo de la primera, los lazos entre ambas resultan menos reveladores que confusos. Más interesantes son las conexiones con el segundo film, Blade Runner, trazadas a través del personaje de David. Con su cuerpo alto y delgado, Fassbender tiene toda la apariencia de un androide, y su gestualidad refinada sugiere tanto a un amigo como a un asesino. Esta ambigüedad es crucial, porque, aunque David sea el responsable de muchas maldades, no se lo puede juzgar como a un ser humano, ya que no fue educado con nuestros códigos morales. Esto es igualmente cierto para los androides de Blade Runner, quienes se criaron como esclavos y nunca pudieron comprender el valor de la vida desde su miseria. Al huir de sus dueños, adquieren el gusto por la libertad, y al ser perseguidos y ejecutados, descubren el vacío que significa la muerte.

David no alcanza este grado de autoconciencia en Prometeo. Fue programado para satisfacer un único objetivo: que la misión que supervisa llegue a buen puerto. En este sentido, se parece a la computadora HAL 9000 en 2001: Una odisea del espacio. David no se preocupa por los tripulantes a su cargo, sino por los mandatos de la Weyland Corporation, temática que se ubica en plena sintonía con el temperamento anti-capitalista de Alien y, otra vez, Blade Runner. Sin embargo, al mismo tiempo que concreta órdenes empresariales, David cultiva un resentimiento profundo hacia los seres humanos, quienes lo desprecian como alguien inferior. En su corazón digital, se esconden emociones encontradas, tanto lealtad como rebeldía, y, paulatinamente, comienza a independizarse de sus creadores, sin llegar nunca al enfrentamiento abierto. La suya es una insurrección silenciosa, en proceso de gestación. Es la historia edípica del hijo que mata a su padre, como en Blade Runner, pero sin llegar al parricidio.

Si bien hay androides en todas las películas de Alien, estos no son importantes por sus conflictos existenciales, sino por los temores y las dudas que disparan en los demás personajes. David, en cambio, se ubica más cerca de los “replicantes” de Blade Runner, por sus planteos y por su desarrollo como un ser pensante, con una personalidad y una ideología propias. Además, su caracterización como androide rubio y de aspecto casi nórdico, que busca el significado de su vida en los seres humanos y es defraudado por ellos, y que toma por “padre” al avejentado CEO de una compañía, es prácticamente una reproducción del “replicante” Roy Batty.

Se podría trazar una evolución temática a lo largo de los años y las distintas visiones cinematográficas del futuro. Todavía en 1968, cuando se estrenó 2001, los protagonistas políticos eran estados-naciones. Un engendro de la Guerra Fría, la película de Kubrick, cuya trama el director neoyorquino esbozó junto al escritor Arthur C. Clarke, realiza una proyección irónica de las tensiones contemporáneas entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Obviamente, el film no es reducible a esto solamente – es un detalle de fondo, a lo sumo – pero el poder simbólico sigue siendo estatal y nacional. Once años más tarde, en Alien, el Estado es casi invisible, y una compañía privada surge como autoridad superior. Y en Blade Runner, ni siquiera encontramos un atisbo de representación democrática o, incluso, poder dictatorial. Solamente hay empresas – la Corporación Tyrell, entre ellas – que acaparan todo con sus ineludibles logotipos y su influencia ubicua sobre el espacio social y económico. Prometeo se perfila dentro de esta segunda línea, y puede resultarnos preocupante que una empresa privada se haga cargo de descubrir el origen de la humanidad y de utilizar – o intentar utilizar – esta información para el beneficio personal y egoísta de un simple gerente.

Sin embargo, Prometeo adolece de algunas flaquezas. Propone temas interesantes, pero no los profundiza más allá de su mención retórica. Quizás no sea un problema del guión sino una falta de sutileza estética. Blade Runner derrocha melancolía y decadencia en cada imagen. Su visión pesadillesca del futuro urbano es, además, una excelente reinterpretación del legado del cine noir de los 40s, donde la ciudad es el monstruo que consume a nuestros anti-héroes. Con su humedad, su collage de carteles y neón, y su laberinto de muchedumbre y basura, la ciudad de Blade Runner es inabarcable y desbocada, un alarido arquitectónico que destruye toda noción geográfica, un caos que atrapa a la humanidad en el entrelazado de infinitos y oscuros puntos de fuga, por donde la urbe se extiende, interminable. Nada de esto es dialogado. Los personajes no mantienen conversaciones sobre los excesos del mercado inmobiliario. Todo este sentido se sugiere visualmente, algo que Prometeo no logra equiparar. No hay poesía en su cinematografía ni en su decorado. Se sostiene sobre los logros de sus actuaciones y los pasajes más sugestivos de su libreto, mientras que sus imágenes rebosan de textura pero carecen de ideas. Lo que es suficiente, quizás, para una buena película, pero no para una obra maestra.

Una segunda opinión, por Maximiliano Espósito

En principio, no sé qué puedo decir sobre esta película, salvo que la venía esperando con mucha ansiedad, tanto por mi gusto por la saga de Alien como por el despliegue mediático masivo e inteligente que precedió a su estreno. Si pueden, aprovechen para ver los avances de Prometeo por YouTube, ya que a través de ellos tendrán más datos para entender el trasfondo de la cinta. A diferencia de los avances para cualquier otra película, estos son muy útiles a la hora de entender el contexto de los personajes.

En cuanto a lo visual, Prometeo es impresionante. Con este film, se sigue fundamentando mi idea de que los efectos especiales de esta época son dignos de verdaderos ingenieros de la imagen. Como un ejemplo, basta mirar la escena en que se puede ver al planeta y a la nave en órbita, cada cual con su proporción adecuada.

Sin embargo, hay cosas que me decepcionaron. Los alienígenas – o Ingenieros, en este caso – deberían ser mucho más grandes de lo que son en Prometeo, según el tamaño del cadáver que aparece en Alien.  Por lo tanto, esta nueva película parece habitar un universo alternativo respecto a la cinta original. A esto se suma el hecho de que muchos guiños que vinculan a Prometeo con el resto de la saga terminan por oscurecer y confundir la relación en vez de afirmarla y esclarecerla. Lo que más me extraña es que todo esto venga del mismo creador de Alien, Ridley Scott.

De todas formas, debo felicitar el toque seudo-religioso del mural donde se retrata al famoso “xenomorph” de las películas anteriores, además de la presencia del robot David, excelentemente interpretado por Michael Fassbender. Curiosamente, David es el mismo nombre del androide de la cinta AI: Inteligencia Artificial y del cuento corto “Los superjuguetes duran todo el verano” de Brian Aldiss, en el que se basó la película de Spielberg. También, a mi entender, la ideología de la empresa Weyland – presente tanto en Alien como en Prometeo – recuerda a partes de “III”, otro cuento corto de Aldiss. En cuanto a David, el androide de Prometeo y el niño de AI se hacen algunos de los mismos planteos filosóficos, aunque los del primero son articulados de forma más madura, acorde con su edad. No es que haya una conexión explícita entre ambas obras, sino que me parece muy curioso cómo se evocan mutuamente.

Más allá de estos detalles, Prometeo expone muy bien la obsesión – a veces salvajemente mortal – que caracteriza al ser humano. Como precuela de una película vieja, impactan los nuevos estilos y diseños, mucho más iluminados y definidos que sus pares hace treinta años, parecido a lo que pasó con la segunda tanda de la saga de Star Wars.  En fin, Prometeo fue una de cal y otra de arena. Me encantó y me defraudó, principalmente por el final, que podría haber sido manejado de otra manera.

Estreno: El Sorprendente Hombre Araña


Se estrena la primera (ya veremos cuantas mas se hacen) película del reinicio del superhéroe arácnido.

El director de esta cinta es, el hasta ahora desconocido, Marc Webb, que tan solo dirigió una comedia intitulada (500) días juntos.

Va a ser dificil que estas nuevas entregas del trepamuros superen lo que hizo algunos años atrás Sam Raimi con su fantástica trilogia.

El elenco de El sorprendente Hombre Araña (The Amazing Spider-Man, 2012) lo componen, entre otros: Andrew Garfield (Peter Parker / Spiderman), visto en El imaginario Doctor Parnassus y en La red socialEmma Stone (Gwen Stacy), vista en Zombieland y Loco y estúpido amorRhys Ifans (The Lizard, el villano de turno); Martin Sheen; Sally Field; C. Thomas Howell Campbell Scott.

Ya veremos que aporta como novedad a las películas ya realizadas, esta entrega que, por lo pronto, supone un tono algo mas oscuro que sus antecesoras.

Como ya es costumbre en las películas de Marvel, no faltará el clásico cameo del veterano Stan Lee.

El sorprendente Hombre Araña podrá verse en el formato 3D y también en el espectacular IMAX 3D.

A continuación, les ofrecemos el último trailer de esta superproducción: